Fundamentos del Lenguaje Audiovisual

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LENGUAJE AUDIOVISUAL 1. ORGANIZACIÓN DE LA PRODUCCIÓN. Preproducción, producción y posproducción. Tres etapas de un producto audiovisual. En formato multicámara y en directo se hace a la vez producción y posproducción. Equipos en diferentes etapas de desarrollo de un proyecto audiovisual Preproducción: guion, dirección / realización, producción, equipo artístico (ensayos), localizaciones, fotografía, arte, maquillaje, peluquería, vestuario, sonido. Producción: dirección / realización, equipo artístico, producción, arte, maquillaje, peluquería, atrezzo (props), vestuario, continuidad, cámaras, maquinistas y eléctricos, sonido / sonido directo, SFX.

Posproducción: dirección / realización, equipo artístico (doblaje), montaje, producción, posproducción de sonido, música, corrección de color (etalonaje digital), VFX. Los equipos implicados Equipo de guionistas: responsables de la confección del guion. Pueden ser guionistas, dialoguistas y argumentistas. Equipo de dirección (cine) / realización (TV): responsables de tomar decisiones en cuanto a contenidos y líneas ideológicas de un producto audiovisual. En televisión suele ser el productor ejecutivo que se encarga de la dirección o una persona que haga doble función: dirección y realización.

Posición que engloba la supervisión de una serie de funciones y equipos: - Elaboración del guion técnico, planificación, localizaciones, supervisión de decorados, iluminación, sonido, vestuario, dirección de actores… - Coordina la preparación de la grabación. - Decide qué plano aparece en cada momento en pantalla. - Solventa cualquier contratiempo o imprevisto que pueda afectar al resultado final. Regidor o ayudante de realización / dirección - Soporte principal de la realizadora (directora) - En la preproducción se encarga de revisar el guion técnico, hacer el orden del rodaje y el orden del día. - Comprueba las temáticas a tratar, la duración de cada escena y el equipo que va a participar.

- Chequea que todos los recursos necesarios para la grabación están listos. - Supervisa ensayos previos a la grabación / emisión. - Controla el plató y la puesta en escena: trasmite instrucciones a los diferentes equipos y controla el tiempo, responsable de transmitir códigos gestuales a actores y público. 1 Mezclador - Persona encargada de la sincronización de señales y de edición en directo de las mismas. - Sigue instrucciones de la persona realizadora. - Cuando la persona realizadora está fuera del control momentáneamente, es quien le sustituye en estos momentos. Equipo artístico Actores, presentadores, locutores, dobladores, cantantes, público…

Equipo de producción - Responsables de coordinar el presupuesto. - Gestionar los medios de producción: todos los recursos humanos y materiales necesarios (iluminación, maquillaje, vestuario…) - Establecer plan de trabajo, que se grabará y donde se hará (localizaciones) - Coordina los diferentes equipos implicados. Productor ejecutivo: responsable de la comercialización del producto audiovisual. Productor: planifica los medios de producción. Ayudante de producción: se encargan de las gestiones del día a día para poner en marcha la planificación. Equipo de arte / escenografía - Analiza el guion para identificar todos los accesorios, objetos y atrezos. - Elabora sets y decorados.

- Está en contacto con la producción para encontrar soluciones rentables y respuestas prácticas a los problemas de construcción y decoración. Director de arte o escenógrafo: idealiza y coordina este proceso. Trabaja conjuntamente con el director de fotografía / iluminador, jefe de vestuario y maquillaje para seguir una misma línea en cuanto a colores y texturas y otros aspectos idealizados por la persona realizadora. Decorador: diseña y supervisa la producción de decorados. Ayudante de decoración: dibujos, medición y escalas para la producción de decorados. Otras personas implicadas: maquetistas, pintores, carpinteros, jardineros… Figurinista: diseña el vestuario de los personajes.

Sastre: confecciona, se encarga de las costuras, hace pruebas, ajustes y mantenimiento de dicho vestuario. Ambientador de vestuario: búsqueda de los complementos de vestuario (gafas, abanico, cinturones…). Maquillador / peluquero: caracterizan los personajes y transmiten credibilidad. 2 Equipo de fotografía / iluminación - Trabaja en colaboración con equipo de dirección y arte para dar el aspecto visual deseado. - En preproducción, define paleta de color, elige cámara, objetivos, accesorios de iluminación y hace listados. - Asiste a localizaciones para estudiar la necesidad de iluminación. - Realiza mapa de cámaras y luces. - Controla el color en la grabación y el proceso de etalonaje.

Director de fotografía / iluminador: coordina todo el proceso. También es conocido como primer operador de cámara en el cine. Segundo operador de cámara (cine): maneja la cámara cuando el primer operador requiere y le auxilia. Ayudante de cámara / foquista (cine): responsable por el foco de la imagen. Auxiliar de cámara: mantiene la cámara y los equipos en orden. Operador de cámara de estudio: opera la cámara y sigue instrucciones de la persona realizadora. Control de imagen: responsable por la colorimetría y fotometría de la imagen. Jefe de luminotecnia y operadores de luminotecnia (eléctricos): auxilian el iluminador en el manejo de las luces y de la parte eléctrica.

Equipo de sonido - Se encarga en la calidad de la toma, registro y procesado del sonido, efectos sonoros, banda sonora y colocación de micrófonos y manutención. - Visita las localizaciones para definir la forma adecuada de captación del sonido. Director de sonido / director de audio / encargado de sonido: supervisa todos los elementos de audio utilizados en una producción audiovisual, como los efectos de sonido, diálogo y música. También debe tener conocimientos técnicos sobre acústica, mesas de mezcla, micrófonos, voz… Ayudante de sonido: asiste a la persona encargada de la colocación de micrófonos, captación de audio y mantenimiento de los equipos.

Ambientador musical: persona especializada en efectos sonoros y composición de banda sonora. Equipo de posproducción Montaje: la persona montadora selecciona las mejores tomas y da sentido a la narrativa audiovisual. Trabaja en conjunto con el director de fotografía y el supervisor de efectos visuales, colorista y encargado de sonido. En producciones de bajo coste realiza otras funciones de posproducción. 3 Grafismo: especialistas en diseño gráfico y 3D que se encargan de hacer todo lo que se relaciona con títulos, cortinillas, gráficos… Efectos especiales: especialistas en crear efectos por ordenador desde 0 o manipula imágenes reales, pero que necesitan de edición con el ordenador.

Etalonaje digital: la persona colorista asegura que hay una unidad de color de todas las escenas del producto audiovisual, también altera el color si es el objetivo, ajusta tonos de la piel y otros aspectos. Edición de audio: revisar grabaciones, mejora de la calidad del audio, enlaza diferentes sonidos, diseña los efectos sonoros y la banda sonora. La importancia de la preproducción Se debe invertir más tiempo en la preproducción que en la grabación de una obra. En esta etapa se controla todo lo que será necesario en el rodaje / grabación. Hacer una buena preproducción ayuda a prepararse para afrontar imprevistos. También optimiza tiempo y recursos.

- Adaptación del guion literario a técnico - Adaptación del guion técnico al gráfico (storyboard) - Composición de los equipos técnico y artístico - Desglose del guion y listados de los elementos necesarios para el rodaje por los equipos - Búsqueda de localizaciones y decorados - Preparación de vestuario y otras necesidades escenográficas - Casting y ensayos Guion literario Presentación narrativa y ordenada de las acciones y diálogos de nuestra historia. Sencillo y directo. No tiene información técnica. Cada página DIN A4 con letra Courier New 12 es 1 minuto aproximadamente. Puede variar la duración con relación a la complexidad del diálogo y la acción.

Encabezado: número de escena, tiempo y lugar. Acción: descripción del lugar, personaje y acciones. Personaje: siempre en mayúscula y en el centro cuando hay diálogo. Diálogo: al centro con sangría para distinguirlo de las acciones. Acotaciones: acciones y referencias a formas de hablar o actuar entre paréntesis y en minúscula. Efecto y elementos de interés: sonidos y otros elementos de posproducción o de preproducción en mayúscula. Transición: puede indicarse o no el tipo de transición (corte a, encadenado…) 4 Guion técnico Traducción al lenguaje audiovisual del texto escrito (literario). Pertenece al equipo de dirección / realización.

Facilita la preproducción y la fase de rodaje / grabación de todos los departamentos implicados. Cada escena / secuencia contiene: el valor del plano / tipo de encuadre (PP, PM, PA…), angulación (picado, cenital…), movimientos de cámara, transiciones, elementos sonoros, descripción de la acción y duración aproximada, entre otros elementos (luces, objetivos y distancia focal). Guion gráfico Herramienta que ayuda a visualizar lo que deberá ser filmado. Facilita el trabajo de las diversas áreas implicadas en la producción de una película u otros tipos de formatos audiovisuales (animación, vídeos para televisión, publicidad, etc.).

Ayuda a ahorrar costes y a unificar la visión de como será la película, sus escenas… Capacidad de plantear con claridad las escenas con técnicas y movimientos de cámaras más sofisticados y efectos especiales. El origen del Guion Gráfico Origen: bocetos artísticos del comienzo del cine mudo. Problemática: Web Smith (guionista - animación del Estudio Disney) percibió que producir una animación con sentido lógico (principio, nudo y desenlace) era muy complicado, dado el gran número de bocetos artísticos. La solución: enlazar secuencialmente con pernos una secuencia de los dibujos con el diálogo del principio al final hasta encontrar la secuencia lógica de la historia.

Consolidación: mediados de los años treinta, cuando su utilización pasó a ser necesaria en la industria de la animación. Uso recurrente: surge a partir del uso por parte del Estudio Walt Disney. Su primer cortometraje conocido por usar el storyboard es los tres cerditos (1933). Diseminación: lo que el viento se llevó (1939), de Victor Fleming (dibujada casi toda), Orson Welles, Akira Kurosawa, Alfred Hitchcock y posteriormente Ridley Scott o los hermanos Coen han dibujado sus propios storyboards. Animatics Secuencias de dibujos del storyboard que son animados mediante algún programa de edición, y se ponen en secuencia.

Se agrega una voz en off, una banda sonora y efectos sonoros para crear una presentación que muestre cómo puede quedar el resultado del producto audiovisual. 5 Anunciantes y agencias de publicidad lo utilizan para investigar la eficacia del guion gráfico propuesto antes de comprometerse con la realización de una publicidad que implica elevados costes. Relación de aspecto Para elaborar el guion gráfico es muy importante tener en cuenta la relación de aspecto de la pantalla en la que se grabará y se visualizará el producto con el fin de que se pueda ilustrar qué aparecerá en cada imagen correctamente. La relación de aspecto es la relación proporcional entre la anchura y la altura de una imagen.

Tamaño del encuadre. Se expresa como dos números separados por dos puntos (x:y). x = anchura y = altura O por la división de estos números 16:9 = 1.77:1. Esto significa que la proporción es 1,77 veces más ancho que alto. No importa cuán grande o pequeña sea la imagen. El ancho está dividido en unidades x de igual anchura y en unidades y de igual altura, puede expresarse en centímetros o pulgadas. Mommy, película. Cine mudo y TV hasta los años 2000 relación de aspecto de 4:3 (1.33:1). Formato académico (1932) relación de aspecto 1.37:1.

Para agregar sonido a las películas, se introdujo una pista de audio en una tira delgada junto a los fotogramas, lo que resultó un ligero cambio de forma de la imagen. Cinerama (1952) relación de aspecto de 2.59:1. Ver TV en casa estaba bajando la venta de entradas para el cine. Por ello, ofrecieron una imagen extremadamente amplia, creada al proyectar 3 imágenes estándar de 35 mm, una al lado de la otra en una pantalla curva gigante. Cinemascope (1953) relación de aspecto: 2.35:1.

Twentieth-Century Fox buscaba una imagen similar a Cinerama sin las limitaciones del sistema de tres cámaras: aplastando (distorsionando) la imagen ancha en una película estándar de 35 mm y luego volviéndola a expandir cuando se proyectaba (objetivo anamórfico). Vistavision (1954). Relación de aspecto: 1.85:1 (de 1.66:1 a 2:1). Al girar la película estándar de 35 mm 90 grados, las escenas se pueden filmar en una área más grande de la película, lo que da como resultado una imagen de mayor calidad. MGM 65 (1957) relación de aspecto: 2.76:1. Otro formato de 70 mm. Objetivos anamórficos. Ultra Panavisión 70 (1959). Relación de aspecto: 2.20:1. Un refinamiento del MGM 65 con objetivo esférico.

IMAX (1970). Relación de aspecto: 1.43:1. IMAX ejecuta una película de 70 mm horizontalmente. 6 Relaciones de aspecto más comunes HDTV (16:9, 1.77:1). Se desarrolla para poder adaptar los diferentes formatos sin perder tantas partes de la imagen. Formato más utilizado en TV, series, videoclips y algunas producciones cinematográficas.

Cinema Standard (1.85:1) Cinematic Widescreen (2.39:1 / 21:9) Relación de aspecto como elemento dramático - acciones ambientadas en los años 30 relación de aspecto de 1.37:1 - acciones que transcurren en los años 60 relación de aspecto de 2.35:1 - acciones del 85 en adelante relación de aspecto de 1.85:1 El desglose del guion Documental fundamental para desarrollar el guion gráfico y otros documentos y listados. Realizado por el asistente de dirección / realización o por el director de producción. Manera de identificar ciertos elementos del guion literario para posteriormente interpretarlos en imágenes. Proporciona mejor comprensión de lo que será filmado.

Saber qué estará presente en cada escena: personajes, ubicación, exterior o interior, decorado, vestuario, atrezzo… El guion técnico, o la división de las escenas en planos ayudan en su elaboración. Hace falta hacer una lectura detallada del guion, la identificación y clasificación de los elementos que son importantes para rodar las escenas. Marcar en el guion los elementos con distintos colores y formatos. Se recomienda crear una leyenda o código de colores. Crear un listado detallado de todos los elementos necesarios de cada departamento o equipo por escena (hoja de desglose). Listados de producción Desglose de personaje. Equipo de producción + equipo de arte y caracterización.

n.º = número de intervenciones del personaje. Nombre del personaje, actriz, categoría, descripción física, observaciones, escena / secuencia, descripción de vestuario, día de rodaje, interior o exterior, efecto, n.º vestuario, localización, decorado. Listado de vestuario. n.º número de vestuarios, actor, vestuario, año, desglose, localización, escena o secuencia, localización, decorado, racord. Listado de actores / localizaciones, mobiliario, objetos, materiales, orden de rodaje, atrezo especial… tener siempre atrezo por duplicado o más copias. 7 2. LENGUAJE AUDIOVISUAL, MEDIOS INTERACTIVOS Y REDES SOCIALES El paradigma digital Cambio de paradigma. Tradicional digital.

Tradicional: comunicación de uno a muchos. Medios masivos. Digital: comunicación de muchos a muchos, redes sociales, VoD, Videojuegos online. Cambio en la ecología mediática. Los medios son vistos como entornos. Cada nuevo medio que emerge tiene el papel de reconfigurar y/o alterar dicho entorno. Explosión de contenidos y formas de hacerlos. Las narrativas transmedia: cada medio hace un aporte a la construcción del mundo narrativo; evidentemente, las aportaciones de cada medio o plataforma de comunicación difieren entre sí (Scolari, 2013). Plataformización De la producción cultural.

La organización de las prácticas culturales, la creatividad y la democracia giran en torno a plataformas digitales, y las industrias culturales se amoldan a extensiones económicas, de infraestructura y gubernamentales de dichas plataformas digitales. Una plataforma en línea es una arquitectura digital programable diseñada para organizar interacciones entre usuarios (finales, corporativos, públicos). Emergencia de nuevos actores, géneros y formatos: experiencias vividas, relatos creativos de ficción y no-ficción. Permiten jugar con diferentes temáticas (cocina, bailes, moda, viajes…). Precariedad y tensiones.

Muchas horas de trabajo y dependencia de cambios en los sistemas de monetización, recomendación algorítmica y en los términos de uso de las plataformas. El audiovisual interactivo. Usuario, más allá de observar, puede interactuar con la interfaz y con un variado entramado textual (vídeo, foto, animación, enlaces, infografías, redes sociales, etc.). Puede seguir el modelo de narrativa lineal (planteamiento, nudo y desenlace) o abrir el camino narrativo. La mutua influencia de las prácticas sociales y los formatos de vídeos en redes sociales. Prácticas sociales y culturales Vertiente organizativa. - Hay una serie de normas y reglas con el fin de ejecutarse Vertiente de performance.

- Necesaria la acción de actores humanos y no humanos (los equipos, la audiencia, la cámara, los software, proyectores, el sitio de distribución digital, etc.) - Tecnologías y otros recursos pueden condicionar como una práctica se lleva a cabo. 8 - Las personas pueden transformar sus prácticas sociales y culturales a través de diferentes acciones, ritmos, rutinas, uso de tecnología, entre otras. El móvil Podemos considerar que el formato vertical del móvil y la practicidad de no tener que girar el teléfono puede haber mutuamente influenciado la práctica de grabación vertical. Además de la emergencia de redes sociales. Televisor giratorio, monitores verticales…

La adopción del vídeo vertical El vídeo vertical era considerado un error de amateurs. O utilizado apenas por artistas de arte experimental. Facebook, Instagram y YouTube han adoptado el formato de vídeo vertical. Snapchat y TikTok lo usan de forma exclusiva. La mayoría de plataformas lo admiten, pero con diferencias en la relación de aspecto. Suele ser 9:16. Más alto que ancho. El uso correcto de la relación de aspecto ayuda a que se visualice correctamente y evita la distorsión y/o cortes en el encuadre. Hay algunos festivales de cine vertical: 9/16 film fest, #TikTokShortFilm & Cannes, Nespresso Talents, Vertical Film Festival, VertiFilms, Slim Cinema…

Microdrama - Duanju Episodios verticales de 1 a 3 minutos, unos 80 por serie. Ganchos constantes, modelo freemium con micropagos tras los primeros episodios. Producción rápida, barata y con actores desconocidos. Se enfoca en la expresión (planos más cerrados) o acciones con actores de pie (plano entero). Narrativas intensas, melodramáticas y exageradas. Géneros híbridos: romances, millonarios, fantasía, vampiros, hombres lobo… Glocalización: producción local con guiones adaptados culturalmente, pero basados en estructuras narrativas chinas. Marketing agresivo en redes sociales para atraer tráfico a las apps (reelshort, dramabox, goodshort).

Problemática con derechos de autor y varias adaptaciones. El centro de interés El vídeo vertical tiene un campo de visión más corto que el horizontal. Campo visual más corto favorece centralizar la visión de la audiencia en un determinado motivo visual. Ideal para encuadrar un único individuo u objeto. Favorece la representación de historias o experiencias personales. Monólogos. Emergencia de figuras como instagrammers, tiktokers, youtubers… El formato vertical favorece mostrar momentos íntimos o acciones que ocurren de forma vertical. P. E., manos a la cabeza, asegurar las manos, alguien subiendo escalera estrecha.

9 Aumenta la percepción de estar cerrado o atrapado en una determinada situación. Géneros como el horror, suspense o misterio pueden beneficiarse del vídeo vertical porque el campo de visión horizontal es pequeño. Grabar con una angulación (picado, cenital, nadir, contrapicado) aumenta la sensación de inferioridad / superioridad en vertical. Grabando en vertical Grabar directamente en vertical o marcar la relación de aspecto en el visor de la cámara o visor externo. Seleccionar localizaciones o construir escenarios que funcionen bien en vertical (escaleras, edificios, montañas, mostrar árboles enteros…). Encuadres con el cuerpo entero funcionan bien.

Dos o más sujetos funcionan mejor cuando no son encuadrados de forma horizontal. Encuadrar desde lejos para poder reposicionar la imagen en la edición o para hacer un movimiento de cámara de acercamiento. Los planos cerrados del rostro suelen quedar raros, una solución es encuadrar elementos de forma separada: planos detalle. Usar el que sería un plano horizontal de forma invertida. Usar la regla de los tercios. Centralizar elementos en vertical siempre es una buena opción. Separar el escenario por capas para poder dar uso a espacios que quedarían vacíos durante una acción.

Usar cuadro dentro del cuadro queda bien para focalizar el centro de interés, pero también para jugar con espacios que quedarían vacíos por la verticalidad. En el montaje y edición hace falta configurar el tamaño correcto de la relación de aspecto. Si grabamos material horizontalmente hay que recortar y cambiarlo. Evitar las barras negras. Explorar efectos visuales, diseño de movimiento, títulos cautivadores e incluso técnicas como dividir la pantalla por la mitad, o en más partes para resaltar varios clips a la vez. 3. PUESTA EN ESCENA Y COMPOSICIÓN.

Puesta en escena Controlar todos los elementos expresivos que aparecen en el encuadre de la cámara para que se pueda crear un ambiente general que sirva para dar credibilidad a una situación dramática / narración. Viene del francés el término: mise-en-scène. Tiene su origen en el teatro (poner una escena en acción). Ha sido adaptado al mundo del audiovisual. - Crear mundos imaginarios y fantásticos (Formalismo) - Hacer un pacto de verosimilitud con el mundo real (realismo) - Marcar el género fílmico o televisivo - Guiar la mirada de la persona espectadora - Transmitir diferentes tipos de sentimientos y sensaciones Este concepto abarca. 10 1. Escenografía.

Conjunto de elementos necesarios para ambientar y representar un producto audiovisual: localizaciones, decorado y atrezzo. - Localización. Pueden ser interiores o exteriores. Si son existentes, pueden estar en su estado natural o modificada con decorado para crear una determinada atmósfera. Si no son escenarios construidos a medida (cuestiones formales, necesidades técnicas). El tamaño de uno puede ser escalable y en miniaturas (ahorro de costes o efectos especiales). - Decorado. Capacidad de crear espacios con una atmósfera conveniente a cada temática. Ayuda a la persona espectadora a comprender mejor el mundo representado y el mundo interior de un personaje.

No siempre respetan el tamaño natural. Pueden ser desarrollados con efectos especiales. - Atrezzo. Objetos utilizados de forma activa para el desarrollo de una historia o acción. Elementos de una escena que pueden afectar la narración o ser fundamental para que ocurra. 2. Iluminación y color. El tipo de iluminación que utilizamos puede transmitir diferentes sensaciones, puede marcar el género audiovisual y marca la importancia de las acciones o de los elementos dentro del cuadro y, por tanto, la atención del espectador. La distribución de las zonas claras y oscuras dentro del cuadro es básica para la comprensión de la narración.

Zona iluminada subraya la acción Zona poco iluminada puede crear misterio / miedo, ocultar detalles importantes… También incide en los estados de ánimo que la persona realizadora quiere imprimir en una escena determinada (oscuridad tristeza, luz alegría). - Luz dura. Sensación de agresividad o fuerza. Sombras marcadas y perfiles nítidos. Se consigue con fuentes luminosas directas. Los rallos de la luz dura se dirigen de forma directa hacia la persona u objeto. Delatan la textura de las superficies. - Luz suave. Sensación de ternura, romanticismo o melancolía. Dispersar la luz emitida por una fuente luminosa (la del sol cuando atraviesa las nubes).

En cine o fotografía, la luz de los focos rebota en superficies reflectantes para obtener iluminación general donde los límites de las sombras se difuminan. - Luz natural. Muy utilizada, pero tiene varios problemas: imprevisibilidad, cambios en su temperatura de color, en su dirección de luz, diferencia en su duración (verano e invierno), diferente angulación del sol respecto a la Tierra según las estaciones, imposibilidad de adaptarse totalmente a la fuente luminosa, necesidad de luces de apoyo. 11 - Luz artificial. Más controlable y estable. Dificultades: requiere de potencial eléctrico, sobre todo cuando son espacios muy amplios. Hay que tener conocimientos. La luz en cine / publicidad vs.

TV Se cuida más, ya que se tiene más tiempo y/o recursos y se acostumbra a trabajar con una sola cámara toma a toma. Cada plano se puede iluminar con detenimiento. Se hace siempre según un plano/s y si lo cambiamos hace falta volver a iluminar. Suelen ser multicámara, iluminar espacio amplio. Para una cámara puede ir bien una iluminación, pero para las otras no. Iluminación aceptable para todas las cámaras. Color Puede provocar reacciones, dirigir la atención, establecer el tono del producto (escala tonal), representar rasgos de carácter de personajes, mostrar cambios en la historia… Hay colores como el rojo que son más efectivos para captar la atención y ejercer un mayor impacto emocional.

Los colores pueden tener muchas connotaciones que dependen del contexto social y político. Se analizan con base en: - Tono. Sensación del color en sí que nos permite llamarlo rojo, verde, azul… (sensación cromática) - Luminosidad/brillo: cantidad de luz que se percibe al observar un color determinado. - Saturación: grado de pureza de un color y, por tanto, la cantidad de luz blanca que contiene (nivel de pureza). Temperatura de color: se define dentro de un espectro luminoso medido en grados Kelvins. Como color por sí solo no emite una temperatura, esto se basa en la cantidad de luz que emite un cuerpo negro calentado a una temperatura determinada.

Cuanto más cálida la luz, más baja la temperatura de color. Cuanto más fría la luz, más alta la temperatura de color. Tanto la temperatura como el color de otros elementos de la puesta en escena suman para la construcción de una determinada atmósfera. Es muy común construir una paleta de color en fase de preproducción. 3. Vestuario, maquillaje y caracterización La forma como los personajes van vestidos nos dicen mucho sobre ellos: época, extracto social, profesión, personalidad… Puede realzar la apariencia física de un actor, modificarla o potenciar rasgos específicos. Dialoga con el decorado y el atrezzo. Vestuario debe seguir la paleta de color asociada al personaje o al producto.

Maquillaje y cabello complementan la caracterización de un personaje. Son los toques físicos que ayudan a caracterizar los actores y actrices a transformarse en sus personajes. 12 Pelucas y peinados, prótesis, cicatrices, heridas, técnicas para tapar o crear imperfecciones, técnicas de envejecimiento… El maquillaje ayuda a controlar el brillo y el color de la piel. 4. Interpretación de los actores y actrices Representan un imaginario colectivo, arquetipos de personajes, estilos y épocas. Muchas veces los guiones son escritos con un personaje en mente, o con sus rasgos determinados. Casting: necesario para seleccionar las actrices y actores.

Los actores deben adaptarse a las diferentes distancias de cámara y planos. Cámara muy cerca y planos cerrados movimientos más visibles y exagerados. Hay que saber estar en frente la cámara. Tres elementos de la interpretación: - Acción - Mímica - Expresión facial y elementos sonoros 5. Posición de los elementos en el cuadro Nuestra atención puede ser dirigida a un objeto o personaje dependiendo de su posición en el encuadre. La posición de los elementos en el encuadre pueden establecer diferentes tipos de relaciones. Es necesario saber componer la imagen para poder colocar los elementos de forma coherente con los objetivos de la narración o producto audiovisual. 13 amelie poulain 4.

LOS MOVIMIENTOS Y SUS FUNCIONES. 5. EL MONTAJE Y LA CONSTRUCCIÓN DEL DISCURSO Y LA TEMPORALIDAD NARRATIVA. 14