Guía de Estudio: Organización y Lenguaje Audiovisual

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1 Lucía Lara 2o CAV 2025-26 LENGUAJE AUDIOVISUAL TEMA 1: ORGANIZACIÓN DE LA PRODUCCIÓN CONTENIDOS LAS ETAPAS DE DESARROLLO DE UN PRODUCTO AUDIOVISUAL LOS EQUIPOS IMPLICADOS EN LAS DIFERENTES ETAPAS LA IMPORTANCIA DE LA PREPRODUCCIÓN LOS TIPOS DE GUION STORYBOARD O GUION GRÁFICO RELACIÓN DE ASPECTO EL DESGLOSE DEL GUION LOS LISTADOS DE PRODUCCIÓN LAS ETAPAS DE DESARROLLO DE UN PRODUCTO AUDIOVISUAL EQUIPOS EN DIFERENTES ETAPAS DE DESARROLLO DE UN PROYECTO AUDIOVISUAL 2 Equipo de guionistas Responsables de la confección del guion; Pueden ser guionistas, dialoguistas y argumentistas Equipo de dirección/ realización Responsables de tomar decisiones en cuanto a contenidos y líneas ideológicas de un producto audiovisual.

En televisión suele ser el/la productor/a ejecutivo/a que se encarga de la dirección o una persona que haga doble función: dirección y realización. Realizador/a (director/a en cine) Posición que engloba la supervisión de una serie de funciones y equipos: Elaboración del guion técnico, planificación, localizaciones, supervisión de decorados, iluminación, sonido, vestuario, dirección de actores, etc.; Coordina la preparación de la grabación; Decide qué plano aparece en cada momento en pantalla; Solventa cualquier contratiempo o imprevisto que pueda afectar al resultado final.

Regidor/a o ayudante de realización/dirección Es el soporte principal de la realizadora/realizador (director/a); En la preproducción se encarga de revisar el guion técnico, hacer el orden del rodaje y orden del día; Comprueba lastemáticas a tratar,la duración de cada escena y el equipo que va a participar; Chequea que todos los recursos necesarios para la grabación estén listos; Supervisa ensayos previos a la grabación/emisión Controla el plató y la puesta en escena: trasmite instrucciones a los diferentes equipos, controla el tiempo, responsable de transmitir códigos gestuales a actores y al público.

Mezclador/a Persona encargada de la sincronizaciónde señales y de edición en directo de las mismas; 3 Sigue instrucciones de la persona realizadora; Cuando la persona realizadora esta fuera del control momentáneamente es quien le sustituye en estos momentos. Equipo artístico Actores: protagonistas, primeros papeles, papeles secundarios, papeles de reparto, colaboraciones especiales, dobles, figuración, etc.

Presentadores Locutores Dobladores Cantantes Público Equipo de producción Responsables de coordinar el presupuesto; Gestionar los medios de producción: todos los recursos humanos y materiales necesarios (iluminación, vestuario, maquillaje, localización, etc.); Establecer el plan de trabajo, que se grabará y donde se hará (localizaciones); Coordina los diferentes equipos implicados; Productor/a Ejecutivo/a: responsable de la comercialización del producto audiovisual; Productor/a: planifica los medios de producción; Ayudantes de producción: se encargan de las gestiones del día a día para poner en marcha la planificación.

Equipo de arte/ escenografía Analiza el guion para identificar todos los accesorios, objetos y atrezos; Elabora los sets y decorados; Está en contacto con la producción para encontrar soluciones rentables y respuestas prácticas a los problemas de construcción y decoración. Los roles en el equipo de arte/ escenografía Director/a de arte/e o Escenógrafo/a: 1. Idealiza y coordina este proceso; 4 2. Trabaja conjuntamente con el director/a de fotografía/Iluminador/iluminadora, jefes de vestuario y maquillajepara seguir una misma línea en cuanto a colores y texturas y otros aspectos idealizados por la persona realizadora.

Decorador/a: Diseña y supervisa la producción de decorados; Ayudante de decoración: dibujos, medición y escalas para la producción de decorados; Otras personas implicadas: maquetistas, pintores, carpinteros, jardineros, etc. Equipo de caracterización Figurinista Diseña el vestuario de los personajes Sastre: Confecciona, se encarga de las costuras, hace pruebas, ajustes y mantenimiento de dicho vestuario.

Ambientador de vestuario: hace la búsqueda de los complementos de vestuario (gafas,abanicos,cinturones,etc.) Maquillador/a Peluquero/a: caracterizan los personajes y transmiten credibilidad Equipo de fotografía/ iluminación Trabaja en colaboración con equipo de dirección y el equipo de arte para dar el aspecto visual deseado al producto audiovisual; En la preproducción define paleta de color, elige cámara, objetivos, accesorios de iluminación y hace listados; Asiste a localizaciones para estudiar la necesidad de iluminación; Realiza mapa de cámaras y de luces; Controla el color en la grabación y en el proceso de etalonaje.

Los roles en el equipo de fotografía/ iluminación Director/a de Fotografía/ Iluminador/a: coordina todo el proceso también es conocido como primer operador/a de cámara en el cine; Segundo operador de cámara (cine): maneja la cámara cuando el primer operador requiere y/o le auxilia; Ayudante de cámara/foquista (cine): responsable por el foco de la imagen; Auxiliar de cámara: mantiene la cámara y los equipos en orden; Operador de cámara de estudio: opera la cámara y sigue instrucciones de la persona realizadora; Control de imagen: responsable por la colorimetría y fotometría de la imagen Jefe de luminotecnia y operadores de luminotecnia (eléctricos): auxilianel/la iluminador/a en el manejo de las luces y de la parte eléctrica.

5 Equipo de sonido Se encarga de la calidad de la toma, registro y procesado del sonido, efectos sonoros, banda sonora y colocación de micrófonos y su manutención; Visita las localizaciones para definir la forma adecuada de captación de sonido Los roles en el equipo de sonido Director/a de sonido/ director/a de audio/encargado/a del sonido: Supervisa todoslos elementos de audioutilizadosenuna producción audiovisual,comolos efectos de sonido, el diálogo y la música. También debe tener conocimientos técnicos sobre acústica , mesas de mezcla, micrófonos, voz, etc. Ayudante de Sonido: asiste a la persona encargada de la colocación de micrófonos, captación de audio y mantenimiento de los equipos.

Ambientador Musical: persona especializada en efectos sonorosy composición de banda sonora. Equipo de postproducción/ montaje Equipo de postproducción Montaje: La persona montadora selecciona lasmejores tomasyda sentido a la narrativa audiovisual. Trabaja en conjunto con el director/a de fotografía y el supervisor/a de efectos visuales, colorista, y encargado del sonido. En producciones de bajo coste realiza otras funciones de postproducción. Grafismo: Especialistas en Diseño gráfico y 3D que se encargan de hacer todo que se relaciona con títulos, cortinillas, gráficos etc.

Efectos Especiales: Especialistas en crear efectos por ordenador desde cero o manipulas imágenes reales, pero que necesitan de edición con el ordenador. Etalonaje Digital: La persona colorista asegura que hay una unidad de color de todas las escenas del producto audiovisual, también altera el color si es el objetivo, ajusta tonos de la piel y otros aspectos. Edición de Audio: Revisar las grabaciones, mejora la calidad del audio, enlaza diferentes sonidos, diseña los efectos sonoros y la banda sonora.

LA IMPORTANCIA DE LA PREPRODUCCIÓN 6 Según Núria Cancho y Marco García (2018): "La calidady el buen desarrollo del rodaje- grabación dependerán en todo momento de todos los trabajos previos que se hayan realizado " (p. 221) en la etapa de preproducción. Preproducción Se debe invertir mástiempo en la preproducción que en la grabaciónde una obra; En esta etapa se controla todo lo que será necesario en el rodaje/grabación; Hacer una buena preproducción ayuda a prepararse para afrontar imprevistos; También optimiza tiempo y recursos.

La preproducción de una obra audiovisual La adaptación del guion literario al guion técnico; La adaptación del guion técnico al guion gráfico (storyboard); Composición de los equipos técnico y artístico; Desglose del guiony listados de los elementos necesarios para el rodaje por los equipos; Búsqueda de localizaciones y decorados; Preparación de vestuario y otras necesidades escenográficas; Casting y Ensayos.

LOS TIPOS DE GUIONES Guion literario : Presentación narrativa y ordenada de las acciones y diálogos de nuestra historia Sencillo y directo; No tiene información técnica (planos/movimientos cámara); Cada página DIN A-4 con letra Courier New y tamaño 12 = 1 minuto aproximadamente; Puede variar a la duración con relación a la complexidad del diálogo o de la acción.

Modelo americano: foto Elementos básicos del guión literario Encabezado: número de la escena, tiempo y lugar 7 Acción: descripción del lugar, personaje y acciones Personaje: siempre en mayúscula y en el centro cuando hay diálogo Diálogo: al centro con sangría para distinguirlo de las acciones Acotaciones: acciones y referencias a formasde hablaroactuarentre paréntesis y en minúscula Efecto y elementos de interés: sonidosy otros elementos de postproducción o de preproducción (atrezo, mobiliario, objetos) escritos en MAYÚSCULA Transición: puede indicarse o no en el tipo de transición (corte a, encadenado etc.) Guion técnico: Es la traducción al lenguaje audiovisual del texto escrito (guion literario); Pertenece al equipo de dirección/realización; Facilita la preproducción y la fase de rodaje/grabación de todos los departamentos implicados; Elementos básicos del guion técnico Cada escena/secuencia contiene: El valor del plano/tipo de encuadre (PP, PM, PA, PG, PD, etc.); La angulación (horizontal, picado, cenital, etc.); Movimientos de cámara (travelling, pan, zoom, etc.); Transiciones; Elementos Sonoros; Descripción de la acción y duración aproximada; Otros elementos (luces, objetivos y distancia focal etc.).

8 El Guión Gráfico - Storyboard Herramienta que ayuda a visualizar lo que deberá ser filmado; Facilita el trabajo de las diversas áreas implicadas en la producción de una película u otros tipos de formatos audiovisuales (animación, vídeos para televisión, publicidad, etc.); Ayuda a ahorrarcostes ya unificarla visiónde cómoserá la película,susescenas; Capacidad de plantear con claridad las escenas con técnicas y movimientos de cámaras más sofisticados y efectos especiales.

El Origen del Guión Gráfico Origen: bocetos artísticos del comienzo del cine mudo; Problemática: Web Smith (guionista - animación del Estudio Disney) percibió que producir una animacióncon sentido lógico (principio, nudo y desenlace) era muy complicado, dado el gran número de bocetos artísticos; La solución: enlazar secuencialmente con pernos una secuencia de los dibujos con el diálogo del principio al final hasta encontrar la secuencia lógica de la historia; Consolidación: mediados de los años treinta, cuando su utilización pasó a ser necesaria en la industria de la animación; Uso recurrente: surge a partir por parte del Estudio Walt Disney; El primer cortometraje de Walt Disney conocido por utilizar el storyboard: Los tres cerditos (1933).

9 Diseminación: Lo que el viento se llevó (1939), de Victor Fleming (dibujada casi totalmente). Orson Welles, Akira Kurosawa, Alfred Hitchcock y posteriormente Ridley Scott o los hermanos Coen han dibujado sus propios storyboards.

Storyboard hecho por Saul Bass para la película Psicosis (1960) Animatics Son secuencias de dibujos del storyboard que son animadosmediante algún programa de edición, y se ponen en secuencia; Se agrega una voz en off, una banda sonora y efectos de sonoros para crear una presentación que muestre cómo puede quedar el resultado del producto audiovisual: Anunciantes y agenciasde publicidadutilizan para investigarla eficacia del guion gráfico propuesto antes de comprometerse con la realización de una publicidad que implica elevados costes.

Ejemplos de animatics: Gorillaz – Feel Good Inc Relación de Aspecto Para elaborar el guion gráfico es muy importante tener en cuenta la relación de aspecto de la pantalla en la que se grabará y se visualizará el producto audiovisualcon el fin de que se pueda ilustrar qué aparecerá en cada imagen correctamente. ¿Qué es la relación de aspecto?

Es la relación proporcional entre la anchura y la altura de una imagen; Es el tamaño del encuadre; 10 Se expresa como dos números separados por dos puntos (x : y), como 16:9 4:3; x=anchura, y= altura O por la divisiónde estos números 16:9 = 1.77:1, estosignifica que la proporción es 1,77 veces más ancho que alto; No importa cuán grande o pequeña sea la imagen. El ancho está dividido en unidades x de igualanchura y en unidades y de igualla altura, puede expresarse en centímetros o pulgadas. Diferentes películas Cine Mudo y TV hasta los años 2000 - relación de aspecto de 4:3 (1.33:1). Formato académico (1932).

Relación de aspecto: 1.37:1 Para agregar sonido a las películas, se introdujo una pista de audio en una tira delgada junto a los fotogramas, lo que resultó en un ligero cambio de forma de la imagen. Ejmplos: Casablanca (1942) Ciudadano Kane (1941) 11 Cinerama (1952). Relación de aspecto de 2.59:1 Ver televisión en casa estaba bajando la venta de entradas para el cine. Por ello, ofrecieron una magen extremadamente amplia, creada al proyectar tres imágenes estándar de 35 mm una al lado de la otra en una pantalla curva gigante. CinemaScope (1953). Relación de aspecto: 2.35:1.

Twentieth-Century Fox buscaba una imagensimilar a Cinerama sin las limitacionesdel sistema de tres cámaras:aplastando(distorsionando)la imagen ancha en una película estándar de 35 mm y luego volviéndola a expandir cuando se proyectaba (objetivo anamórfico) Ejemplo: La túnica Sagrada (1953) VistaVision (1954). Relación de aspecto:1:85:1.(varia de1.66:1 a 2:1)Algirarla película estándarde 35 mm 90 grados,las escenas se pueden filmaren un área másgrande de la película, lo que da como resultado una imagen de mayor calidad. MGM 65 (1957). Relación de aspecto: 2.76:1 Otro formato de 70 mm. Objetivos anamórficos Ejemplo Ben-Hur (1959) Ultra Panavisión 70 (1959). Relación de aspecto: 2,20:1.

Un refinamiento del MGM 65 con objetivo esférico Lawrence de Arabia" (1962). IMAX (1970). Relación de aspecto: (1.43:1) IMAX ejecuta una pleícula de 70mm horizontalmente. 12 Ejemplo Partes de the dark knight rises 2012 Relaciones de Aspecto más comunes 13 Relación de aspecto 16:9 (1.77:1) Se desarrolla para poder adaptar los diferentes formatos sin perder tantas partes de la imagen.Es el formato utilizado en televisión, series, videoclips y algunasproducciones cinematográficas.

El desglose del guion Documento fundamental para desarrollar el guion gráfico y otros documentos y listados; Realizado por el asistente de dirección/realización o por el director de producción; Manera de identificar ciertos elementos del guion literario para posteriormente interpretarlos en imágenes; Proporciona mejor comprensión de lo que será filmado; 14 Saber qué estará presente en cada escena: los personajes, la ubicación, si es exterior o interior, decorado, vestuario, atrezo etc.; El guion técnico, o con la división de las escenas en planos ayudan en su elaboración; Llevar a cabo el desglose del guion Lectura detallada del guion; Identificación y clasificación de los elementos que son importantes para rodar las escenas; Marcado en el guion de los elementos con distintos colores y formatos; Se recomienda crear una leyenda o código de colores; Crear un listado detallado de todos los elementos necesarios de cada departamento o equipo por escena (hoja de desglose Hoja de desglose 15 Los listados de producción Desglose de personajes Desglose de personaje Listado de vestuario Listado – actores/localizaciones 16 Listado de mobiliario Listado de objetos (atrezo general) Listado de atrezzo especial Listado de materiales 17 Tema 2: LENGUAJE AUDIOVISUAL, MEDIOS INTERACTIVOS Y REDES SOCIALES CONTENIDOS El paradigma digital Plataformización La mutua influencia de las prácticas sociales y los formatos de vídeos en redes sociales La adopción del vídeo vertical Grabando en vertical El paradigma digital -> Cambio de paradigma -> Tradicional Comunicación uno-a-muchos; Medios Masivos.

18 Digital Comunicación muchos-a- muchos; Redes Sociales; VoD; Videojuegos online. Cambio en la ecología mediática Los medios son vistos como entornos. Cada nuevo medio que emerge tiene el papel de reconfigurar y/o alterar dicho entorno Explosión de contenidos y formas de hacerlos Las narrativas transmedia: Cada medio hace un aporte a la construcción del mundo narrativo; evidentemente, las aportaciones de cada medio o plataforma de comunicación difieren entre sí.

(Scolari, 2013) Evolucion de los medios segun scolari (2019) Broadcasting -> Networking Receptor -> Prosumidor Texto lineal -> Hipertexto Monomedia -> Multi/Transmedia Periocidad -> Tiempo Real Escasez de información -> infoxicación Intermediación -> Ciberintermediación Profesionalismo -> Amauterismo Opinión pública -> Filtro Burbuja Público/Privado -> Hipervisibilidad Plataformización Plataformización de la producción cultural La organizaciónde las prácticas culturales, la creatividad y la democracia giranen torno a plataformas digitales, y las industrias culturales se amoldan a extensiones 19 económicas, de infraestructura y gubernamentales de dichas plataformas digitales (Poell, Nieborg y Duffy, 2021).

¿Qué es una plataforma? Una plataforma enlínea es una arquitectura digitalprogramablediseñada para organizar interacciones entre usuarios (finales, corporativos, públicos)" (van Dijck, Poell y Waal, 2018) Emergencia de muevos actores, géneros y formatos Experiencias vividas, relatos creativos de ficción y no-ficción. Permiten jugan con diferentes temáticas (política, moda, videojuegos, viajes, abiles, maquillaje...) Precariedad y tensiones Muchas horas de trabajo y dependencia de cambios en los sistemas de monetización, recomendación algorítmica y en los términos de uso de las plataformas 1. Polarización vs. Nichificación (Filtro burbuja, algoritmos) 2. Calidad vs. Cantidad (Métricas) 3.

Editorial vs. Publicidad 4. Autenticidad vs. Promoción. El audiovisual interactivo Usuario,másallá de observar, puede interactuar con la interfaz y con un variado entramado textual (vídeo, foto, animación, enlaces, infografías, redes sociales, etc.) (Gaudenzi, 2009). Puede seguir el modelo de narrativa lineal (planteamiento, nudo y deselace) o abrir el camino narrativo (Giffreu, 2013). La mutua influencia de las practicas sociales y los formatos de redes sociales Las practicas sociales y culturales Vertiente organizativa: Hay una serie de normas y reglas, con el fin de ejecutarse.

20 Vertiente de performance: Necesaria la acción de actores humanos y no humanos (los equipos, la audiencia, la cámara, los software, proyectores, el sitio de distribución digital etc.) Tecnologías y otros recursos pueden condicionar como una práctica se lleva a cabo. Las personas pueden transformarsus prácticas sociales y culturales a través de diferentes acciones, ritmos, rutinas, uso de tecnología entre otras. El móvil Podemos considerar que el formato vertical del móvil y la practicidad de no tener que girarel teléfono puede haber mutuamenteinfluenciado la práctica de grabaciónvertical. Además, de la emergencia de redes sociales.

Televisor giratorio Monitores verticales La adopcion del video vertical El sindróme del video vertical El vídeo vertical era considerado un error de amateurs; O utilizado apenas por artistas de arte experimental. Facebook, Instagram y YouTube han adoptado el formato de vídeo vertical; Otras plataformascomo Snapchat y Tik Tok utilizan el vídeo en vertical de forma exclusiva; La mayoría de las plataformasadmiten el vídeo vertical, pero con diferencias en la relación de aspecto. La relación de aspecto más común El vídeo vertical varia de forma y tamaño, pero en general tiene relación de aspecto 9:16. Es más alto que ancho.

El uso correcto de la relación de aspecto ayuda a que se visualice correctamente y evita la distorsión y/o cortes en el encuadre.

21 Otras relaciones de aspecto vertical Festival de cine vertical 9/16 film fest Tiktokshortfilm y cannes Nespresso Talents Vertical Film Festival (australiano) VertiFilms (europeo) Slim Cinema (americano) Microdrama- DUANJU Episodios verticales de 1a 3 minutos, en media 80 por serie; Ganchos constantes; Modelo freemium con micropagos tras los primeros episodios; Producción rápida, barata y con actores desconocidos; Se enfoca en la expresión (planos más cerrados) o acciones con actores de pie (plano entero) Narrativas intensas, melodramáticas y exageradas Géneros híbridos romance + millonarios + fantasia + vampiros + hombres lobo Glocalización: producción local con guiones adaptados culturalmente, pero basados en estructuras narrativas chinas Marketing agresivo en redes sociales para atraer tráfico a las apps (Reelshort/ Dramabox/ GoodShort) Problemática con derechos de autor y varias adaptaciones La verticalidad 22 Festival de Cannes y Tiktok – Love in Plane Sight (2022) – Matej Romanić Festival de Cannes y Tiktok - Princesse moderne – Claudia Cochet (2022) @thelukepilgrim - Zombie Apocalypse Touring Musician (2021) Nespresso Talents 2021 - Klim Tukaev - Postman Shot on iPhone by Damien Chazelle – Vertical Cinema (2020) El centro de interés El vídeo vertical tiene un campo de visión más corto que el horizontal; Campo visual máscorto favorece centralizar la visión de la audiencia en un determinado motivo visual.

La individualidad Ideal para encuadrar un único individúo u objeto; Favorece la representación de historias o experiencias personales; Monólogos; Emergencia de figuras como Instragrammers, Tiktokers, Youtubers, etc. Movimientos de personajes en vertical El formatovertical favorece mostrar momentosíntimosoaccionesqueocurren de forma vertical: Llevar las manos hasta la cabeza, segurar las manos, mostrar alguien subiendo escalera estrechas, etc.

La sensación de atraparse y los ángulos Aumenta la percepción de estar cerrado o atrapado en una determinada situación Géneros como el horror, el suspense o el misterio pueden beneficiarse del vídeo vertical porque el campo de visión horizontal es pequeño; Grabar con una angulación (picado, cenital, nadir y contrapicado) aumenta la sensación de inferioridad/superioridad en vertical. Grabando en vertical 23 Formas de grabar Grabar directamente en vertical o marcarla relación de aspecto en el visorde la cámara o visor externo. Localizaciones Seleccionar localizaciones o construir escenarios que funcionen bien en vertical: escaleras, edificios, montañas, mostrar árboles enteros, etc.

Encuadre y movimientos Encuadres con el cuerpo entero funcionan bien en vertical; Dos o más sujetos funcionan mejor cuando no son encuadrados de forma horizontal; Encuadrar desde lejos para poder reposicionar la imagen (si necesario) en la edició opara hacer unmovimientode cámara de acercamiento comoel travelling in; Los planos cerrados del rostro suelen quedar raros, una solución es encuadrar elementos de forma separada (ejemplo: un ojo): plano detalle. Utilizar el que seria un plano horizontal de forma invertida.

Composición Utilizar la regla de los tercios; Centralizar elementos en vertical es siempre una buena opción; Separar el escenario por capas para poder dar uso a espacios que quedarían vacíos durante una acción.

Utilizar cuadro dentro del cuadro queda bien para focalizar el centro de interés, pero también para jugar con espacios que quedarían vacíos por la verticalidad; Montaje y edición Configurar el tamañocorrecto de la relación de aspecto en la en el programa de edición; Si grabamos material horizontalmente, hay que recortar y cambiar el tamaño correctamente; Evitar las barras negras; 24 Explorar efectos visuales, diseño de movimiento, títulos cautivadores e incluso técnicas comodividir la pantalla porla mitad, oenmáspartes para resaltarvarios clips a la vez.

TEMA 3 Y 4 : Puesta en escena y composición Contenidos Puesta en Escena: Los elementos que componen la puesta en escena (escenografía iluminación y color, vestuario, maquillaje y caracterización, Interpretación de los actores y actrices, posición de los elementos en el cuadro) Composición: Los elementos y reglas para conseguir una mejor composición de la imagen (centro de interés, tamaño y distribución de los elementos, profundidad de campo, color, relleno del encuadre, líneas, regla de los tercios, simetría, ley de la mirada).

Se refiere a: controlar todos los elementos expresivos que aparecen en el encuadre de la cámara para que se pueda crear un ambiente general que sirva para dar credibilidad a una situación dramática/narración. Término que viene del francés Miseen-scène Tiene su origen en el teatro (poner una escena en acción) Ha sido adaptado al mundo del audiovisual; Puesta en escena Puede crear mundos imaginarios y fantásticos (formalismo); Hacer un pacto de verosimilitud con el mundo real (realismo); Marcar el genero fílmico o televisivo; Guiar la mirada de la persona espectadora; Transmitir diferentes tipos de sentimientos y sensaciones. ¿Qué elementos encontramos en la puesta en escena? 1.

Escenografía (localizaciones, decorado y atrezzo) 25 Conjunto de elementos necesarios para ambientar y representar un producto audiovisual: localizaciones decorado y attrezzo. 2. Iluminación y color (tipo iluminación, temperatura de color) 3. Vestuario, maquillaje y caracterización 4. Interpretación de los actores y actrices 5. Posición de los elementos en el cuadro 1. Escenografía Localización Se utilizan: Localizaciones que puede ser interiores / exteriores Localizaciónexistente: en su estado natural o modificada con decorado para crear una determinada atmosfera. Escenarios construidos a medida (cuestiones formales, necesidades técnicas).

El tamaño de un escenario puede ser escalable y en miniaturas (ahorro de costes o efectos especiales). Hay localizaciones existentes y localizaciones existentes transformadas Decorado El decorado (muebles, objetos, pinturas, paredes etc.) tiene la capacidad de crear espacios con una atmósfera conveniente a cada temática. Ayuda a la persona espectadora a comprender mejor el mundo representado y el mundo interior de un personaje; Los decorados construidos no siempre respectan el tamaño natural. Pueden ser desarrollados con efectos especiales (imágenes generadas por ordenador).

Escenarios construidos con diferentes tipos de decorado 26 Atrezzo Los atrezzos son todos aquellos objetos que son utilizados de forma activa para el desarrollo de una historia o una acción; Son elementos de una escena que pueden afectar la narración o ser fundamental para que ella ocurra; La correcta combinación de attrezo + decorado crean la ambientación deseada. 2. Iluminación y color El tipo de iluminación que utilizamos puede transmitir diferentes sensaciones; El tipo de iluminación puede marcar el tipo de género audiovisual; Marca la importancia de les acciones o de los elementos dentro del cuadro y, por tanto, la atención de persona espectadora.

Función narrativa y dramática de la iluminación La distribución de laszonasclarasu oscurasdentro del cuadro es básica para la comprensión de la narración. Zona iluminada: subraya la acción; Zona poco iluminada: puede crear misterio o miedo, puede ocultar detalles importantes; La luz también incide en los estados de ánimo que la persona realizadora quiere imprimir en una escena determinada. Oscuridad = tristeza. Luz = alegría. Luz dura Puede transmitir sensación de agresividad o fuerza.

Sombras marcadas y perfiles nítidos; Se consigue con fuentes luminosas directas; Losrayos de la luz dura se dirigen de forma directa hacia el la persona u objeto a iluminar; Delatan la textura de las superficies. 27 Luz suave Puede transmitir sensación de ternura, romanticismo o melancolía. Se consigue dispersandola luz emitida por una fuente luminosa (la luz del sol se dispersa cuando atraviesa las nubes); En fotografía ocine, la luz de los focosrebota en superficies reflectantes para obtener una iluminación general donde los límites de las sombras se difuminan.

Luz dura vs luz suave Luz natural Es muy utilizada, pero tiene varios problemas: Imprevisibilidad de su carácter; Rápido cambio en su temperatura de color; Rápido cambio en la dirección de la luz; Mucha diferencia en su duración (verano e invierno); Diferente angulación del sol respecto a la tierra según las estaciones; Imposibilidad de adaptarse totalmente a la fuente luminosa; Necesidad de utilizar luces de apoyo. Luz artificial 28 Es mucho más controlable y estable. Pero también hay dificultades: Requiere de un enorme potencial eléctrico, sobre todo cuando hay que iluminar espacios muy amplios; Hay que tener conocimientos para gestionarla.

La luz en cine/publicidad vs TV Cine y publi Se puede cuidar más de la iluminación porque, en general, se tiene más tiempo y/o más recursos y se acostumbra a trabajar con una sola cámara toma a toma; Cada plano se puede iluminar con detenimiento; La iluminación se hace siempre según un determinado plano (o planos), y si lo cambiamos en principio habría que volver a iluminar. TV Losprogramassuelen ser multicámara y se ha de iluminarun espacioamplio; Para un una cámara podría ir muy bien la iluminación, pero para las otras cámaras puede no quedar tan bien; Se debe optar por una iluminación aceptable para todas las cámaras.

Color Puede provocar reacciones en las personas espectadoras; Dirigir la atención a detalles importantes; Establecer el tono del producto audiovisual; Representar rasgos de carácter de una persona personaje; Mostrar cambios en la historia; Hay colores que pueden ser más efectivos en captar la atención y ejercer un mayor impacto emocional (ejemplo: color rojo); Los colores pueden tener muchas connotacionesque dependen del contexto social y político; Los colores se analizan en base a: 29 Tono: sensación del color en sí que nos permite llamarlo como rojo, verde, etc.

(Sensación cromática); Luminosidad/Brillo: cantidad de luz que se percibe al observar un color determinado; Saturación: gradode pureza de uncolor y,por tanto,la cantidadde luzblanca que contiene (nivel de pureza). Escala tonal Para realizar un producto audiovisualhay que pensar en un tipo de tono predominante. La elección tonal transmite también un estado de ánimo, una predisposición del espectador a recibir la imagen con una actitud determinada. Temperatura de color La temperatura de color de una fuente de luz (natural o artificial) se define dentro de un espectro luminoso medido en grados Kelvins.

Como color por si solo no emite una temperatura, esto se basa en la cantidad de la luz que emitiría un cuerpo negro calentado a una temperatura determinada. Las diferencias de temperatura Cuanto más cálida la luz más baja la temperatura de color. Cuanto más fría la luz más alta la temperatura de color. Luz del día (Daylight)5600ºKLuz Tungsteno 3200ºKLuz Neutra alrededor del los 4000ºK Balance del Branco intenta corregir como el ojo humano. 30 Paletas de color Tantola temperatura de color como el color de otros elementos de la puesta en escena suman para la construcción de una determinada atmosfera. Es muy común construir una paleta de color en fase de pre-producción.

Iluminación y color cálido La vida de Pi (2012) Iluminación y color frío 31 Juego de colores Iluminación y color neutro Ej: telenotícies TV3 3. Vestuario, maquillaje y caracterización La forma como los personajes van vestidos nos dicen mucho sobre ellos: Ø Época en que viven; Ø Su extracto social; Ø Su profesión: Ø Su personalidad. Puede realzar la apariencia física de un actor o actriz; asícomo modificarla o potencializar rasgos específicos; Dialoga con el decorado y el attrezo (ejemplo Western: revólver, sombrero, chaleco); Vestuario debe seguir los colores atribuidos al personaje (paleta de color).

Caracterización: maquillaje y cabello Maquillaje y cabello complementan la caracterización de un personaje; Son los toques físicos que ayudan a caracterizar los actores y actrices a transformarse en sus personajes: Ø Pelucas y peinados; Ø Prótesis; Ø Cicatrices, heridas,ØTécnicas para taparo crear imperfecciones; ØTécnicas de envejecimiento, etc. El maquillaje también ayuda a controlar el brillo de la piel de los actores y actrices, así como color de piel. 32 4.

Interpretación de los actores y actrices Actores y actrices Representan un imaginario colectivo; Representan arquetipos de personajes, estilos y épocas donde la narración toma lugar; Muchas veces guiones son escritos con un personaje en mente, o al menos con rasgos determinados de un personaje; Castingse hace necesario para seleccionar las actrices y actores adecuados para los personajes (conocidos o no, profesionales o no).

Elementos clave de la interpretación Actrices y actores tienen que adaptarsea las diferentes distanciasde cámara y planos(encuadres);Cámara muycerca y planoscerrados = los movimientos quedan más visibles y exagerados Hay que saber estar en frente la cámara (fotogenia) 3 elementos de la interpretación: 1. Acción (movimientos de los actores en el cuadro, desplazamientos) 2. Mímica (cómo los actores ponen en práctica la acción) 3.Expresión facial (gestos y expresiones – transmiten credibilidad) y elementos sonoros (voz y entonación).

Posición de los elementos en el cuadro The break-up (2006) 33 Nuestra atención puede ser dirigida a un objeto o personaje dependiendo de su posición en el encuadre; La posición de los elementos en el encuadre puede establecer diferentes tipos de relaciones; Es necesario saber componer de la imagenpara poder colocar los elementos de forma coherente con los objetivos de la narración o producto audiovisual. 5. Composición: posición de los elementos en el cuadro Se refiere a ordenar los elementos que forman el encuadre para producir una imagen de forma coherente.

Es un procedimiento estructurado; Esclave para establecer undeterminadomensajeque resulte (ono)verosímil; Se alimenta de emociones y propósitos para crear un sentido narrativo; Se debe componer la imagendeforma clara y teniendo en cuenta su finalidad; Todo que aparece en encuadre tiene que estar visiblemente dispuesto. ¿En qué debemos prestar atención a la hora de componer una imagen? Para componer debemos definir y seguir los siguientes elementos y reglas: 1. Centro de interés; 2. Tamaño y Distribución de los elementos 3. Profundidad de campo; 4. Color; 5. Relleno del Encuadre; 6. Líneas; 7. Regla de los tercios; 8. Simetría 9. Ley de la mirada 1.

Centro de interés Es la capacidad que tiene un elemento de una composición de atraer la mirada y ser un centro de interés en la imagen. Es el elemento en destaque; Peso visual: Cuanto más peso visual tenga un elemento, más atraerá la atención del ojo humano. 34 2. Tamaño y distribución Distribución Mayor el tamaño del objeto, más peso visual tendrá; El tamaño puede establecer relación de poder. Un elemento situado a la derecha tiene más peso que uno situado a la izquierda (reloj y escritura) Arriba pesa más que abajo; Un personaje separado de un grupo tiene más peso visual; La mente agrupa en forma perceptual los elementos que permanecen cerca unos de otros. 3.

Profundidad de campo Se trata del espaciopor delante y por detrás del puntoenfocado que aparece con nitidez en una imagen Mucha profundidad de campo Hay muchos elementos visibles; Los centros de interés másfuertes se sitúanen zonascalientes, tienen mayor tamaño o se utiliza algún otro tipo de técnica de contraste y peso visual; Algunos elementos en el cuadro están subordinados a otros; Hay que tomar cuidado para no tapar el centro de interés con otros elementos; Se utiliza planos más amplios.

Poca profundidad de campo Focalizar la atención en un objeto o sujeto y sus emociones; Ideales para los planos cortos (como los primeros planos o planos detalle) porque entran la atención en el rostro u objeto dejando desenfocado el fondo (lo que importa es la expresividad); En este tipo de plano el objeto o personaje ya ocupa la mayor parte del encuadre, Al tener el resto de los elementos desenfocados ya no puede haber más puntos de interés. 35 ¿Cómo se consigue la profundidad de campo? Mediante la apertura de la óptica (diafragma). Con la distancia focal del objetivo; Con la distancia de enfoque del sujeto/objeto; La ubicación de los elementos en el encuadre.

Apertura del objetivo óptico/diafragma Es la capacidad de que llegue al sensor de la cámara más o menos luz a través del diafragma.Apertura mayor = másluz = número f menor = menos profundidad de campo Apertura menor = menos luz =número f mayor = más profundidad de campo Distancia focal del objetivo Es la distancia que existe entre el objetivo y el plano donde de forma la imagen (sensor de la cámara – película fotográfica) medido en mm.

Mayor distancia focal = menos profundidad de campo Menor distancia focal = más profundidad de campo 36 Diferencias en la imagen según la distancia focal Mismo encuadre, diferentes objetivos Distancia de enfoque del sujeto/objeto Es la distancia que la cámara se encuentra en relación al sujeto /objeto para enfocarlo (medido en metros o pies). Se puede jugar con la profundidad de campo siempre que tengamos los mismos parámetros ajustados de distancia focal y apertura del diafragma. o sujeto/objeto cerca de la cámara = menos profundidad de campo sujeto/objeto lejos de la cámara = más profundidad de campo 4.

Color El uso del color 37 Ayuda a enfocar nuestra mirada; Teorías como la de la Gestalt sostiene que los colores nos pueden dar diferentes sensaciones, y por ello tienen diferente pesos visuales; Permite imitar la realidad(realismo); Permite su uso creatividad e ir más allá de la realidad (formalismo). Los colores cálidos tienen más peso visual que los colores fríos Contraste de fondo Los tonosclaros en fondososcuros tienen máspeso visual que tonos oscuros en fondos claros. 5.

Relleno del encuadre El elemento o elementos de interés ocupan la mayor parte del cuadro: domina/an la imagen; Se utiliza primer plano o los plano detalle para poner el elemento de interés en el centro del cuadro, ocupando la mayor parte del espacio. Cuadro dentro del cuadro 38 Cuadro dentro del cuadro Es una forma de destacar el centro interés de la imagen; Se recorta la imagen con algún marco (más evidente o sutil); Se suele hacer con puertas, ventanas, espejos, edificios, elementos de la naturaleza, partes del cuerpo, etc.

Se utiliza estos marcos para aislar al personaje u objeto de interés del resto del cuadro y enfocar la atención de la persona espectador hacia él/ella; Aumenta la sensación de profundidad en la imagen. Su uso puede ser muy simbólico (aislamiento, soledad, marginalidad, libertad, incomunicación, etc.) 6. Líneas Las líneas como guías de la mirada Líneas principales (dominantes) que puede haber dentro de una imagen / composición; Pueden estar muy marcadas o poco marcadas (sutiles-sugeridas); Direccionan la mirada y crean diferentes sensaciones.

Composición tringular Método de composición más utilizado en televisión (telediario); 39 Si el centro de interés se encuentra en el vértice de un triángulo que tiene como base el lado inferior del cuadrado, se consigue una composición muy estable dotada de un centro de interés muy concreto; Composicióntriangularseresulta sólida,equilibrada y transmitecredibilidad. Telenotícies (TV3) 7.

Regla de los tercios Regla de los tercios Técnica de composición visual pensada para crear una imagen equilibrada; Es una versión simplificada proporción aurea (Ley de Fibonacci); Evita que el centro de interés corte la imagen por la mitad; Consiste en dividir el cuadro en tres tercios horizontales igualesy tres tercios verticales; Crea nueve rectángulos iguales y genera cuatro puntos de intersección entre las líneas que dividen los tercios; Los cuatro puntos intersección son los puntos fuertes para ubicar el centro interés de la imagen. 40 8. Simetría ¿Cuándo y cómo usar la simetría ?

La simetría puede ser utilizada como un recurso estético y estilístico; La mente humana encuentra másatractiva y balanceada una imagenque sea simétrica; Queda más atractiva si los elementos situados a ambos lados del eje de simetría tienen el mismo peso visual; Llama más atención si sigue un punto central. El Resplandor (1980) 9. La Ley de la mirada Ley de la mirada Se tracta de dar fuerza expresiva al personaje y dar continuidad a la acción siguiendo su mirada; Hay que dejar un espacio de dos tercios en la dirección de la mirada del personaje y un tercio por detrás. 41 El caballero oscuro (2008) Ley de la mirada Desbalanceado Breaking Bad