Literatura Castellana Selectividad: Comentario y Temas del Siglo de Oro

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LITERATURA CASTELLANA SELECTIVITAT 1. COMENTARIO DE TEXTO Pauta para hacer un buen comentario de texto: 1. Comprensión lectora, primera lectura (si es conveniente usaremos el diccionario). 2. Interpretación, segunda lectura (poder determinar las ideas principales). 3. Contextualización, aportar ideas básicas del autor, la época y la obra, sólo añadiremos eso que sea irrelevante para interpretar el texto. Primer párrafo. 4. Tema del texto, frase corta que da sentido a las partes del texto, no es el argumento, ni el pretexto ni el motivo. Hay que relacionar el tema del fragmento con el tema de la obra general. Primer párrafo. 5. Análisis formal. Primer párrafo. a. Métrica (si es un poema).

- Nombre de las estrofas: Pareado (estrofa de dos versos tanto de arte mayor o menor y cuya rima habitualmente es consonante), terceto (estrofa de tres versos de arte mayor y rima consonante, habitualmente aparecen varios tercetos juntos que reciben el nombre de encadenados y cuya rima suele ser ABA/BCB/CDC...), cuarteto (estrofa de cuatro versos de arte mayor, generalmente endecasílabos,once sílabas y rima consonante ABBA), redondilla (estrofa de cuatro versos de arte menor, generalmente octosílabos, ocho sílabas, y rima consonante abba), serventesio (estrofa de cuatro versos de arte mayor, generalmente endecasílabos, once sílabas, y rima consonante ABAB), cuarteta (estrofa de cuatro versos de arte menos, generalmente octosílabos, ocho sílabas, y rima consonante abab), cuadena vía (estrofa de cuatro versos alejandrinos, catorce sílabas, con una única rima, monorrimos, consonante AAAA), lira (estrofa de cinco versos, mezcla de arte mayor, endecasílabos, y arte menor, heptasílabos, y cuya rima consonante es 7a 11B 7a 7b 11B), quintilla (estrofa de cinco versos de arte menor y rima consonante, la rima no sigue ningún esquema, pero no puede haber más de dos versos seguidos con la misma rima, no puede terminar en pareado ni puede quedar ningún verso suelto), copia de pie quebrado (estrofa de seis versos octosílabos y tetrasílabos y rima consonante con este esquema 8a 8b 4c 8a 8b 4c), octava real (estrofa formada por ocho versos endecasílabos con rima consonante 11A 11B 11A 11B 11A 11B 11C 11C), décima (estrofa formada por diez versos, generalmente octosílabos y rima consonante 8a 8b 8b 8a 8a 8c 8c 8d 8d 8c), soneto (composición formada por dos cuartetos y dos tercetos, generalmente endecasílabos y cuya rima en los tercetos puede variar, aunque la más común es ABBA ABBA CDC DCD), romance (composición formada por una tirada de versos octosílabos y rima asonante en los versos pares 8- 8a 8- 8a 8- 8a 8- 8a) y silva (composición formada por una serie de versos, que mezcla endecasílabos y heptasílabos, distribuidos según la voluntad del autor y, generalmente, con rima consonante).

- Longitud de los versos: Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 Versos de arte menor (versos de dos sílabas, bisílabos/ versos de tres sílabas, trisílabos/ versos de cuatro sílabas, tetrasílabos/ versos de cinco sílabas, pentasílabos/ versos de seis sílabas, hexasílabos/ versos de siete sílabas, heptasílabos/ versos de ocho sílabas, octosílabos). Versos de arte mayor (versos de nueve sílabas, eneasílabos/ versos de diez sílabas, decasílabos/ versos de once sílabas, endecasílabos/ versos de doce sílabas, dodecasílabos/ versos de trece sílabas, tridecasílabos/ versos de catorce sílabas, tetradecasílabos.

- Tipo de rima: Rima consonante, repetición de vocales y consonantes a partir de la última vocal acentuada. Rima asonante, repetición de vocales a partir de la última vocal acentuada. b. Estructura. - Externa (número de estrofas, capítulos, actos y escenas). - Interna (cuantas partes tiene un texto en función de su contenido). 6. Análisis del contenido del texto, interpretar detalladamente el texto. Analizarlo parte por parte. Hay que situar el fragmento en el conjunto de la obra al que pertenece. Hacer referencia a recursos formales y expresivos (figuras retóricas, movimientos escénicos y técnicas teatrales o narrativas). Párrafos 2 y 3. 7. Conclusión.

Evitar que aparezcan ideas que no se hayan tratado previamente. Párrafo 1. 2. TEMAS TEÓRICOS DEL SIGLO DE ORO Principales tipos de estrofas, composiciones y versos de la poesía italianizante: desde el soneto y la lira a la silva. En 1526, Andrea Navagero, embajador veneciano, convence a Juan Boscán para que adopte los metros italianos y los motivos petraquianos. Boscán lo hace, pero convence a su amigo Garcilaso de la Vega para que también lo lleve a cabo.

Y será este, Garcilaso, quien lo adapta perfectamente a la lengua castellana debido a su genial talento lírico.Así da comienzo lo que se ha venido llamando "lírica italianizante" que es la corriente poética desarrollada durante la primera mitad del siglo XVI y que está influenciada por la poesía italiana de finales del siglo XIV y del siglo XV, en especial por la lírica de Petrarca. Esta corriente convive con la de la poesía tradicional española, octosilábica, que se va dejando de lado hasta que se recupera en el Barroco.

En el Renacimiento español se desarrolla una renovación métrica en la que destaca el uso de los versos endecasílabos y la combinación de versos endecasílabos y heptasílabos que darán nuevas estrofas y composiciones. Por lo que respecta a las estrofas, las más destacadas serán la lira y la estancia. Su nombre procede del poema Oda a la flor de Gnido, ya que es el primer sustantivo que aparece en el primer verso del poema de Garcilaso de la Vega. También las hay de seis versos, que pueden llamarse sextetos liras o liras de seis versos.

Esta estrofa se utiliza, en muchas ocasiones, en las odas, subgénero lírico de origen grecorromano, sobre todo de Horacio, que recoge un sentimiento intenso con un lenguaje elevado. La silva, se cultiva, sobre todo, en el siglo XVII. En cuanto a las composiciones poéticas más utilizadas y de influencia claramente italiana, tenemos el soneto y la canción. El uso del soneto por los poetas españoles es claramente influencia de la poesía italiana, principalmente de Petrarca que lo consideró la expresión más adecuada para expresar el sentimiento amoroso.

Está compuesto por versos endecasílabos que se agrupan en dos Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 cuartetos con rima fija (ABBA/ABBA) y dos tercetos, cuya rima es variable (CDC:EDE/ CDC:DCD...) La canción que es una composición con un número variable de estancias y con rima consonante. Los grandes tópicos y temas de la poesía áurea: el bucolismo, el platonismo, el carpe diem, el estocicismo de raíz horaciana (fray Luis de León) Algunos de los temas más utilizados son los bucólicos y pastoriles, en los que se idealiza la naturaleza, que es apacible y armónica, símbolo de la perfección y de la vida sencilla, y que responde al tópico locus amoenus (lugar ameno).

Encontramos, también, abundantes citas y recreaciones de motivos, temas y personajes de la mitología grecolatina. Aparece el "yo" poético como tema para expresar emociones y sentimientos del poeta, que algunas veces aparecen reflejados en la naturaleza, es decir, a veces la naturaleza aparece como reflejo de los estados de ánimo del poeta. Es un tema que proviene de la antigua poesía latina (Bucólicas de Virgilio) y también en la poesía renacentista italiana (Arcadia de Sannazaro). En la mayoría de casos, aparecen en ese lugar ameno pastores que se quejan de sus dolencias amorosas, como es en el caso de Salicio y Nemoroso en las "Églogas" de Garcilaso.

Otro tema es el amor, que se idealiza y toma una nueva concepción: un amor espiritual visto como un camino de perfección que dignifica al enamorado al contemplar la belleza física y la perfección de la amada. Se trata de una ideología amorosa de supuestos platónicos ya que el poeta ama inevitablemente sin correspondencia por parte de la amada. Por eso, en los poemas aparecen sentimientos de titubeo, duda, esperanza, tristeza, remordimiento, etc. En este padecimiento el poeta se purifica espiritualmente. Aparece, asimismo, la idea del platonismo basada en el pensamiento del filósofo griego Platón. Petrarca recoge la idea del amor platónico y está en la base de toda la lírica renacentista.

La contemplación de la naturaleza, o de cualquier cosa bella, como una mujer, nos acerca a la divinidad, puesto que la belleza del mundo es reflejo apagado de la belleza suprema de Dios. El platonismo surge de una revalorización del espíritu y del alma. Así, se contempla el amor espiritualmente, de manera que en el amor platónico, el poeta se purifica espiritualmente amando sin ser correspondido, contemplando ese reflejo de la belleza divina que es la amada. Otro gran tema es el estoicismo de raíz horaciana que encontramos en Fray Luis de León, que fue un escritor religioso que se suele englobar en la ascética.

Esta doctrina, muy presente en su poesía estaba influida por varias corrientes filosóficas de la antigüedad clásica, cuyo tratamiento literario se centra en la huida del hombre de este mundo y en su deseo de trascender y de fundirse con la eternidad. Entre estas doctrinas están el platonismo, el epicureismo horaciano y el estoicismo. La moral estoica concede a la razón una autonomía y un poder casi divinos. El estoico clásico es fatalista y, en el fondo, negador de la inmortalidad del alma. El estoicismo cristiano, doctrina moral surgida entre los humanistas, pretende aunar el rigor del estoicismo clásico con las exigencias del dogma cristiano.

Fray Luis, en algunos de sus poemas, se basa en unos versos de Horacio que establecen los principios del estoicismo. Horacio escribió una obra que se convirtió en la más influyente, el Beatus Ille (feliz aquel) decía, compartiendo opinión con Epicuro, que el hombre para alcanzar la felicidad debe vivir a través del placer espiritual y de una conducta correcta, posible en el seno de una vida tranquila que se consigue gracias a la imperturbabilidad del alma; es decir, mediante la insensibilidad hacia el placer y hacia el dolor. Así, el ser humano se haya limitado por un destino inexorable que no puede controlar y ante el que solo puede resignarse.

Fray Luis defiende que para Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 llegar a la paz espiritual y a la unión con Dios, te has de purificar y alejar del mundo (la cárcel terrenal) mediante la virtud, el estudio, la naturaleza y la música que elevarán el alma y así podrá contemplar el bien, la verdad, la belleza y la armonía; podrá contemplar a Dios. Por eso, encontramos en su poesía otro de los tópicos importantes de la época, que parte, según se ha mencionado con anterioridad, de Horacio, el beatus ille, que exalta la vida del campo y la dicha del que logra la perfecta paz espiritual en la naturaleza.

Por lo que respecta a los tópicos, encontramos: - Carpe diem (aprovecha el día), que tiene origen en Horacio y que consiste en una llamada a aprovechar y a sentir el momento, ya que la vida es muy breve y vale la pena vivirla. No podemos olvidar que su triunfo es el resultado de la idea humanista, renacentista, que defendía que el hombre era el centro y la medida de todas las cosas, de manera que se aprecia la vida terrenal, que ya no es un puro tránsito para la vida eterna. - Otros tópicos son Collige virgo rosas, que recomienda a las jóvenes que amen antes de que el tiempo marchite su belleza.

- Descriptio Puellae, que consiste en un tipo de descripción idealizada de la mujer que Petrarca utilizó y que influyó, sin duda, a los poetas renacentistas. El simbolismo de la poesía de San Juan de la Cruz La poesía religiosa de San Juan se engloba dentro de la rama de la mística, que se ocupa de describir el camino que sigue la mente humana para llegar a un conocimiento profundo de Dios, a la certidumbre de estar mentalmente unido a él. Así, esta poesía expresa la unión del alma con Dios, que es lo que se denomina "éxtasis místico". El simbolismo es el responsable principal de los versos sanjuanistas, y también de muchos pasajes de su prosa.

La poesía mística de san Juan de la Cruz explica la historia de un amor, la relación de una pareja enamorada que se busca, se encuentra y se retira para amarse. Este será el único tema de su poesía, la búsqueda que la amada (el alma) emprende tras el amado (dios). El proceso corresponderá a la vía purgativa, iluminativa y unitiva. El autor describirá este trayecto mediante el simbolismo. Cada poeta da el significado que él cree a sus símbolos, pero es uno de los muchos posibles, pues dependerán de la sensibilidad, el temperamento o la preparación del lector. De hecho, el propio San Juan tuvo que escribir unos comentarios en prosa de sus poemas ya que los religiosos no los entendían.

Uno de los símbolos que más desarrolló San Juan es el de la noche y la oscuridad (muy relacionado con la vía purgativa). Todo elemento real halla su correspondencia en el plano alusivo, es decir, con ese vocabulario místico al que pretende aludir con dichos símbolos. Así, los valles serán "el Amado" o "los actos en potencia del alma en cuanto pecan por defecto"; las riberas, "los actos moderadamente desordenados" o "las mortificaciones"; los ciervos, "el apetito deseable" o "el esposo"; filomena, "el esposo"; Aminadah "el demonio"; la llama "el fuego que purifica el alma y que prepara el alma para acceder a dios".

Con el símbolo, en San Juan, la realidad queda enriquecida con una nueva dimensión mucho más profunda y verdadera que la aparente. El llamado "culteranismo" y el conceptismo (Góngora frente a Lope y Quevedo) El Barroco es un movimiento cultural del siglo XVII en el que se observa una evolución de las ideas y los aspectos temáticos y formales del Renacimiento. Se entra en una época de crisis en el que la visión neoplatónica e idealista del Renacimiento se hace compleja y contradictoria. Se intensifican algunos tópicos que ya venían dándose en la corriente literaria anterior: la fugacidad de la vida, la desaparición de los goces, preocupaciones existenciales.

Sin embargo, se huye ahora de la Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 naturalidad y se busca el artificio en el estilo, una complicación en el lenguaje. El manierismo, el estilo artificioso de Herrera, evoluciona en el Barroco, de forma que cada vez se vuelve más rebuscado, artificioso y da origen a dos grandes tendencias: el conceptismo y el culteranismo. - El conceptismo es una corriente literaria que profundiza en el sentido o concepto de las palabras. Se puede definir como una agudeza mental que da preferencia a las ideas con el fin de impresionar la inteligencia o el deseo de decir mucho con pocas palabras "la sutileza en el pensar y el decir".

Para conseguir este objetivo utilizan frecuentes metáforas; juegos de palabras como el doble sentido; un estilo breve y conciso logrado mediante la elipsis o eliminación de palabras; antítesis de palabras, frases o ideas con el fin de impresionar o agudizar la mente. El máximo representante de esta corriente será Quevedo y en menos grado Lope de Vega. - El culteranismo o gongorismo, en cambio, es una corriente literaria que cultiva la forma de las palabras dejando en segundo plano su contenido. Pretende crear un mundo de belleza, impresionando para ello los sentidos con los más variados estímulos de luz, color, sonido y con un lenguaje ampuloso y culto "un lenguaje dentro del lenguaje".

Los recursos que caracterizan esta corriente son el abuso de la metáfora con el fin de crear un mundo de belleza absoluta; el uso frecuente de cultismos; el abuso del hipérbaton y el uso de palabras parónimas (sonido parecido y diferente significado). El máximo representante será Luis de Góngora. Las diferencias de estas dos corrientes son más teóricas que reales. Los críticos han señalado que no se puede hablar de tendencias opuestas, ya que en poemas de Quevedo se pueden observar rasgos culteranos y en poemas de Góngora rasgos conceptistas. El culteranismo vendría a ser una evolución del conceptismo en la que importaba más la forma que el contenido. 5.

El resurgimiento de la poesía tradicional: romances, letrillas, jácaras o canciones. Si el siglo XVI es la época de asimilación de las formas y los temas que procedían de Italia, el XVII fue el momento en el que se efectúa la síntesis de lo italiano y lo español. Así, en métrica subsisten las formas introducidas por Garcilaso pero los poetas vuelven a utilizar la métrica tradicional castellana anónima en composiciones de claro corte popular, especialmente el romance, la letrilla, y la jácara o canción. Los romances son poemas característicos de la tradición oral que se popularizaron en el siglo XV y que se recopilan en el Siglo de Oro.

Estos romances populares se engloban dentro del Romancero viejo. Son poemas narrativos de una gran variedad temática. Los hay caballerescos, moriscos, de cautivos, mitológicos, burlescos, amorosos y líricos de diversos asuntos. Consisten en una serie de versos octosílabos con rima asonante en los pares. Además, como se ha dicho, los autores cultos del siglo XVII movidos por la belleza de los romances viejos, adoptan ese tipo de estrofa y la enriquecen con temas y recursos formales. Estos romances escritos por poetas cultos en el siglo XVI y sobre todo en el XVII son los que constituyen el Romancero nuevo.

La letrilla es una composición poética que se desarrolla a partir del siglo XVI siguiendo el esquema del villancico, aunque también puede responder al esquema métrico del romance. Los versos son octosílabos o hexasílabos, que riman en consonante o asonante. Algunos versos se repiten a modo de estribillo a lo largo de un determinado número de estrofas, la cuales son simétricas. Se trata de un poema satírico y burlesco de tono ligero por lo general, aunque también las hay de tema religioso y lírico. Sus estrofas pueden ser redondillas o quintillas dobles. Góngora escribió letrillas basadas en la lírica popular e inspiradas en algún refrán burlesco.

Las letrillas satíricas más conocidas son las de Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 Quevedo, asimiladas por el pueblo gracias a su tono popular. La jácara es uno de los géneros satíricos, en verso, que se representan en el entreacto de las comedias del Siglo de Oro español. Los personajes solían ser delincuentes, pícaros, chulos, guapos o gente del mundo del hampa. Destaca el agudo humor y el dominio de la jerga de los bajos fondos. Muchos cultivaron el género pero destacan Quevedo y Calderón de la Barca sobre todo. Antes de ser representada, la jácara ya existía como composición poética, generalmente un romance.

La jácara provenía de la canción provenzal que llegó a España en el Renacimiento a través de la literatura italiana. Estaba compuesta por un número variable de estrofas (estanzas) que combinaban versos con rima consonante de siete y once sílabas. 3. EL RENACIMIENTO DEFINICIÓN: El Renacimiento fue un período cultural que siguió cronológicamente a la Edad Media y que quedó constituido en Europa en el siglo XVI, aunque en Italia se produjo durante el siglo XIV. El eje fundamental fue una nueva valoración del mundo y del ser humano (etapa antropocéntrica), presidida por el conocimiento y admiración de la antigüedad clásica, frente a la etapa teocéntrica que representó la Edad Media.

IDEAL LITERARIO: El ideal de lengua que preside el Renacimiento es la naturalidad y la armonía. El escritor debía escribir con absoluta sencillez y claridad, huyendo de la frase rebuscada, pero, al mismo tiempo, había de preocuparse por lograr la belleza, buscando un ideal de equilibrio entre el contenido y la expresión. Así la lengua se sometió a un proceso de depuración: la sintaxis y el léxico serían sencillos, pero selectos, cuidadosamente elaborados. El contenido de las obras renacentistas ponía el foco de atención en asuntos mitológicos, que por primera vez desde la Antigüedad no eran vistos como pecado.

Además, la revalorización del amor que supuso la obra de Petrarca y Bocaccio hizo que este sentimiento fuese visto como la más alta realización del ser humano, en lugar de ser considerado un desvío de la moral. Autores italianos que impulsaron el Renacimiento (s. XIV): - Petrarca: promueve el uso del soneto y del verso endecasílabo en su Cancionero, así como el amor ideal e inalcanzable (platónico) y la descriptio puellae de la donna angelicata (Laura, cuya perfección ideal se manifiesta en su belleza física, que se convierte en un arquetipo). - Dante: la coexistencia del imaginario cristiano con el de la mitología clásica en su Divina Comedia. Promueve el uso de los tercetos encadenados.

- Boccaccio: Los relatos breves centrados en las pasiones (amorosas sobre todo) humanas, de las que se da una visión positiva (el Decamerón), por primera vez en prosa y en lengua vulgar. Características del pensamiento renacentista (Humanismo), que es el núcleo intelectual del Renacimiento. -El humanismo, que fue un movimiento intelectual desarrollado en Europa durante los siglos XIV y XV que, rompiendo las tradiciones medievales y exaltando en su totalidad las Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 cualidades propias de la naturaleza humana, pretendía redefinir al ser humano tomando como maestros a los clásicos griegos y latinos, cuyas obras redescubrió y estudió.

(Lorenzo Valla, Pico della Mirandola, Nebrija. ). Se superó el teocentrismo medieval y se elevó la dignidad del ser humano: antropocentrismo. Los temas clásicos que recupera el Renacimiento: - Bucolismo. Sannazaro, La Arcadia. (La naturaleza ideal). Diálogos de pastores cultos y refinados en un entorno idílico. Tópicos: la descripción de la naturaleza: prado, río, árboles sol…). - Platonismo: Marsilio Ficino, Sobre el amor (el amor como un bien divino e inalcanzable al que es digno entregarse). - Estoicismo: beatus ille, iter secretum, aura mediocritas. (la aceptación del destino). Será importante en el Barroco.

- Epicureísmo: colligo virgo rosas, carpe diem.(La entrega a los placeres de la vida). Se dejan de lado algunos tópicos medievales como el Ubi sunt o el tempus fugit. Se recuperan algunos más optimistas como colligo virgo rosas y el carpe diem. INTRODUCCIÓN DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA. En la Carta a la duquesa de Soma de 1523, el poeta barcelonés Juan Boscán declara el origen de su afición a escribir en las formas métricas italianas de origen petrarquesco (como el soneto) en una conversación que había tenido con el embajador de Italia en unas bodas en Granada. Posteriormente, en su viaje hacia Barcelona, le aconsejó este cambio de estilo a su amigo Garcilaso de la Vega. GARCILASO DE LA VEGA.

(1499-1536). BIOGRAFÍA. Noble segundón. Educación aristocrática. Al servicio de Carlos V y protegido por el duque de Alba. Enamoramiento platónico de Isabel Freire. Primer viaje a Italia en 1529. Destierro en una isla del Danubio en 1532. Estancia en Nápoles, 1532-1534. - Obra: coplas cancioneriles, previas a su adquisición del estilo renacentista, 38 sonetos (a Isabel Freyre en su mayoría), 3 églogas (obras largas protagonizadas por pastores idealizados que viven en un terreno bucólico también idealizado), 5 canciones, 1 epístola (carta) y 2 elegías (poema a la muerte de alguien ilustre)..

VIDA Y OBRA DE GARCILASO DE LA VEGA Garcilaso escribió cuarenta sonetos, cinco canciones, tres églogas, dos elegías y una epístola. Poemas de estilo cancioneril. En estos, Garcilaso empieza siguiendo las prescripciones de la poesía medieval amorosa: versos octosílabos, de rimas agudas, llenos de reflexiones morales, racionales y repetitivos. Sonetos: Los 40 sonetos de Garcilaso son plenamente renacentistas (petrarquescos), aunque en algunos de ellos persisten rasgos de la lírica medieval de cancioneros. En ellos aparecen momentos de su amor hacia Isabel Freyre.

Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 Canciones: Poema dedicado a expresar admiración por un tema o sentimiento; suelen ser de signo amoroso. Entre las canciones de Garcilaso destaca la Canción V, en la que Garcilaso creó una nueva forma estrófica: la lira. Églogas: Es un género dedicado a expresar los problemas amorosos de pastores idealizados que suelen discurrir en un locus amoenus. Las tres églogas de Garcilaso constituyen la cima de su breve obra poética. AMPLIADAS AL FINAL. Elegías: Poemas dedicados a la muerte de alguien; no tienen una forma métrica única. Las dos elegías de Garcilaso están escritas en tercetos encadenados.

Epístola: La única epístola que escribió Garcilaso trata de la amistad y está dirigida a la amistad hacia el poeta barcelonés Juan Boscán. Escrita en versos libres, su tono es personal y espontáneo. Está inspirada en la Ética, de Aristóteles. Las 3 églogas: 1. En ella se cantan los amores desgraciados de Salicio despechado por Galatea y de Nemoroso que ha perdido a Elisa. El sentimiento amoroso, aunque desdichado, está expresado sin dramatismo, con contenida elegancia. 2. La segunda égloga tiene dos partes diferenciadas. En la primera, un pastor de nombre Albanio canta su amor por Camila.

La segunda parte es una apología del duque de Alba en agradecimiento por haber mediado para que el rey le levantara el destierro. 3. La tercera égloga afronta otro de los temas de la poesía renacentista: la naturaleza bucólica. En ella, se nos cuenta cómo unas ninfas buscan, a orillas del Tajo, un lugar hermoso donde deleitarse y realizar sus labores. Cada una de las ninfas que aparecen en la égloga tejerá una historia de la mitología clásica que cuente un amor desdichado.

Así, vemos en sus labores los amores de Orfeo y Eurídice, el de Venus y Adonis y el de Dafne y Apolo; mientras que la última de ellas tejerá la historia de amor de Elisa y Nemoroso, equiparándola así a los grandes amores de los mitos. COMENTARIO DEL SONETO DE GARCILASO DE LA VEGA -AUTOR y TEMA PRINCIPAL Esta composición lírica pertenece a la breve obra del poeta toledano Garcilaso de la Vega (1501- 1536), introductor, junto con Juan Boscán, de la lírica renacentista de influencia italiana y máximo exponente de este movimiento poético durante la primera mitad del siglo XVI.

Garcilaso representa al perfecto cortesano renacentista del que hablaba Baltasar de Castiglione, pues conjuga en su persona "armas y letras". Su producción literaria, exclusivamente poética, es breve; en metros italianistas: tres églogas, dos elegías, cinco canciones, una oda, una epístola y treinta y ocho sonetos. El poema que nos ocupa es el soneto XXIII y está dedicado probablemente a Isabel Freyre, dama portuguesa de la reina y musa de su poesía. En el soneto XXIII, Garcilaso hace una exhortación a su dama a que se entregue, durante su aún presente juventud, a los goces del amor honesto.

-MÉTRICA, RIMA y DIVISIÓN EN PARTES La forma estrófica de este poema es la del soneto: una composición de catorce versos endecasílabos formados por dos cuartetos y dos tercetos. El origen italiano de esta forma poética confirma su filiación renacentista, ya que fue el usado por Petrarca en su Cancionero a Laura.

Garcilaso divide su poema en tres partes: en la primera (los dos cuartetos), el autor describe algunos rasgos físicos de su amada: los colores pálido y sonrojado –por sus sentimientos- de su rostro; su ardiente y clara mirada, su cabello dorado que vuela al viento y su cuello también blanco y recto; el nexo "en tanto", Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 incide en su carácter efímero. En la segunda, formada (el primer terceto), se aconseja gozar de esa belleza antes de que el paso del tiempo la marchite ("coged…el dulce fruto").

Finalmente, en tercer lugar, el poema finaliza en el segundo terceto con el recuerdo del paso implacable del tiempo, que debe contribuir a gozar del bien presente, mientras se pueda. La rima del poema es consonante (11A 11B 11A 11B 11A 11B 11A 11B 11C 11D 11E 11C 11D 11E), y es destacable la ausencia de versos agudos, tan usuales en la poesía medieval a la que el Renacimiento superó. -ANÁLISIS DE LA LENGUA Los cuartetos de introducción se estructuran mediante los nexos "en tanto", que se repiten en una oración subordinada temporal que anticipa el imperativo "coged", referido a la actitud que se solicita a la amada ideal de Garcilaso.

Es un poema de sintaxis larga, como la de la lengua latina a la que procura imitar. La alteración sentimental propia del amor es aludida mediante los símbolos "rosa" y "azucena", referentes al sonrojo y a la palidez, ambos propios de la enfermedad de amor. Estos se estructuran en un paralelismo con "ardiente, honesto", que describen las mismas contradicciones en la mirada de la amada. Los epítetos "alegre", "dulce" reiteran el carácter positivo del amor al que se solicita que se entregue la donna angelicata.

La descriptio puellae de la amada se corresponde con el modelo de belleza renacentista de ojos y piel y cabello claros, este también ondulante, cuyo movimiento se representa con la correlación de verbos "mueve, esparece, desordena", en paralelo a los tres adjetivos "hermoso, blanco, honesto", que se describen el cuello de la amada. Las rimas del poema repiten vocales abiertas (e-a, e-o), tranmitiendo cierta sensación de armonía y musicalidad reforzada por la sintaxis de oraciones largas. -RENACIMIENTO El soneto XXIII es un poema de inspiración renacentista confirmada tanto por su contenido como por su expresión.

Su tema principal evoca los tópicos renacentistas de origen clásico carpe diem (de Ausonio) y colligo virgo rosas (Horacio), que muestran una valoración positiva del sentimiento amoroso frente al carácter negativo que se le daba en el período medieval, cuando se acentuaba la inminencia de la muerte (tempus fugit o ubi sunt). Justamente, esta belleza es aludida con adjetivos de matiz positivo ("alegre", "dulce"), que se contraponen a "helado" y "ligera", propios de la vejez que no hay que esperar para disfrutar de la belleza.

Es evidente que el modelo de Garcilaso es Petrarca, cuya influencia empezó a recibir tras el consejo de su amigo Boscán testimoniado en su Carta a la duquesa de Soma (1526) y su estancia en Nápoles en su destierro italiano en 1528. Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 "SONETO V" Tema: la entrega absoluta de Garcilaso al amor hacia Isabel, declarándole su inferioridad. Partes: a) Entre los versos 1 y 4 encontramos la descripción de cómo la amada es la dueña del ser y de los actos de Garcilaso, hasta el punto de que el poeta no tiene el poder de crear, sino que sólo puede repetir lo que de ella viene.

b) En los versos 5 a 8 podemos observar que el bien que emana de Isabel sobrepasa el entendimiento de Garcilaso, por lo que la manera de entregarse a ella se basa en la fe, en una metáfora digna de la divinidad. c) En la última parte (versos 9 a 14) el autor muestra su agradecimiento por que su vida y muerte le pertenezcan a Isabel (Cuanto tengo confieso yo deberos), confirmando que la medida del alma del poeta se debe a la entrega amorosa hacia su dama.

Análisis de la lengua: En el primer cuarteto podemos destacar en primer lugar la aliteración del sonido /s/, mediante la cual el poeta parece estar revelando un secreto en voz baja, susurrando, como si no quisiera revelarlo ni siquiera a la dama. También aparece en estos primeros versos la metáfora más original del poema, con el alma del poeta como papel en que la dama escribe el sentimiento amoroso que recorre toda la composición. Por otra parte, también en este primer cuarteto destaca el juego entre "yo" y "vos", ella escribe, él lo lee. Ella ejecuta, él obedece. El poeta no es creador, solo cuenta lo que ya existe: la belleza que le supera.

En el quinto verso utiliza el verbo en presente y en futuro para explicar lo eterno de su amor (estoy y estaré siempre puesto). Retóricamente expresa la superioridad de la mujer que ama sobre él con la hipérbole "no cabe en mí". Usa la fe como respuesta a su impotencia y muestra su religiosidad, en los versos 7 y 8, mediante el hipérbaton que ensalza el verbo "creo" (de tanto bien lo que no entiendo creo,/ tomando ya la fe por presupuesto). En el primer terceto destaca la dilogía de la palabra "hábito" que aquí se ajusta a la vestimenta (os ha cortado a su medida), pero también a la costumbre seguida de amarla (por hábito del alma mismo os quiero).

Además encontramos una personificación del alma cuando expresa que "ha cortado a su medida". Así, podemos observar una equiparación del alma con un sastre, lo que permite seguir utilizando la metáfora del hábito. Por otra parte, podemos destacar la anáfora "por vos" que aparece en los versos 13 y 14 (por vos nací, por vos tengo la vida,/ por vos he de morir, y por vos muero). El nacimiento como persona, amante y poeta se lo debe a la dama. E igualmente, si se produce su muerte porque la dama no le corresponda también se la deberá a ella. Este último terceto puede considerarse una sentencia que resume el contenido del soneto completo.

En general en el poema encontramos el gusto por la paronomasia. Por una parte, encontramos un mismo verbo conjugado en personas y tiempos diferentes: escrito, escribir y escribisteis en los tres primeros versos; Quereros, quiero en los versos 9 y 11; y he de morir y muero en el verso final. Por otra parte, se refuerza lo que se desea expresar mediante la estructura sintáctica bimembre en los versos 5 (En esto estoy y estaré siempre puesto) y 14 (por vos he de morir, y por vos muero). También mediante la antonimia ("escribisteis-leo" o "nací-muero"), y la sinonimia (lo que no entiendo creo del verso 7).

Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 En otro sentido, podemos señalar que el tema del texto condiciona el uso de sustantivos y adjetivos relacionados con los campos semánticos del amor y la fe, y así encontramos términos relacionados con lo divino, como "alma" y "fe", pero también con lo terrenal (vida y muerte, por ejemplo) y con el amor, como "deseo" y "gesto". POEMAS LARGOS DE GARCILASO DE LA VEGA LA CANCIÓN V.

Oda a la flor de Gnido La canción V, conocida por la Oda a la flor de Gnido, pertenece a la breve obra poética de Garcilaso de la Vega, poeta que participó en primera persona en la introducción del la cultura y de las formas poéticas del Renacimiento en España junto a su amigo Juan Boscán, intención documentada en la Carta de este a la Duquesa de Soma de 1526. Con posterioridad a sus primeros ensayos con las formas de Petrarca, el destierro de Garcilaso en Nápoles le hizo contactar con humanistas italianos como Bernardo Tasso o Luigi Tansillo, que sin duda le hicieron desarrollar aún más su interés por los autores clásicos (Horacio sobre todo), cuya lengua –el latín- ya conocía.

La Oda de Garcilaso desarrolla un requerimiento amoroso a Violante Sanseverino en beneficio de Mario Galeota, un amigo del autor. La comparación de los recursos líricos que utilizan ambas composiciones ilumina el giro copernicano que supuso en la creación artística la introducción de la cultura renacentista. El propio apodo de Violante aporta al poema referencias de la mitología clásica, recuperada para la tradición occidental gracias a los humanistas italianos: "Gnido" era, además del nombre de un barrio napolitano, la forma italiana de "Venus", la diosa del amor a quien parece invocarse.

En este sentido, el requerimiento amoroso se apoya en el ejemplo contrario del mito de Anajérete e Ifis, a bien de evitar la conversión en piedra de Galeota, quien ya parece haber empezado a olvidar sus obligaciones militares a causa del padecimiento amoroso. Tanto Galeota como el propio Garcilaso evocan la figura del caballero cortesano, doctor en las armas y las letras, con origen en El cortesano, de Baltasar de Castiglione. En el mismo sentido, Garcilaso parece comparar las virtudes de la poesía con las del arte de Orfeo, pues ambos pueden dominar la naturaleza ("que en un momento / aplacase la ira / del animoso viento"), así como sitúa a su amigo amarrado "a la concha de Venus".

La defensa, pues, que realiza Garcilaso del amor como un sentimiento ennoblecedor del alma también se sitúa en la nueva mentalidad del Renacimiento, que defendía este sentimiento como protagonista de la armonía del universo desde las obras de Marsilio Ficino y León Hebreo, así como de Petrarca, quien encomiaba a Laura como una donna angelicata, espiritualmente ennoblecedora. En la expresión poética se aprecia también el influjo de la nueva corriente renacentista: la estrófa usada por Garcilaso (la lira, formada por cinco versos de 7 y 11 sílabas) procura imitar en lenguas románicas el estilo de Horacio.

El verso endecasílabo había sido puesto de moda por Petrarca, así como la ausencia de rimas agudas tan presente en el poema de Castillejo. Esta contribución a la armonía y suavidad de la lengua es reiterada por los epítetos presentes en la canción V ("duro mármol", "miserable amante", "fieras alimañanas", "blanda musa", "mayor amigo") que reiteran mediante aliteraciones suaves de consonantes nasales o laterales, o de vocales abiertas, estas características de la lengua del Renacimiento. Tan grande fue la novedad del estilo de Garcilaso que valga como ejemplo el nombre de la estrofa aquí utilizada: el de un elemento de la Grecia clásica citado en el primer verso, la lira.

Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209 SONETO X El tema principal del poema es el dolor que produce al autor el hallazgo de unas prendas de amor, que le traen el recuerdo de su amada, imposible de recuperar a causa de su muerte. El poema está dividido en tres partes; las dos primeras coinciden con sus cuartetos, donde el autor se refiere, respectivamente, al dolor que le evoca el recuerdo actual de su amada y luego a la felicidad compartida durante su entrega amorosa.

En los dos tercetos, el autor recrimina a las prendas de amor que le hayan estimulado un recuerdo que para él es tan doloroso que le hace desear la muerte. Los tiempos verbales confirman esta división (presente de indicativo para la primera, imperfecto de indicativo para la segunda y presente apelativo en la tercera), así como la sintaxis y los signos de puntuación (una exclamación en la primera, una interrogación retórica en la segunda y una oración adversativa en la tercera). Estas exclamaciones e interrogaciones confirman un tono de exaltación, lejos de la serenidad de otros sonetos. La repetición de fonemas oclusivos incide en este aspecto ("tanto", "junto", "pusistes"…).

No obstante, el estilo suave con que el Renacimiento suele tratar el sentimiento amoroso se evidencia al inicio del poema, mediante la repetición de adjetivos de connotación positiva ("dulces", "alegres") con una aliteración de la m en el v. 14, como del fonema [b] en el v. 6- 7. Los hipérbatos también inciden en este sentido, alargando la sintaxis, como en el v. 1 y 6. El vocabulario resalta en el tono pesimista del poema al finalizar cada estrofa con sintagmas de connotación negativa ("muerte conjuradas", "grave dolor", "mal", "morir"). Retóricamente, la figura dominante es la antítesis "tanto bien" "grave dolor", "junto todo el bien" "junto el mal", "tantos bienes" "memorias tristes".

Este recurso, junto a la paradoja del v. 1 ("dulces prendas" vs. "mal") expresa la discordancia entre el pasado de plenitud y el presente de frustración amorosa. La respuesta imposible a la interrogación retórica del segundo cuarteto confirma esta ausencia de la amada. Cuando el autor recrimina a las prendas de amor que le recuerden el pasado, lo hace mediante una personificación, atribuyéndoles la cualidad humana de haberse conjurado contra él. El poema entero se estructura pues como una apóstrofe (interpelación) a esas prendas de amor.

El poema presenta una variante del ubi sunt, tópico medieval, atribuyendo a la ausencia de la amada la capacidad de producir dolor hasta desear la propia muerte. De esta manera, se muestra a contrario la plenitud que conlleva el entregarse al amor ("tantos bienes"), como era propugnado en el Renacimiento. Las referencias a las pasadas horas ("tempus fugit") corroboran que el lamento del autor evoca la digna entrega al sentimiento amoroso que sin duda fue inspirada por el lejano modelo de Garcilaso, Francesco Petrarca en su Canzoniere. Descarregat per C (comscoot.mail@gmail.com) lOMoARcPSD"56120209