Obras de Arte y Arquitectura Clave

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1.Cuevas de Altamira FICHA TÉCNICA NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Pinturas de la cueva de Altamira Desconocido Pintura rupestre Paleolitico Superior Santillana del Mar, Cantabria ANÁLISIS: En la cueva hay tres zonas: Sala junto a la entrada Capilla sixtina del arte rupestre Estancias y corredores Las mejores manifestaciones pictóricas son las del segundo espacio donde se ve el estudio anatómico,color y movimiento de las figuras. Sus características recuerdan a las de la pintura franco-cantábrica y aparecen grandes animales como bisontes, caballos, jabalí… Aprovechan las protuberancias de las rocas para darle volumen a los animales.

Se usan colores cómo el rojo, ocre y negro y hay grandes detalles como los ojos, pezuñas o crines ademas se usa la linea negra para marcar los contornos. Las figuras se yuxtaponen y no hay ninguna escena. COMENTARIO: A través de estas pinturas se ve que el hombre primitivo tenía experiencia directa con los animales, y en estas galerías hacían sus ritos sagrados. Tiene significado mágico religioso o relacionado con la fertilidad, aunque no se sabe. CONCLUSIÓN: La hija de Marcelino Sanz fue quien descubrió las pinturas mientras corria detras de un perro. Al principio se creían que eran falsas pero otros hallazgos y la prueba del carbono 14 vieron que eran reales.

2.Partenón FICHA TÉCNICA NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Partenón de Atenas Ictinos y Calícrates Arte clásico griego s.V a.C Atenas ANÁLISIS: Es un templo de proporciones regulares, siendo el doble de largo que de ancho. Tiene ocho columnas en sus lados menores y diecisiete en los mayores, (templo octástilo y períptero), y las columnas rodean todo el edificio. En la fachada principal hay seis columnas antes de entrar al pronaos, de allí se accede a la cella, dividida en tres naves por columnas superpuestas dónde está la estatua de Atenea, de 12 metros. Detrás del templo está el opistodomos, donde se guardaba el tesoro de la diosa.

Es un ejemplo del órden dórico, simple y equilibrado, mostrando la búsqueda griega de armonía y perfección. Para conseguir una visión perfecta aplicaron correcciones ópticas, como la inclinación de las columnas hacia el interior. Tenía una rica decoración escultórica, realizada por Fidias, que ahora esta entre el Louvre y el Museo Británico. COMENTARIO Y CONCLUSIÓN: El templo principal de la ciudad de Atenas, se construyó para albergar la estatua de Atenea Partenos.Se hizo con mármol pentélico y tiene las características del estilo dórico.

Además, al principio estaba pintado con colores intensos El templo siguió usándose como lugar religioso durante muchos años, pero una bomba veneciana destruyó gran parte del edificio. Después, en el siglo XIX, muchas esculturas fueron robadas y hoy están sobre todo en el Museo Británico y en el Louvre. 3.Laocoonte FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Laocoonte y sus hijos Agesandro, Polídoro y atenodoro de Rodas Griego helenístico s. III- II a.C Museos Vaticanos ANÁLISIS: Es una escultura romana exenta y de bulto redondo, basada en una griega de bronce. Representa un tema mitológico: Laocoonte y sus hijos luchando contra las serpientes marinas enviadas por los dioses.

Existen dos versiones sobre el castigo: Fue castigado por advertir a los troyanos sobre el caballo de Troya, Fue castigado por Apolo tras profanar su templo. La composición se organiza a partir de una estructura piramidal formada por las cabezas de los personajes, mientras varias diagonales aportan movimiento y tensión por las serpientes. Los cuerpos son muy musculosos, incluso los de los niños, siguiendo el ideal clásico. También destaca el dramatismo de los gestos, típico del arte helenístico. COMENTARIO Y CONCLUSIÓN: La obra mezcla el idealismo con intensas emociones humanas. Esto rompe con los cánones clásicos de perfección mostrando una representación más dramática.

Se capta el sufrimiento en los rostros de los personajes, sobre todo en el de Laocoonte* La escultura helenística parte de la escultura clásica , pero tiene mayor dramatismo. Fue descubierta entre las ruinas del palacio de Nerón en Roma e influyó en el Renacimiento, el Barroco (cuerpos en tensión) y a numerosos artistas como Miguel Ángel que quedando impresionado con la "terribilità" y el "pathos"o Bernini. 4.Teatro de Cartagena FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Teatro romano de Cartagena Emperador Augusto Romano clásico s.

V- I a.C Cartagena ANÁLISIS: El teatro se construyó aprovechando la ladera del Monte de la Concepción, tallando las gradas en la roca y reforzandose con sillares de caliza, solo los laterales de la media y summa cavea tienen una estructura independiente. El acceso se realizaba por las puertas laterales, que conducían al vomitorium, La cavea se organiza en ima, media y summa cavea y verticalmente, se divide mediante escaleras radiales en sectores en forma de cuña, cuatro en las dos primeras zonas y siete en la superior.

Los asientos estaban organizados según la clase social, y las élites de Carthago Nova se sentaban más cerca del escenario El podium está construido en opus caementicium y sostiene la estructura escénica. Sobre él se levanta la frons scaenae con tres exedras curvas que delimitan el proscaenium y están las puertas de acceso al escenario. A ambos lados estan las parascaenia. La estructura tiene un sistema de columnas con basas áticas, fustes de mármol rosa y capiteles corintios. El edificio sigue el estilo de la época de Augusto y probablemente usó materiales traídos de Roma. La orchestra es semicircular y sigue el modelo del teatro romano.

Abajo hay un sistema de canalización conectado a sumideros situados en las exedras COMENTARIO: El teatro romano de Cartagena fue descubierto en 1988 por Sebastián Ramallo Asensio y había estado oculto durante siglos. El edificio estaba dedicado a los nietos de Augusto para mostrar el poder romano en Carthago Nova. Tenía capacidad para seis mil espectadores, con gran calidad de materiales. El teatro romano introduce algunas modificaciones y la frons scaenae adquiere un mayor protagonismo y una decoración más monumental.

Más tarde, con la decadencia de la ciudad, el teatro dejó de usarse y muchas piezas se reutilizaron en otros edificios, así se pudieron recuperar elementos originales CONCLUSIÓN: El Teatro Romano de Cartagena, ha aumentado el valor del patrimonio arqueológico de la Región de Murcia y ha ayudado a conocer mejor la ciudad antigua. También demuestra que conservar el patrimonio puede aportar cultura y beneficios económicos. 5.Coliseo de Roma FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Anfiteatro Flavio o Coliseo Romano Emperador Vespasiano Arquitectura romana s.

I Roma ANÁLISIS: El Coliseo era un edificio romano para espectáculos públicos, construido con bloques de travertino unidos con opus caementicium. Mide 187 metros de largo, 155 de ancho y tiene cuatro pisos con distintos órdenes: toscano en el primer nivel, jónico en el segundo y corintio en el tercero, el cuarto piso se añadió más tarde con un muro macizo con pilastras y ménsulas para sostener el velarium. Se entraba por ochenta arcos de medio punto y podía albergar a más de cincuenta mil espectadores.

Dentro se usa la bóveda de crucería y la cavea se divide en ima, media y summa cavea, organizando a los espectadores según su posición social y bajo la arena estaba el hipogeo, con túneles y mecanismos para sacar animales y gladiadores rápidamente durante los espectáculos. COMENTARIO Y CONCLUSIÓN: El Coliseo se construyó con Vespasiano para sustituir parte del palacio de Nerón y devolver ese espacio al pueblo romano, así se drena el lago de la Domus Aurea y se construyó el Coliseo, cuyo nombre procede de la gigantesca estatua de Nerón como Helios cerca de allí.

Fue inaugurado en el reinado del emperador Tito y los espectáculos inaugurales duraron 100 días muriendo miles de animales y personas. Permaneció en uso hasta el siglo V, cuando se prohibieron los combates de gladiadores y después fue utilizado como cantera para otros edificios hasta que en 1749 el papa Benedicto XIV lo consagró a la memoria de los mártires cristianos. En 1980 fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. 6.Columna de Trajano en Roma FICHA TÉCNICA NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Columna Trajana Apolodoro de Damasco Arte Romano Imperial s.

II Roma, Italia ANÁLISIS: La columna conmemorativa se creó para recordar hechos históricos importantes, en este caso la conquista de la Dacia por el emperador Trajano. Es un monumento aislado sin función constructiva con un fuste de 30 m, con un relieve helicoidal que narra las distintas etapas de la conquista. La historia sigue un orden cronológico: comienza con 1. El cruce del río Danubio 2. Continúa con Las campañas de asedio 3. Termina con la rendición de los dacios ante el emperador. El rigor histórico y narrativo tiene más importancia que la representación, asi que el tamaño de algunos elementos se modifica para que las escenas puedan verse mejor usando la perspectiva caballera.

COMENTARIO: Es uno de los mejores ejemplos de relieve históricos con finalidad propagandística. En la obra contrasta el realismo arqueológico con la alteración de la escala de los objetos y el uso de diferentes perspectivas. Además, guardaba las cenizas de Trajano y estaba coronada por una estatua suya. Hoy en su lugar hay una estatua de San Pedro.

La columna conmemorativa y el arco de triunfo son dos de los principales monumentos conmemorativos romanos adaptando los logros escultóricos griegos a la mentalidad romana y a su deseo de que sus logros se recuerden siempre 7.Iglesia y ábside de San Clemente de Tahull FICHA TÉCNICA NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Pantocrátor de San Clemente del Tahull Desconocido Arte Románico Principios del siglo XII Iglesia:Valle del Bohí (Lérida) Pintura: Museo de Arte de Cataluña. ANÁLISIS: Es una pintura al fresco que representa a Cristo en Majestad sentado dentro de una mandorla donde sobresalen su nimbo y cabeza. Lleva túnica y manto sobre los hombros.

La mano derecha está levantada haciendo una, señal de bendición. En la mano izquierda tiene el libro de los 7 sellos con la frase: "Ego sum lux mundi". A los lados de su cabeza están el Alfa y la Omega. Está dividido en tres registros de color: 1. Registro inferior (banda azul):Hay cuatro ruedas con un león y un toro junto a dos ángeles( San Marcos y San Lucas.) 2. Registros superiores (banda amarilla y negra): Hay dos ángeles: el de la derecha con un libro (San Mateo) y el de la izquierda con un águila (San Juan). 3.

Banda con nombres y hemiciclo: Una banda con los nombres de la Virgen y los Apóstoles separa esta zona del hemiciclo, donde está Tomás, Bartolomé, María, Juan, Santiago y Felipe. La pintura tiene pinceladas gruesas y líneas negras que marcan los contornos. El color es plano, cálido y simbólico, la escena se organiza en zonas según su importancia.El espacio principal es el Pantocrátor, luego tetramorfos y más abajo la Virgen y los Santos Las figuras son antinaturalistas, sin rasgos individuales, la imagen importa por su significado. COMENTARIO Y CONCLUSIÓN: La iglesia de San Clemente de Tahull, es uno de los conjuntos de pintura románica mejor conservados de la Península.

En 1934, las pinturas fueron trasladadas al Museo de Arte de Cataluña.. El mural se inspira en el Apocalipsis de San Juan: Cristo del ábside vestido como un rey con la mano en gesto de bendición. En el siglo XII se añadieron nuevos significados: el hombre simboliza la Encarnación de Cristo, el toro su Sacrificio en la cruz, el león su Resurrección y el águila su Ascensión. La interpretación es que Cristo creó el mundo y la luz de la nada, y los evangelistas son testigos de su vida. Si el hombre sigue el libro será salvado; si no, recibirá el juicio de Dios. La cuenca del ábside representa el cielo, la zona intermedia la Iglesia y la inferior la tierra.

8.Planta de la Mezquita de Córdoba FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN MATERIALES Mezquita de Córdoba. Desconocido (comitente: Abd Al-Rahman I) Arte hispanomusulmán. siglos VIII-X Córdoba,España. Piedra, ladrillo, madera y yeso. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE LA OBRA: La mezquita Mayor de Córdoba es el edificio más importante del arte hispanomusulmán, por su antigüedad (786 - 1031), y porque era el principal símbolo del poder religioso y político En su planta podemos diferenciar: el patio (sahn) descubierto, en el que se observa el emplazamiento del alminar o minarete y la fuente (sahil) para las abluciones obligatorias antes de entrar al haram.

Se trata de la aljama de Córdoba, construida entre los siglos VIII y X. Servía principalmente para rezar y no tenía ritos ni liturgias, por eso no había asientos. Tenía quibla para orientarse, con el mihrab y la maqxura delante, aunque estaba orientada incorrectamente hacia el sur. La mezquita tuvo varias ampliaciones importantes a lo largo del tiempo: 1La primitiva mezquita es obra de Abderramán I (756-788): Cuando Abd al-Rahman I entró en al-Andalus y se instaló en Córdoba llamó a los cristianos y les pidió que le vendieran la iglesia visigoda de San Vicente, compensándolos con la reconstrucción de las iglesias que habían sido destruidas en los tiempos de la conquista.

En el año 785 inició el derribo de la iglesia y la construcción de la mezquita, con 11 naves y un patio. 2 Abd al-Rahman II alargó el antiguo edificio en dirección sur, derribando la quibla en el año 848. También ordenó derribar el alminar primitivo y construir uno nuevo. 3 Al-Hakam II alargó las once naves, hasta el límite con el cauce del Guadalquivir. Levantó la maqxura nueva y se construyó el mihrab definitivo. 4 Almanzor, se decidió a ampliarla por el lado oriental.

En 987 se añadieron 8 naves más del mismo tamaño que las anteriores y se terminó el patio o sabil CONCLUSIÓN: La mezquita de Córdoba (aljama) es la segunda más grande del mundo después de la de La Meca y el principal símbolo del esplendor islámico en la península. Se amplió varias veces entre los siglos VIII y X.

Hoy la mezquita sigue siendo impresionante, aunque en el siglo XVI se construyó una catedral cristiana en medio de la sala de oración Aunque la catedral gótica cambió cómo se ve la mezquita, ésta sobrevivió mientras que otros edificios similares, como la mezquita de Sevilla, fueron destruidos 9.Patio de los leones de la Alhambra de Granada FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN MATERIALES Patio de los leones. Mohamed V Arte Nazarí. siglos XIV y XV Alhambra de Granada. Mármol blanco, yeso, azulejos cerámicos y madera tallada ANÁLISIS: El patio de los leones tiene forma de patio y está inspirado en los claustros de los monasterios.

Está rodeado por cuatro lados con muchas columnas de fuste fino, decoradas con anillas nazaríes y capiteles cúbicos o de mocárabes. En los lados menores hay dos pabellones con techos a cuatro aguas. Todo está decorado con paneles de yeso dorado con motivos de sebka, falsos arcos angrelados y mocárabes, y zócalos de azulejos con diseños geométricos. .En el centro del patio hay una gran fuente apoyada en doce leones, de la que salen cuatro canalillos que conectan con otras cuatro fuentes en las estancias principales. La fuente, los árboles y plantas simbolizan el paraíso islámico.

En los lados mayores están las estancias llamadas de los Abencerrajes y de las Dos Hermanas, conocidas por su rica decoración y sus cúpulas de mocárabes de yeso En los lados menores las estancias están unidas por falsos arcos de mocárabes. La luz entra por los laterales y por las claraboyas superiores, con cubiertas a cuatro aguas. Entre estas estancias destaca la "Sala de los Reyes" por la decoración pictorica de su bóveda, donde aparecen los reyes nazaríes COMENTARIO. Contexto. El patio de los leones forma parte de un conjunto más grande, que incluye los palacios de Comares y de los Leones y la alcazaba, que tenía función defensiva.

La Alhambra también tenía función defensiva, reforzada por su ubicación en las últimas laderas de Sierra Nevada. Su nombre viene de "Calat-al-Alhambra", que significa "fortaleza roja", porque el exterior es de piedra rojiza y con formas sobrias, con torres cúbicas, que no dejan imaginar la riqueza decorativa del interior. El Palacio de los Leones, el último en construirse, está junto al Palacio de Comares. CONCLUSIÓN El Palacio de los Leones es el último y más completo ejemplo del arte islámico en España, el arte nazarí, que alcanza su máximo esplendor en el Patio de los Leones gracias a la combinación de colores, luz, agua y decoración.

Este palacio, con estancias alrededor de un patio central con fuentes, acequias y plantas, no es completamente original, ya que existen ejemplos anteriores como el Palacio del Castillejo en Monteagudo, Murcia, del siglo XII. 10.Flautista de Santa Clara la Real FICHA TÉCNICA NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Flautista de Santa "Clara" Desconocido Arte islámico andalusí tercer cuarto del siglo XII Monasterio de Santa Clara (Murcia) ANÁLISIS DE LA OBRA Se trata de una imagen de una mujer sobre fondo azul que toca un mizmar, un instrumento de viento todavía usado en el norte de África.

La pintura estaba en una cúpula de mocárabes con motivos florales, geométricos y figurados del pabellón central, alrededor del cual salían cuatro canales que representaban los ríos del Paraíso. Está parcialmente conservada, por lo que no sabemos si la figura estaba sentada o de pie, ni si estaba sola o formaba parte de una escena. Del rostro se ven los ojos grandes y almendrados, la nariz y dos manchas rojas en las mejillas La figura lleva una túnica roja de mangas cortas, con pliegues marcados por líneas más oscuras.

Este estilo de figuras con trazos gruesos, colores planos y sin perspectiva recuerda a la pintura de los reinos cristianos, de donde probablemente vinieron los pintores que decoraron el palacio. COMENTARIO Este fragmento de yeso formaba parte de la decoración del palacio del emir Ibn-Mardanis, llamado "Rey Lobo" por los reinos cristianos, en Murcia. Aunque las figuras humanas son poco frecuentes, no son extrañas.

Las escenas festivas con músicos y bebedores relacionadas con el poder venían del Creciente Fértil y llegaron al mundo musulmán desde la Persia sasánida Es posible que esta figura formara parte de un programa simbólico que representaba las bóvedas celestes, de modo que el flautista simbolizaba la música que armoniza los movimientos de estrellas y planetas. Aunque pequeño, el fragmento muestra la riqueza y el esplendor del Reino de Murcia durante el reinado de Ibn-Mardanis. CONCLUSIÓN Este es uno de los pocos ejemplos de figuras en el arte hispanomusulmán, aunque no el único, como se ve en la Sala de los Reyes de la Alhambra, que es posterior a esta obra.

11.Catedral de Amiens FICHA TÉCNICA NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Catedral de Amiens Thomas y Renaud Cormont. Gótico francés siglo XIII Picardía, Amiens. ANÁLISIS DE LA OBRA En la catedral podemos ver todos los elementos típicos del arte gótico, como el arco apuntado, la bóveda de crucería, los arbotantes, el rosetón… Construida en piedra, la catedral refleja el deseo de altura y de luz. Esto hace que los muros no tengan que soportar tanto peso, y puedan abrir vidrieras. El edificio se organiza en tres niveles.

En la parte inferior aparece una escalinata que conduce a tres portadas, formadas por pórticos monumentales con arquivoltas, que están coronados por gabletes sin decoración escultórica. Hay tres naves separadas por contrafuertes decorados. En el segundo nivel estan los arcos donde se encuentra la galería con las figuras de los reyes de Francia y del Antiguo Testamento. En el tercer nivel destaca un gran rosetón calado en la parte central. Sobre el cimborrio se levanta una aguja alta y aparecen gárgolas, esculturas y grandes ventanales con tracería gótica. La catedral tiene a ambos lados dos torres sin terminar, una más alta que la otra.

La decoración no es muy abundante, porque en algunos tramos el muro se reemplaza por vidrieras, lo que hace que el templo sea más luminoso y ligero. Lo que más impresiona es la gran altura que alcanza. COMENTARIO: La catedral es el edificio más representativo del arte gótico y la iglesia principal de la ciudad. La arquitectura religiosa vuelve a ser más importante que otros tipos de edificios. Construir estas catedrales involucraba a toda la ciudad y a todos los grupos sociales, convirtiéndose en un motivo de orgullo. Además, hubo un avance hacia el naturalismo, que dio lugar a soluciones arquitectónicas impresionantes.

CONCLUSIÓN: Después de construir la Catedral de Notre Dame de París, (gótico y románico), la Catedral de Chartres estableció el modelo de catedral gótica. Este modelo fue imitado por catedrales de Francia (Amiens),León, Burgos…. 12. Cúpula de Santa María de las Flores FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Cúpula de Santa María del Fiore Filippo Brunelleschi Renacentista Entre 1418 y 1446. (Quattrocento italiano) Florencia, en la región de Toscana, Italia ANÁLISIS FORMAL: Se trata de un edificio religioso, una catedral de estilo gótico, con decoración bicroma, realizada en ladrillo, piedra y mármol.

La cúpula octogonal tiene un aspecto esbelto gracias a su perfil ojival o apuntado, logrado mediante la curvatura de ocho nervios de mármol blanco, de 4 metros de espesor, que ascienden hasta la cúspide. Los nervios se unen y forman una linterna estilizada, diseñada por Brunelleschi. La cúpula, formada por ocho caras cubiertas de tejas rojas, se levanta sobre un tambor octogonal de piedra revestido de mármol blanco, verde y rosado, con una gran ventana circular en cada lado. Para sostener el empuje en la base de la cúpula se utilizan semicúpulas de descarga.

COMENTARIO DE LA OBRA: Se considera la primera gran obra arquitectónica del Renacimiento, construida sobre el cimborrio de una catedral gótica. Brunelleschi resolvió el problema técnico de la cúpula combinando soluciones medievales, mediante un sistema de contrarresto con anillos de madera. Gracias a su perfil apuntado y al tambor octogonal, la cúpula destaca por la elegancia de sus proporciones. CONCLUSIONES La construcción de la cúpula fue un hecho excepcional, ya que se realizó sin cimbras ni andamios desde tierra, lo que convirtió a Brunelleschi en un innovador que rompió con la tradición arquitectónica.

La cúpula transformó la imagen de Florencia, ciudad en pleno esplendor artístico y mercantil, considerada la "nueva Roma". Alberti llegó a afirmar que era tan grande que podía cubrir con su sombra a todo el pueblo toscano. 13. El tributo de la moneda (Masaccio) FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN El tributo de la moneda. Masaccio Renacimiento Temprano 1427 s.XV (Quattrocento italiano) Capilla Brancacci, iglesia de Santa María del Carmine,Florencia. ANÁLISIS Y COMENTARIO: La escena representa el episodio evangélico en el que Cristo afirma que hay que dar al César lo que es del César y ordena a Pedro cumplir con el pago del impuesto.

La composición muestra tres momentos sin seguir un órden cronológicor : -Primero, el recaudador reclama el tributo y Cristo manda a Pedro obedecer; En el centro -Segundo, a la izquierda, Pedro obtiene el óbolo de la boca de un pez, produciéndose el milagro, -Tercero, a la derecha, Pedro entrega la moneda al recaudador. Se quiere destacar una actitud ética de Cristo, que ordena pagar el impuesto y cumplir con las obligaciones cívicas El grupo central es tratado como una masa compacta donde se elimina lo secundario con figuras de carácter escultórico. La luz incide en Cristo y en el grupo principal, relacionándose entre sí y con Cristo.

El grupo presenta isocefalia con los pies están a distintos niveles y bajando la línea del horizonte para crear unidad. Las escenas se coordinan entre ellas por la perspectiva lineal (arquitecturas "brunelleschianas") El paisaje de fondo está casi desierto lo que hace que las figuras resalten mas. Los gestos de los apóstoles reflejan su humanidad ante el hecho moral sin idealizar el milagro. CONCLUSIONES Como heredero de la pintura de Giotto, Masaccio se convierte en uno de los principales pintores del primer Renacimiento. Su forma de hacer las figuras, de la perspectiva y la capacidad de dotarlas de intenso dramatismo influyó en generaciones posteriores (Miguel Ángel) 14.

El nacimiento de Venus. (Botticelli) FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN El nacimiento de Venus Sandro Botticelli Renacimiento Temprano 1485. (Quatrocentto.) Galería Uffizi, Florencia, Italia.. ANÁLISIS FORMAL: Hay cuatro figuras: tres femeninas y una masculina. En el centro está Venus desnuda, eje de un triángulo formado por dos diagonales: a la derecha, está Flora o una de las Horas, con túnica floreada y manto que ondea al viento; al lado opuesto, los vientos Céfiro y Aura. La escena se desarrolla en un paisaje idealizado, con mar turquesa y una orilla con prados y árboles a la derecha.

En la técnica,el dibujo con líneas precisas que delimitan figuras, ropas y paisaje, además de líneas sinuosas, como en el cuerpo de Venus, con el contrapposto, generando una sensación de ligereza. En los colores, predominan tonos pastel como turquesa, verde, celeste, rosa y naranja, con toques dorados en las alas de los vientos. Una luz uniforme entra desde la derecha, modelado las figuras y el paisaje sin crear fuertes contrastes de luces y sombras. COMENTARIO DE LA OBRA: La obra representa el nacimiento mitológico de Venus.

Nacida de la espuma del mar cerca de Pafos (Chipre), tras ser arrojados los testículos de Urano al mar por Cronos, Céfiro la coloca sobre una concha nacarada y la conduce hasta Citera, donde los vientos Aura y Céfiro,la llevan hacia la orilla donde la espera Flora para cubrirla con su manto. La figura de Venus,(Venus púbicas), refleja el ideal de belleza femenino de la época, con piel blanca y tonos amarillos y rosados, y una larga cabellera pelirroja como defendía Alberti en su tratado De pictura. Encargada por Lorenzo de Piero Francesco, la obra muestra el interés humanista por la mitología clásica y requiere conocimientos mitológicos para interpretarla, buscando un ejercicio intelectual.

Esta dentro del neoplatonismo, tiene la unión perfecta de belleza, amor y verdad CONCLUSIONES Con esta obra el Renacimiento italiano vuelve a interesarse por la mitología, y el desnudo fmenino,revalorizando la cultura grecolatina y represenando el desnudo más allá de Eva y el pecado. Aunque su estilo sera superado, su obra inicia una temática que luego abordarán pintores como Tiziano, Rubens o Velázquez. 15. El Juicio Final (Miguel Ángel) FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN El Juicio final Miguel Ángel Buinarroti Renacimiento tardio/ Manierismo s. XVI Capilla sixtina, Italia .

ANÁLISIS El Juicio Final es un fresco en el altar de la Capilla Sixtina donde Cristo juzga a las almas, a su lado aparece la Virgen María y, alrededor, santos, mártires y apóstoles ,unos suben al cielo y otros bajan al infierno, creando una sensación de dinamismo y tensión. Miguel Ángel pinta cuerpos musculosos y monumentales que parecen esculturas pintadas con escorzos muy marcados, alejándose del equilibrio del primer Renacimiento. El color es intenso y luminoso, predominando los tonos azules. A la izquierda aparecen los salvados ascendiendo al cielo ayudados por ángeles, y a la derecha los condenados son arrastrados al Infierno con la Caronte.

COMENTARIO: La obra muestra el Juicio Final de la Biblia en el Apocalipsis de San Juan. Miguel Ángel abandona la serenidad del primer Renacimiento para centrarse en la fuerza, la tensión y el miedo al castigo divino. Se hizo en una época de crisis religiosa donde la iglesia quería reforzar su poder por la Reforma protestante.También fue polémica por los desnudos, y después algunas figuras se taparon por Daniele da Volterra. CONCLUSIÓN: Es una de las obras más importantes de la historia del arte. Miguel Ángel consigue una escena muy potente, con mucho movimiento y emoción, representa el paso del Renacimiento al Manierismo convirtiéndose en una imagen universal del cristianismo 16.

Retrato de Isabel de Valois sosteniendo una miniatura de Felipe Il.(Sofonisba Anguissola) FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Retrato de Isabel de Valois sosteniendo una miniatura de Felipe II Sofonisba Anguissola Renacentista tardío Entre 1561 y 1565. museo del Prado en Madrid. . ANÁLISIS Y COMENTARIO: El cuadro muestra a Isabel de Valois sosteniendo en la mano derecha una miniatura de su esposo Felipe II, decorada con oro y esmaltes. El rey viste ropa negra con botones y el Toisón al cuello. La reina se representa de cuerpo entero con un lujoso vestido negro y joyas, símbolo de su majestuosidad, con detalles minuciosamente pintados, dotándola de humanidad.

Su vestimenta refleja la austeridad de la corte española y la moda española, referente en Europa, con tintura extraída del palo de campeche(Mexico) . A su lado se ve una columna de jaspes policromos, típica de los retratos de estado, y posiblemente una ventana detrás, evocando interiores palaciegos. Hasta hace poco, este retrato se atribuía a Sánchez Coello, pero detalles como la preparación en blanco de plomo apuntan a que su autora es Sofonisba Anguissola. CONCLUSIONES A finales del siglo XV y comienzos del XVI se dio el periodo más famoso del arte italiano, con maestros como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano.

En ese mismo siglo nació Sofonisba Anguissola, una pintora excepcional que destacó y se convirtió en una de las más reconocidas de su tiempo. 17. Autorretrato cómo alegoría de la pintura (Artemisa Gentileschi) FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Autorretrato cómo alegoría de la pintura Artemisa Gentileschi Barroco S.XVII Royal Collection Trust, Reino Unido ANÁLISIS : Esta obra es una de las mejores del arte barroco italiano del siglo XVII. Es un autorretrato que muestra a la artista en su estudio, rodeada de sus herramientas de pintura y objetos que simbolizan su trabajo. Está hecha con óleo sobre lienzo.

El estilo barroco de Gentileschi se nota en el uso del claroscuro, que crea un efecto dramático y muy realista. Gentileschi recibió la influencia de Caravaggio y de su padre Orazio, pero ella le daba más importancia al realismo. Era famosa por la forma tan realista en que pintaba a las mujeres, y por cómo usaba el color para dar más profundidad y dramatismo a sus obras. El color también es muy importante en esta obra: la artista lleva un vestido rojo intenso que contrasta con el fondo oscuro y su piel se ve muy realista. Además, el uso de la luz y la sombra crea sensación de profundidad y dimensión.

La composición es impresionante, con la artista en el centro, rodeada de objetos que representan la pintura. COMENTARIO: La historia de esta pintura es también muy interesante. Gentileschi fue una de las pocas mujeres artistas de su época y tuvo que luchar contra la discriminación para que su talento fuera reconocido. Esta obra muestra claramente su habilidad y refleja su pasión por la pintura. Además, tiene detalles poco conocidos que la hacen más especial, como la figura de la mujer en la esquina inferior derecha, que representa la fama y sugiere que Gentileschi buscaba ser reconocida por su trabajo.

CONCLUSIONES: Durante mucho tiempo se creyó que Gentileschi era una persona extraña pero los expertos han estudiado de nuevo su vida y su obra y hoy se la reconoce como una de las pintoras más innovadoras y expresivas de su generación. En resumen, el Autorretrato como Alegoría de la Pintura de Artemisia Gentileschi es una obra que combina estilo, composición y color. Esta pintura demuestra el talento y la perseverancia de una de las artistas más importantes de la historia del arte, y su trabajo ha sido reconocido en importantes exposiciones como la National Gallery de Londres. 18.

Extasis de Santa Teresa (Bernini) FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Éxtasis de Santa Teresa Gian Lorenzo Bernini Barroco Entre 1647 y 1652 Iglesia de Santa María Della Vittoria, Capilla Cornaro, Roma ANÁLISIS : Bernini creó esta obra basándose en el texto de Santa Teresa, respetando el sentido místico con el que fue escrito. Su objetivo era que el momento que la santa describía se hiciera visible de la manera más clara y real posible, aunque esta representación del éxtasis místico resultaba muy humana y corporal. La obra es un grupo escultórico con dos figuras, hecho en mármol y bronce dorado. SANTA TERESA aparece levitando sobre una nube.

Se inclina hacia atrás, pero al mismo tiempo da la sensación de encorvarse hacia adelante, y levitar por una fuerza sobrenatural. Sus ojos están cegados por la visión mística, y sus labios entreabiertos. Parece que el ángel ha atravesado el corazón de Santa Teresa con la saeta mostrando el estado de éxtasis de la santa, pero con un toque sensual. Su ropa refleja la agitación interior de la experiencia mística. Su mano izquierda y sus pies están suspendidos en el aire. EL ANGEL, tiene un cuerpo asexuado y medio desnudo, con ropa pegada (paños mojados), dejando ver su anatomía sin mostrar desnudos.

Usa una diagonal descendente con las ondulaciones de su ropa para señalar la entrada de la fuerza divina. Hay un contraste entre el ángel y Santa Teresa: el ángel está elevandose en posición vertical y levanta su hábito para clavar la saeta cuya diagonal contrasta con la de la santa, que parece pegada a la tierra.. COMENTARIO Esta obra religiosa es una escena pictórica integrada en la arquitectura que combina pintura, escultura y arquitectura, con luz natural que busca despertar la piedad en los fieles. En la capilla Cornaro creó un espacio teatral que guía nuestra mirada.

Cubrió la bóveda de la capilla con una imagen del cielo y nubes de estuco, sobre ellas aparece el Señor de los Ángeles con el querubín. CONCLUSIÓN: Bernini es el maestro de la escultura barroca en toda Europa tratando el mármol y representando la emoción y el movimiento. Así creó los primeros retratos escultóricos del grupo del barroco con un juego dramático que refuerza la psicología de los personajes. 19. La ronda de noche. Rembrandt. FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN La Ronda de noche Rembrandt Barroco holandes 1639 y 1642.

Rijksmuseum en Ámsterdam, Países Bajos ANÁLISIS: La técnica utilizada es óleo sobre lienzo, representa un retrato colectivo de la Compañía de la Guardia Cívica de Ámsterdam, en el momento en el que sus capitán indica al teniente que deben iniciar la marcha hacia un concurso de tiro en honor a María de Medici. Fue encargado por el capitán para decorar una sala de la sede de la Milicia Cívica de Ámsterdam. La joven se interpreta como una personificación de la compañía de arcabuceros urbanos y, el gallo que sujeta, es el símbolo que utilizaba esta compañía en su estandarte. La composición es dinámica y desordenada, está formada por líneas de fuerza.

-El centro compositivo está formado por las figuras del capitán y el teniente -El resto de la compañía, se organiza en tres grupos triangulares que rodean a los protagonistas. La presencia de escorzos en las manos y las armas de los personajes da dinamismo a la obra a través de movimientos naturales. COMENTARIO: Un foco de luz artificiosa ilumina el primer plano de la escena, dejando en penumbra a los personajes al fondo, Por otro lado, la joven entre los guardias irradia luz por sí misma. CONCLUSIÓN Rembranndt abandonó la composición tradicional del retrato de grupo de la Escuela Holandesa, y se interesó por los juegos de luz y sombra tenebristas de influencia caravaggista.

Sus innovadores retratos tienen influencia en Goya o Delacroix, que tenian interés por el color y la luminosidad dramática de Rembrandt. 20.Las hilanderas (Velázquez) FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Las hilanderas o la fábula de Aracne Velazquez Barroco s.XVII Museo del Prado, Madrid ANÁLISIS: Es una escena en un taller de tapices con mujeres trabajando en dos espacios diferenciados por la luz. Primero aparece el taller donde varias mujeres hilan. A la izquierda, Atenea con la cabeza cubierta, (nos muestra su pierna adolecente )mueve una rueca mientras conversa con una joven que descorre una cortina roja.

A la derecha, Aracne de espaldas hila un ovillo de lana, mientras una joven rubia entra con un cesto. En el centro, una joven se agacha para recoger lana mientras un gato juega con un ovillo. Al fondo, una escalera de dos peldaños y un arco conducen a una segunda estancia más iluminada, este es el momento en el que Atenea, la mujer del casco atributo suyo, furiosa con aracne está apunto de golpearla delante de un tapiz que representa el rapto de Europa, inspirado en una obra de Rubens. Los colores son ocres, marrones, rojos y tonos azulados con pinceladas sueltas y capas muy diluidas, que de cerca parecen manchas, pero que al alejarse forman las figuras con la perspectiva aérea.

El autor parece detener el tiempo como si las figuras quedaran congeladas en plena acción. Velázquez rinde homenaje a Rubens o Miguel Ángel (ignudi) COMENTARIO: Esta obra es una de las últimas de Diego Velázquez, y recoge todas las características del pintor y del naturalismo barroco. En un taller de hilados y tapices se esconde una interpretación mitológica: La fábula de Palas y Aracne narrada por Ovidio: joven tejedora Aracne era tan hábil al tejer que decidió desafiar a los dioses, así Atenea se disfrazó de anciana y retó a Aracne a ver quien era mejor tejedora.

La obra de Aracne era técnicamente impecable pero contenía verdades incómodas, y Atenea la golpea y humilla, ella intenta suicidarse pero Atenea la salva convirtiéndola en araña. Las tres jóvenes representan las moiras griegas que controlaban la vida por el hilo CONCLUSIÓN: Esta obra resume las características de Velázquez, uno de los grandes genios de la pintura. Su trabajo en la corte y su contacto con otros artistas hicieron que evolucionara mucho. En esta obra mezcla lo barroco con una forma de pintar libre y moderna, que se adelanta al impresionismo.

21.Imafronte de la Catedral de Murcia (Bort) FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Fachada o imafronte de la Catedral de Murcia Jaime Bort Barroco entre 1736 y 1754 s.XVIII Murcia ANÁLISIS: Es una fachada-retablo en piedra, siendo más una obra escultórica que arquitectónica, dividida en tres cuerpos separadas por columnas de estilo corintio, sus bases y entablamentos sobresalen lo que hace que la fachada se vea con movimiento y profundidad. En la fachada hay tres puertas, que coinciden con las naves del interior: -La puerta central, llamada del Perdón, es para los personajes reales.

-La de la izquierda, la de San Juan, era para el obispo, -La de la derecha, la de San José, para las autoridades de la ciudad. En los lados hay una balaustrada y en el centro, una parte más alta con una bóveda de cuarto de esfera y una cornisa, dos volutas unen las dos partes. A los lados hay torrecillas semicirculares con cúpulas pequeñas arriba,y varios tipos de piedra (blanca, verde y gris), creando efectos de policromía. Toda la fachada está llena de relieves y estatuas, como si fuera un gran retablo: -Sobre la puerta central aparece la Coronación de la Virgen y el milagro de la Cruz de Caravaca. -En la parte más alta está la Asunción de la Virgen.

Antes había una estatua del apóstol Santiago, pero la quitaron en 1803 porque pesaba demasiado. También hay muchos símbolos religiosos y figuras de santos importantes del obispado. Aparecen los cuatro santos de Cartagena, la estatua de Fernando III el Santo y otros santos como Santo Tomás, Santa Teresa o San Hermenegildo. COMENTARIO Es una de las obras más representativas del barroco español. La fachada es una exaltación de la Archidiócesis de Cartagena, dedicada a la Virgen, con distintos símbolos marianos. Aparecen figuras vinculadas a la archidiócesis cómo Santiago,San Hermenegildo y San Fernando.

En los extremos de la fachada estan los "pilares" de la Iglesia:S.Pedro y S.Pablo y S.Tomás y S.Teresa de Jesús. CONCLUSIÓN La fachada de la Catedral de Murcia es la última obra y la más importante del barroco español. Creó una escuela de escultores por Salzillo, convirtiendo a Murcia en uno de los focos escultóricos más relevantes del siglo XVIII. 22. Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808 (Goya).

FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío o Los fusilamientos del tres de mayo Francisco de Goya Romanticismo 1808 Museo del Prado, Madrid, España ANÁLISIS: El cuadro es un óleo sobre lienzo que representa los fusilamientos del 3 de mayo de 1808 en la montaña de Príncipe Pío, como represalia del ejército napoleónico por el levantamiento popular del día anterior en "El dos de mayo" o "la Carga de los mamelucos",también de Goya. La escena es durante la noche, iluminada por un gran faro entre el pelotón de ejecución y el grupo de los condenados.

La luz es tenebrista, el pelotón está en penumbra y la luz ilumina el grupo de los condenados, sobre todo el hombre de camisa blanca y el grupo de cadáveres. Hay tres colores: grises, ocres y blancos y sólo el hombre de la camisa blanca tiene color, destacando su gesto heroico. Los soldados forman una diagonal dando la espalda al espectador, para deshumanizarlos.

Los ejecutados, muestran reacciones frente a su destino: -El hombre levanta los brazos, con valentía -El fraile que está a su derecha reza, -El hombre que levanta el puño, que parece querer enfrentarse a sus enemigos -El hombre del fondo que espera su ejecución y se muerde los nudillos -Los que tapan sus ojos para no ver lo que sucede. La técnica de Goya es una pincelada muy suelta y larga, dandole más protagonismo a la mancha de color. Usa la perspectiva aérea*, en el paisaje vemos el cuartel del Conde-Duque cerca de la montaña de Príncipe Pío. COMENTARIO: Goya fue testigo de este hecho histórico y reconoce a los ejecutados.

Destacan los gestos de heroísmo frente al miedo y el uso de colores oscuros. Los soldados nos dan la espalda, como una máquina ejecutora sin humanidad. La figura de la camisa blanca y el pantalón amarillo, imita el gesto de Cristo en la cruz sacrificandose en su lucha por la libertad. Goya nos muestra, frente a otros pintores, hechos que no son ni heroicos y caballerescos. CONCLUSIÓN: Goya muestra una nueva visión de la guerra, como en "el 2 de mayo", o su serie de grabados "Los desastres de la Guerra". Esta obra destaca desde el punto de vista técnico y su denuncia del horror de todas las guerras. Goya influyó en pintores como Manet o Picasso. 23. Oración del Huerto.

Salzillo FICHA TÉCNICA: NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN La oración del Huerto Salzillo Barroco S.XVIII (1754) Iglesia de San Jesús de Murcia, museo Salzillo ANÁLISIS: Se trata de la obra más famosa de Salzillo por la figura del ángel. Es un grupo escultórico de 5 figuras repartidas en dos grupos: El ángel con Cristo y Tres apóstoles durmiendo; Las del ángel y los discípulos están talladas en madera policromada y estofada. Llamó la atención la originalidad en la colocación de las figuras y la belleza asexuada del ángel. La distancia de los evangelios se reduce para ver el contraste entre dos mundos con actitudes muy diferentes.

El ambiente de calma y descanso de los apóstoles contrasta con la angustia de Cristo, confortado por el ángel. En primer plano aparece el ángel de pie, consolando a Cristo arrodillado. Le sostiene la cabeza durante su agonía en el huerto de Getsemaní y, le señala el cáliz de la Amargura entre las hojas de una palmera. Cristo aparece totalmente entregado, se ve en la posición de sus manos y su rostro, donde se mezclan la angustia y la resignación, resaltadas por el tono amarillentos violáceo de la pintura. Aquí Cristo espera, aceptando el sacrificio divino.

En otro plano está el grupo de los apóstoles, representados con distintas posturas: -San Juan duerme profundamente, tranquilo y despreocupado (propio de la juventud); -Santiago descansa de forma serena y reparadora (madurez); -San Pedro aparece más inquieto, con la cabeza apoyada en la mano, en un sueño ligero e inseguro, típico de la vejez. COMENTARIO DE LA OBRA: Los pasos que hizo Salzillo para la Cofradía de Jesús Nazareno de Murcia son una parte muy importante de su obra escultórica. Hacer un paso era complicado, porque había que equilibrar toda la escena en una sola composición para que se viera bien desde distintos ángulos.

El principal objetivo de la procesión era mostrar a los espectadores la historia de la Pasión de Cristo y provocar en ellos emociones Une la personalidad y la moral con la capacidad del rostro para reflejar sentimientos: -El cuerpo de los personajes justos debía ser armonioso, porque se asociaba la belleza física con la moral, -Los personajes de malas costumbres se les representaba con rasgos deformes, -Los elementos del entorno creaban mayor verosimilitud.

A diferencia de la escultura barroca andaluza del siglo XVII, en Levante, Salzillo organizaba grupos completos de la Pasión de Cristo con escenas seguidas para que los fieles las siguieran, estando al servicio del pueblo, influenciado por el arte italiano y el rococó. CONCLUSIONES Salzillo se hizo famoso muy rápido y alcanzó la perfección aunque aprendió solo y de su padre, tiene influencia también de Bernini. Sus rostros sor voluminosos y casi siempre llevan barba. Le gustaba usar el oro y el detallado plegado de los paños. Su arte destaca por el movimiento, el color y una belleza delicada. 24. Niño jugando con gato (Mary Cassatt).

NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Niño jugando con gato Mary Cassatt Impresionista 1907- 1908 Colección privada ANÁLISIS FORMAL: En esta obra la autora representa un retrato grupal en el que una mujer mira como sus hijos juegan con un gato. El grupo familiar aparece en otras pinturas y es una escena íntima cargada de emotividad y calidez. Con una pincelada suelta y vigorosa, la pintora se centra en los efectos de la luz y el color, con colores puros y brillantes . Sus retratos destacan por la luz y están hechos con una técnica rápida y espontánea propia del Impresionismo.

COMENTARIO: Es una composición sencilla donde la mirada de los personajes llevan a un ambiente cargado de ternura. La autora vivió gran parte de su vida en Francia, donde conoció a Degas y se unió al Impresionismo. Mary Cassatt llegó a dominar el uso de los colores al pastel y realizó con esta técnica muchas de sus obras más importantes. CONCLUSIÓN: Mary se formó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, una de las pocas instituciones donde se les permitía estudiar a las mujeres y se mudó a París donde estudió a maestros italianos y franceses. También estudio a españoles,durante su estancia en Madrid y Sevilla.

Pero trabajó mucho mas con impresionistas Cassatt pintaba escenas domésticas íntimas y encantadoras, centrándose en madres e hijas, niños y escenas interiores. Ofreció una visión de las mujeres libre de la mirada masculina y apoyaba el sufragio femenino y la educación de las niñas. Sus pinturas están presentes en museos de todo el mundo. 25. Bodegón: Manzanas y naranjas (Cézanne). NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Bodegón de manzanas y naranjas Cézanne Postimpresionismo 1895-1900. Musée d´Orsay ANÁLISIS FORMAL: En este cuadro Cezánne representa un bodegón o naturaleza muerta.

Para Cezánne, el protagonismo en la pintura son las formas que se perfilan en los objetos y lugares, porque nunca cambian por la luz y porque son formas que siempre sabemos cómo son. La mejor manera de reforzar su protagonismo, es ir reduciendo esas formas a figuras geométricas básicas. El color en la pintura de Cézanne sigue teniendo importancia, y lo utiliza para modelar sus figuras de una forma más voluminosa y rotunda. Las piezas de fruta son esféricas y algunas no parecen frutas, sino simples círculos, su volumen se consigue gracias a los contornos y al uso del color, en una gama de tonos rojos y naranjas.

COMENTARIO: En este cuadro la forma de tratar la perspectiva rompe con las normas tradicionales. El cuenco del centro con la fruta presenta un punto de vista superior e inferior, como si el cuadro estuviera desde arriba. -El plato de la izquierda presenta una perspectiva cenital -La jarra se ve frontalmente. La composición tiene dentro de una imagen muchos puntos de vista CONCLUSIÓN: Cézanne con Van Gogh o Gauguin forman la segunda generación de pintores que evoluciona a una concepción distinta de la pintura en la que el color y la forma tienen mucha importancia. Así se considera a Cézanne precedente del cubismo. 26. La noche estrellada (Van Gogh).

NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN La noche estrellada Van Gogh Postimpresionismo junio de 1889. Museo de arte moderno de NY ANÁLISIS: Es una vista nocturna de Saint Rémy desde la ventana de su habitación en el manicomio. La obra se divide en dos planos: -En la mitad superior hay un cielo estrellado con dos espirales que se envuelven y once estrellas iluminan la noche. A la derecha hay un astro naranja que parece confundirse con el sol o la luna. -En la mitad inferior está el pueblo con casas de trazos rectos. Sobresale el campanario puntiagudo que rompe la horizontalidad de la composición.

En un primer plano aparecen unos cipreses con formas ondulantes y las líneas de las montañas del horizonte se curvan como el cielo, subiendo de izquierda a derecha. La técnica es el óleo con técnica del empaste, con pinceladas vigorosas y cortas. La gama cromática es fría con azules, celestes, verdes y grises, aunque también usa el naranja y amarillo de las estrellas. La mancha aplicada con el pincel en pinceladas alargadas y rectas sustituye al dibujo y las líneas oscuras dan forma a los elementos más físicos del cuadro. COMENTARIO: En esta obra Van Gogh vuelve a los temas nocturnos mostrando la noche como la vive el pintor.

Durante la etapa de Saint-Rémy, Van Gogh se muestra muy sensible al movimiento de su obra a través de la línea curva y las líneas rectas a base de rayas que transmiten intranquilidad Hay un contraste entre la ciudad oscura e iluminada por las luces de las casas,con pequeñas manchas amarillas, que contrastan con el cielo con un movimiento arremolinado que parece tener un sentido místico. Van Gogh muestra un universo donde distintas fuerzas parecen luchar entre sí, hay un movimiento como un remolino que recorre el cuadro. Este movimiento, también se transmite en el ciprés como conexión entre el mundo terrenal y celestial.

Frente al movimiento del cielo y la naturaleza contrasta la calma del pueblo. CONCLUSIÓN: Esta obra muestra como Van Gogh, recluido y víctima de su enfermedad usa la pintura para mostrar la realidad cambiante por su visión de la realidad alterada por sus sentimientos desbordados. Así, Van Gogh, partiendo del impresionismo se anticipa al expresionismo 27. El Guernica (Picasso) NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN El Guernica Pablo Picasso Cubismo y Surrealismo 1937 Museo Reina Sofía. ANÁLISIS: El tema son los horrores de la guerra.

Picasso, por la acción de la República española en la guerra civil se ve conmocionado por las noticias del bombardeo del Guernica y comienza a construir el gran lienzo.Elimina los elementos del bombardeo para centrar toda la violencia en símbolos y figuras. Es un grito contra la guerra, una reflexión sobre la destrucción y el dolor, pudiendo entenderse sin conocer los detalles concretos. Los personajes son todos víctimas, su interpretación ha sido muy discutida, ya que el pintor se negó a dar un significado: -En la izquierda aparecen un toro, un pájaro sobre la mesa, una mujer con su hijo muerto entre los brazos y una estatua mutilada.

-En el centro un caballo herido pisotea el brazo de la estatua con una espada rota y una flor. Sobre ellos aparece un ojo-sol con una bombilla como pupila -En la derecha tres mujeres, una avanza hacia la luz, otra tiene un candil y otra grita con los brazos en alto. COMENTARIO: La composición recuerda a los trípticos. El espacio central se organiza en torno al caballo como elemento principal, acompañado por la estatua y la mujer que avanza, lo que crea una organización basada en zonas delimitadas. En el dibujo se ve la influencia del cubismo,y la deformación expresiva de las formas, ( cabeza del caballo, las manos de la mujer con su hijo muerto…) lo que refuerza la expresividad.

Estas características se relacionan también con el surrealismo y con la influencia del dibujo infantil, donde las cosas se representan como se conocen. El color y la luz se tratan de manera conjunta, ya que la obra esta en blanco y negro para intensificar el dolor. La luz es antinaturalista y los personajes no tienen sombras, acentuando la bidimensionalidad. El espacio rompe con la perspectiva renacentista, presentando todas las figuras en un mismo plano. CONCLUSIÓN: Guernica representa la unión entre la investigación artística de Picasso y su compromiso político a favor de la República y en contra de la guerra. En esta obra, se unen modernidad y tradición. 28. La Fuente (M.

Duchamp) NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN La fuente M. Duchamp Barroco S.XVIII (1754) Iglesia de San Jesús de Murcia, museo Salzillo ANÁLISIS FORMAL: La Fuente es un urinario de porcelana que el artista compró en una tienda de productos de fontanería de Nueva York, sobre el que realizó modificaciones: -Un giro de 180° -La firma ("R. Mutt") -La fecha de realización ("1917"). El autor la llamó "ready-made"(ya realizado) una serie de objetos cotidianos que no ha hecho el autor. La inversión del objeto original en 180° elimina la utilidad del objeto en su entorno cotidiano.

El género es escultura conceptual hecho en porcelana industrial COMENTARIO: Para otorgar a este objeto un valor artístico utiliza la descontextualización. El artista elige el objeto y destruye la dimensión artesanal. El carácter provocador está en elegir un objeto muy simple como si fuera una obra de arte. Cuando Duchamp la presentó a la American Society of Independent Artists, fue rechazada, al no ser considerada una obra de arte. El rechazo de la obra suponía su éxito ya que su objetivo era la destrucción de lo que se entendía por arte. El tema es la duda sobre la definición de arte: "¿Qué es arte?" o "¿Qué no es arte?".

La actitud innovadora se cuestiona el papel del autor al usar un nombre falso y elegir un objeto ya hecho. La obra critica los valores tradicionales del arte. CONCLUSIÓN: El precedente es el collage realizado por Picasso en 1912 . Esta obra transformó la idea del arte demostrando que no es necesario crear desde cero un objeto para que sea arte, sólo basta con el contexto y la intención del autor. Duchamp quería hacer reflexionar a la gente y que cambiaran su forma de valorar el arte. Marcó el inicio del arte conceptual y del arte contemporáneo. La influencia está en la segunda mitad del siglo XX, Andy Warhol o en corrientes como el pop art o el minimalismo. 29. El Grito (E.

Munch) NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN El grito Edward Munch Barroco S.XVIII (1754) Iglesia de San Jesus de Murcia, museo Salzillo ANÁLISIS FORMAL: En el centro de la imagen sobre un puente, aparece un personaje con las manos en la cabeza y con la boca abierta como gritando con todas sus fuerzas. En un segundo plano, dos personas caminan ajenas a su delirio. Detrás del puente hay un paisaje marítimo donde navegan dos pequeñas embarcaciones y al fondo hay un fiordo y dos siluetas de barcos. La angustia del personaje principal se exterioriza sobre la tela mediante una línea curva y sinuosa.

El desequilibrio visual se complementa con la diagonal que divide la obra en puente y paisaje. Los colores se centran en una visión subjetiva mezclando de modo irreal azules, rojos, amarillos y anaranjados. Es un óleo y témpera sobre cartón, en el primer plano hay una figura humana que se tapa los oídos mientras grita con la boca muy abierta y con la cara completamente retorcida. COMENTARIO: En unas notas del año 1882, Munch describió la situación que le llevó a pintar el cuadro: "Iba caminando con algunos amigos por el paseo y el cielo se enrojeció.

Me apoyé en una baranda sobre la ciudad y el fiordo azul no veía más que sangre y mis amigos seguían su paseo y yo seguía detenido en el mismo lugar, temblando de angustia sentí el grito de la naturaleza". El autor tuvo una infancia marcada por la muerte y la tragedia, porque perdió a su madre y a una hermana e influyó en el ambiente familiar y en su actitud, expresando su rabia interior y melancolía. En El grito refleja un mundo inhumano que ignora su sufrimiento y soledad, a través de las siluetas del fondo, indiferentes ante la escena principal. CONCLUSIÓN: Esta obra es una de las obras más representativas del expresionismo.

En ella el autor utiliza una técnica basada en líneas irregulares y fuertes contrastes de colores que transmiten una sensación de pánico y ansiedad. El artista dejó reflejada su tristeza y soledad en esta obra. 30. La Torre Eiffel. NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN La torre Eiffel Gustave Eiffel Revolucionario e industrial entre 1887 y 1889 Campo de Marte, París ANÁLISIS FORMAL: A finales del siglo XIX surge una nueva forma de hacer arquitectura con materiales como el hierro, reflejando los avances de la Revolución Industrial. El uso de estos nuevos materiales provocó rechazo por parte de los sectores intelectuales y artísticos más conservadores.

Se trata de un monumento de trescientos metros de altura representa una nueva arquitectura de hierro con estructura visible y dos plataformas intermedias y un mirador superior. La base son cuatro arcos sobre cuatro pilares situados en los vértices de un rectángulo. A medida que la torre se eleva, los pilares se giran hacia el interior, hasta unirse en un solo elemento articulado. En su recorrido se alzan tres plataformas a distintos niveles, cada una con un mirador.

COMENTARIO: El ingeniero francés Gustave Eiffel presentó primero su proyecto a los responsables del Ayuntamiento de Barcelona, para la Exposición Universal de Barcelona pero no la aceptaron, ya que era cara y no encajaba en la ciudad. Finalmente, fue construida en la celebración de la exposición Universal de París de 1889, por el primer centenario de la Revolución Francesa. Tiene una función conmemorativa.El color original fue el amarillo, pero después se ha pintando de tonos diferentes. En la primera década del s. XX , a los parisinos no les gustaba la Torre, y el gobierno dio la orden de su demolición.

Pero su grande y potente antena la salvó de su destrucción, ya que recibía ondas de radio alemanas en la Primera Guerra Mundial, la cual sirvió de gran ayuda a los aliados. CONCLUSIÓN: La Torre Eiffel es un símbolo importante de París y refleja su historia y cultura. Su evolución la ha convertido en un tesoro para la ciudad y sus visitantes. Sirve como punto de encuentro social y su antena sigue funcionando. 31.

Pabellón de la Expo de Barcelona alemán (Mies Van der Rohe) NOMBRE AUTOR ESTILO CRONOLOGÍA LOCALIZACIÓN Pabellón alemán Mies Van der Rohe Miles van der Rohe Racionalismo Funcionalista 1929 Barcelona ANÁLISIS FORMAL: El pabellón de Alemania para la Exposición del 29 fue encargado por la República alemana para demostrar su poder en la Primera Guerra Mundial. Situado por petición del arquitecto lejos del pasillo central de la Exposición, fue construido utilizando: -Materiales tradicionales como el mármol -Materiales de nueva construcción (acero o cristal) -Materiales exóticos como el ónix.

El pabellón se encontraba ubicado sobre un podio de mármol Travertino y que daba acceso a la arquitectura por una escalinata. Su planta rectangular esta dividida en cuatro espacios: dos zonas interiores y dos exteriores, destaca la permeabilidad de espacios y la continuidad…