Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests

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APUNTES DISEÑO PEvAU Andalucía, Ceuta, Melilla y Centros en Marruecos AprenAI 2026-2027 Los 4 bloques de Diseño de la PEvAU con esquemas, tests y resumen final: historia y Bauhaus, Gestalt, tipografía, señalética, packaging y ergonomía. APREN.AI Índice Tema 1: Concepto,historia y campos del diseño 1 Concepto, campos profesionales y sostenibilidad 7 1. Delimitación conceptual: diseño, arte y artesanía 7 2. Áreas profesionales del diseño 8 3. Dimensión ética, sostenibilidad y obsolescencia 10 4.

Diversidad cultural y marco jurídico del diseño 11 2 Teorías del diseño y relación entre forma y función Las tres funciones del objeto diseñado El debate forma-función Los diez principios del buen diseño de Dieter Rams Victor Papanek y la responsabilidad del diseñador La pertinencia del diseño en la sociedad de consumo 3 Culturas no occidentales, diversidad patrimonial y apropiación cultural Aportaciones no occidentales al diseño La diversidad cultural como patrimonio Inspiración legítima frente a apropiación cultural 4 De la Revolución Industrial a las vanguardias históricas 18 1. El impacto industrial y la reacción artesanal 18 2. La transición orgánica: Art Nouveau y Secesión Vienesa 20 3.

Ruptura y geometría: las vanguardias históricas 24 4.

Tabla sinóptica de movimientos precursores 25 5 Movimiento Moderno, Bauhaus y funcionalismo de posguerra 26 Raíces del funcionalismo y el Deutscher Werkbund 26 La Bauhaus: pedagogía, etapas y maestras pioneras 27 El Estilo Internacional y la arquitectura canónica 30 Funcionalismo científico en posguerra: HfG Ulm y Diseño Suizo 31 6 Las mujeres en la historia del diseño Una presencia constante pero invisibilizada La mujer en la Bauhaus 12 Mobiliario e interiorismo del Movimiento Moderno Posguerra y diseño internacional Diseño gráfico y señalética 7 Maestros de la Bauhaus y grandes figuras del Movimiento Moderno Johannes Itten: el curso preliminar y los contrastes de color Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 1 Wassily Kandinsky: una gramática de los elementos visuales Paul Klee: la forma como proceso László Moholy-Nagy: nueva fotografía y tipografía Josef Albers y Joost Schmidt: de alumnos a maestros 37 Mies van der Rohe: «menos es más» 37 8 Del Pop Art y Posmodernismo al diseño contemporáneo y español 38 1.

Respuestas al funcionalismo ortodoxo: Art Déco, Aerodinamismo y Styling 39 2. Organicismo y Humanismo Escandinavo 40 3. Del Pop Design y el Antidiseño a la Posmodernidad 42 4. Tendencias Contemporáneas: High Tech, Minimalismo y Neobiomorfismo 45 5.

Panorama y Evolución del Diseño en España 48 9 Escuelas de posguerra: el diseño italiano y el industrial design americano El diseño italiano de la reconstrucción («Bel Design») Objetos y figuras clave Italia frente a Ulm El industrial design en Estados Unidos 10 Surrealismo, Pop Art y Deconstructivismo Antecedente: orientalismo y japonismo Surrealismo Pop Art Deconstructivismo 57 11 El diseño en Andalucía: pioneros y referentes Cartelismo de fiestas y ferias Pioneros de la gráfica Artes aplicadas: cerámica y azulejería La Expo 92, motor del diseño andaluz Diseño andaluz actual y escuelas 60 Tema 2: Configuración formal y metodología 12 Lenguaje visual, leyes de la Gestalt y composición 62 1.

Elementos del lenguaje visual (teoría de Wucius Wong) 62 2. Tipologías y relaciones formales 63 3. Psicología de la percepción: leyes de la Gestalt 64 4. Fundamentos compositivos y dinámica visual 66 5.

Estructuras modulares y movimientos en el plano 67 13 Composición sin retícula y sintaxis de la forma tridimensional Composición sin retícula Escala Sintaxis de la forma tridimensional Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 2 Proporción en el objeto 14 Teselaciones, módulos pararregulares y patrones de repetición 72 El teselado 72 Obtención de teselas: el método de Escher 73 Módulos pararregulares 73 Tipos de patrones de repetición 74 Aplicaciones 74 Historia del diseño modular 74 15 Teoría del color, percepción y metodología proyectual 76 Dimensiones perceptivas del color 76 Modelos de mezcla cromática: síntesis aditiva y sustractiva 77 Relaciones cromáticas y valor connotativo 78 La metodología proyectual en el diseño 78 16 Procesos creativos y organización de equipos de trabajo 81 El proceso creativo y sus fases 81 Pensamiento divergente y convergente 82 Técnicas de creatividad 82 Design thinking 83 Organización de los equipos de diseño 83 Tema 3: Diseño gráfico 17 Tipografía: anatomía del tipo, familias y legibilidad 85 1.

Conceptos fundamentales: tipo, fuente y familia tipográfica 85 2. Anatomía del tipo y líneas de referencia 86 3. Evolución histórica y clasificación de las familias 87 4. Factores determinantes de la legibilidad tipográfica 91 5.

Criterios de emparejamiento tipográfico 92 18 Diseño editorial: retícula, maquetación y tipometría 93 Fundamentos del diseño editorial y proporciones de página 93 Márgenes armónicos y caja tipográfica 94 La retícula modular y su anatomía 94 Sistemas de tipometría: Didot y Pica 96 Alineación de párrafo y microtipografía 96 Anatomía de la portada en publicaciones periódicas 97 Preimpresión: sangrado y marcas de corte 97 19 Tipos de impresos y sistemas de impresión 98 Tipos de impresos 98 Breve historia de la impresión 99 Sistemas de impresión actuales 99 Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 3 Cómo condiciona el diseño 101 Papeles y gramajes 101 20 Semiótica visual, signos y escala de iconicidad 102 Fundamentos de la semiótica y el proceso de semiosis 102 Clasificación peirceana de los signos: indicio, icono y símbolo 103 La iconicidad en la comunicación visual 105 La escala de iconicidad de Justo Villafañe 105 21 Señalética y sistemas de señalización 109 1.

Delimitación conceptual: señalización frente a señalética 109 2. Clasificación de las señales 110 3. El pictograma: diseño, retícula modular y serialidad 111 4. Normalización internacional: el código cromático de seguridad (ISO 3864) 114 5. Ergonomía visual, legibilidad y accesibilidad 114 6.

Metodología proyectual y el Manual de Señalética 116 22 Diseño publicitario, retórica visual y el cartel 117 Publicidad, consumo y comunicación persuasiva 117 El cartel: evolución histórica del soporte persuasivo 118 Requisitos visuales y jerarquía perceptiva a distancia 119 Retórica visual y figuras persuasivas en la publicidad 122 Matriz analítica de recursos retóricos en carteles 123 23 Funciones comunicativas del diseño gráfico y diseño digital 124 Funciones comunicativas del diseño gráfico 124 Diseño interactivo 125 Diseño en movimiento (motion graphics) 126 Otras aplicaciones digitales 126 Particularidades del soporte pantalla 127 24 Identidad corporativa, marcas y sistemas de reproducción 128 1.

Componentes gráficos de la marca 129 2. Economía cromática y síntesis visual 129 3. El Manual de Identidad Visual Corporativa 130 4. Aplicaciones corporativas y soportes de comunicación 132 5. Requerimientos técnicos de reproducción digital: Vectorial vs. Mapa de bits 132 6.

Sistemas de impresión: Cuatricromía, tintas planas y acabados especiales 133 25 Historia de la imagen de marca, figuras clave y programas de diseño 134 Antecedentes: firmar el trabajo y garantizar el origen 135 El primer programa de identidad: Behrens y AEG 135 La identidad corporativa de posguerra 136 Referentes españoles 136 Herramientas digitales 137 Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 4 Tema 4: Diseño tridimensional 26 Sistemas de representación técnica y normalización 139 Fases de representación técnica: del boceto al plano de fabricación 139 Sistemas de proyección y representación espacial 140 Escalas normalizadas 143 Normas de acotación normalizada 144 27 Materiales, texturas y procesos de fabricación 146 Familias de materiales en el diseño industrial 146 Propiedades comparativas de los materiales industriales 148 Texturas superficiales y acabados de producto 150 28 Tipologías de producto, sistemas de producción y ciclo de vida sostenible 154 Clasificación de los objetos según su uso 154 Diseño flexible: crear opciones 154 Sistemas de producción y su efecto en la forma 155 Evolución histórica de los materiales 155 Sostenibilidad: procedencia, producción y ciclo de vida 156 Las reglas de las «R» y el modelo cradle to cradle 157 29 Packaging: diseño estructural, funcional y gráfico del envase 158 1.

Concepto y doble dimensión del packaging 158 2. Niveles de envasado: jerarquía estructural y logística 159 3. Funciones del envase: exigencias técnicas frente a comunicación persuasiva 160 4. Diseño estructural: desarrollo volumétrico y técnica de troquelado 161 5.

Diseño gráfico aplicado: etiquetado y comunicación técnica 162 30 Ergonomía, antropometría y diseño universal 163 Ergonomía: adecuación integral entre el objeto y el ser humano 163 Antropometría y dimensionamiento del producto 164 Principios ergonómicos de uso y agarre 165 La biónica como método de innovación formal y funcional 165 Diseño universal, diversidad funcional y Diseño Accesible 165 Los siete principios del diseño universal 166 31 Diseño de espacios: interiorismo, iluminación y modulación 169 1. El proyecto de espacios: fases y documentación técnica 169 2. Representación técnica y simbología arquitectónica en planos 170 3. Composición espacial, circulaciones y modulación 172 4.

Tratamiento de paramentos, texturas y estilos 172 5. Diseño de iluminación: tipos y temperatura de color 173 6.

Espacios comerciales y arquitectura efímera 174 32 Resumen para repasar 176 Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 5 Tema 1 · Concepto, teoría y ética del diseño 176 Tema 1 · Movimientos y escuelas 177 Tema 1 · Figuras: maestros, diseñadoras, España y Andalucía 178 Tema 2 · Forma, composición y módulo 179 Tema 2 · Color, metodología y creatividad 179 Tema 3 · Tipografía, editorial e impresión 180 Tema 3 · Signo, señalética, publicidad, digital e identidad 181 Tema 4 · Representación, materiales y producción 182 Tema 4 · Packaging, ergonomía y espacios 182 No confundir 183 Cronología 183 Soluciones de las preguntas de repaso 185 Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 6 1 Concepto,campos profesionales y sostenibilidad El diseño es una actividad proyectual orientada a solucionar problemas específicos mediante la prefiguración técnica, funcional y formal de objetos, comunicaciones o espacios antes de ser fabricados o reproducidos en serie.

1. Delimitación conceptual: diseño, arte y artesanía La delimitación del diseño exige diferenciarlo de otras manifestaciones creadoras: Criterio Arte Artesanía Diseño Finalidad Expresiva, estética o conceptual; no supeditada a un fin práctico. Utilitaria y decorativa; arraigada a la tradición técnica local. Resolución funcional, comunicativa y formal de una demanda concreta. Proceso productivo Pieza única o serie artística limitada de autor. Manufactura manual o con herramientas simples; cada objeto es singular. Disociación estricta entre la fase de proyecto y la producción industrial seriada. Autoría y ejecución El creador ejecuta directamente su obra plástica.

El artesano proyecta y materializa la pieza en su taller. El diseñador define el plan técnico; la industria mecanizada lo ejecuta.

TEMA 1 Concepto,historia y campos del diseño 1 Concepto, campos profesionales y sostenibilidad 2 Teorías del diseño y relación entre forma y función 3 Culturas no occidentales, diversidad patrimonial y apropiación cultural 4 De la Revolución Industrial a las vanguardias históricas 5 Movimiento Moderno, Bauhaus y funcionalismo de posguerra 6 Las mujeres en la historia del diseño 7 Maestros de la Bauhaus y grandes figuras del Movimiento Moderno 8 Del Pop Art y Posmodernismo al diseño contemporáneo y español 9 Escuelas de posguerra: el diseño italiano y el industrial design americano 10 Surrealismo, Pop Art y Deconstructivismo 11 El diseño en Andalucía: pioneros y referentes Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 7 Esquema y fotografías de manifestaciones artesanales y cerámicas ancestrales preindustriales.

A lo largo de la historia preindustrial, el artesano concentraba tanto la ideación como la factura material. La Revolución Industrial escindió este vínculo al introducir la mecanización y la división técnica del trabajo, consolidando al diseñador como el formulador de los planos constructivos y los requerimientos funcionales del producto. 2. Áreas profesionales del diseño El campo del diseño se articula en disciplinas interconectadas según la naturaleza del soporte: Diseño industrial o de producto: ideación de artefactos para su manufactura masiva. Abarca el equipamiento mobiliario, electrodomésticos, herramientas, automoción y el envase o packaging.

Diseño gráfico y de comunicación visual: planificación de mensajes bidimensionales o digitales. Integra el diseño editorial, la tipografía, la cartelería, la identidad corporativa y la señalética. Diseño ambiental y de espacios: ordenación funcional y estética del hábitat humano, incluyendo el interiorismo, la escenografía, el diseño de exposiciones y el escaparatismo. Diseño textil y de moda: configuración de indumentaria, accesorios y patronaje estructural, así como el tratamiento de superficies mediante patrones repetitivos o módulos. Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 8 Muestra de composición geométrica modular aplicada al diseño de superficies textiles.

Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 9 ESQUEMA Campos del diseño 3. Dimensión ética, sostenibilidad y obsolescencia La responsabilidad social de la disciplina ha desplazado el foco del mero consumo hacia el diseño centrado en el usuario, una metodología que sitúa las capacidades, necesidades físicas y contextos reales de las personas en el núcleo del proyecto.

De este principio emana el diseño universal o inclusivo, cuyo fin es asegurar que entornos, artefactos y mensajes sean comprensibles y utilizables por la mayor diversidad de personas sin requerir adaptaciones complejas (sus principios se desarrollan en «Tema 4: Diseño tridimensional — Ergonomía, antropometría y diseño universal»). OBSOLESCENCIA PROGRAMADA Estrategia industrial consistente en limitar deliberadamente la vida útil de un producto para acelerar el ciclo de reemplazo comercial, ya sea mediante componentes de desgaste acelerado (técnica), incompatibilidad de repuestos o variaciones cosméticas que inducen a percibir el objeto como desfasado (percibida).

Frente a este modelo lineal surge el ecodiseño, que evalúa el impacto ecológico global en todas las etapas del ciclo de vida del producto: selección de materias primas renovables, optimización energética en la manufactura, eficiencia logística, prolongación de la durabilidad y facilitación del desmontaje para su reciclaje íntegro.

Diseño industrial Objetos tridimensionales en serie Producto y mobiliario Enseres, equipamiento y herramientas Packaging estructural Envases y embalajes protectores Diseño gráfico Comunicación visual bidimensional Editorial y tipografía Publicaciones, fuentes y maquetación Identidad y señalética Marcas, sistemas visuales e iconos Diseño espacial Configuración del entorno habitado Interiorismo y stands Habitabilidad, recorridos e iluminación Diseño textil y moda Indumentaria y estampados modulares Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 10 EJEMPLO DE ECODISEÑO APLICADO Una luminaria diseñada con carcasa de aluminio 100 % reciclable unida mediante tornillería estándar (sin adhesivos térmicos), que permite desmontar la fuente LED para sustituirla individualmente al agotarse, eliminando la necesidad de desechar la lámpara completa.

4. Diversidad cultural y marco jurídico del diseño El canon tradicional del diseño occidental ha sido enriquecido sustancialmente por culturas no occidentales, como la depuración geométrica del mobiliario tradicional japonés o las geometrías complejas de los textiles andinos y africanos. En el contexto contemporáneo, es crucial distinguir entre el diálogo intercultural —que reconoce la autoría, respeta los significados sagrados y retribuye a las comunidades de origen— y la apropiación cultural, consistente en la extracción descontextualizada y mercantilizada de signos identitarios ajenos.

En el plano legal, las creaciones del diseñador se salvaguardan mediante figuras jurídicas bien diferenciadas: Propiedad intelectual (derechos de autor): protege obras originales de índole gráfica, literaria o artística desde el momento de su fijación. Propiedad industrial: ampara soluciones técnicas mediante patentes de invención y modelos de utilidad, la apariencia externa bidimensional o tridimensional mediante el diseño industrial registrado, y los signos distintivos comerciales mediante el registro de marcas ante organismos oficiales.

IDEAS CLAVE El diseño se fundamenta en un proceso proyectual previo a la producción mecanizada en serie, diferenciándose del arte y de la manufactura artesanal. Las cuatro grandes ramas disciplinares son el diseño industrial, el gráfico, el ambiental y el textil/moda. El diseño centrado en el usuario y el diseño inclusivo persiguen la máxima accesibilidad sin segregación funcional. El ecodiseño analiza todo el ciclo de vida del objeto para mitigar el impacto ambiental y combatir la obsolescencia programada. La protección legal del diseño se divide entre la propiedad intelectual (autoría artística/gráfica) y la propiedad industrial (patentes, diseños registrados y marcas).

Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 11 COMPRUEBA LO QUE HAS APRENDIDO 1. ¿En qué se diferencia sustancialmente el diseño de la artesanía respecto al proceso productivo? 2. ¿Qué distingue la obsolescencia técnica de la obsolescencia percibida? 3. ¿Qué instrumento jurídico ampara la apariencia estética bidimensional o tridimensional de un producto industrial? TEMA 1: CONCEPTO, HISTORIA Y CAMPOS DEL DISEÑO 2 Las mujeres en la historia del diseño Las tres funciones del objeto diseñado Todo objeto diseñado responde a varias exigencias a la vez.

La clasificación más usada, sistematizada por el teórico alemán Bernd Löbach, distingue tres funciones: Función Qué resuelve Producto donde predomina Práctica o utilitaria El uso físico: sujetar, cortar, contener, proteger. Depende de la ergonomía, los materiales y el mecanismo. Un destornillador, una silla de oficina Estética La experiencia sensorial: forma, color, textura, proporción. Provoca agrado o rechazo. Un jarrón decorativo, una lámpara de autor Simbólica o comunicativa Lo que el objeto significa: estatus, pertenencia a un grupo, valores de una marca.

Un reloj de lujo, una camiseta de un equipo Las tres conviven siempre, pero su peso cambia según el producto: en una herramienta profesional manda lo práctico; en una joya, lo estético y lo simbólico; en un coche de gama alta, las tres pesan mucho. Un buen diseño es el que logra el equilibrio adecuado al uso y al usuario. El debate forma-función La pregunta central de la teoría del diseño es si la apariencia de un objeto debe derivarse de su uso o puede tener valor por sí misma. Louis Sullivan (1896), arquitecto de rascacielos en Chicago, defendió que la forma sigue a la función: la configuración de un edificio debe expresar lo que hace.

Este lema fue la base del funcionalismo (véase «Movimiento Moderno, Bauhaus y funcionalismo de posguerra»). Adolf Loos, en Ornament und Verbrechen («Ornamento y delito», 1908), fue más radical: consideraba el adorno un derroche de trabajo, dinero y material, propio de culturas atrasadas, y defendía superficies limpias. No dice lo mismo que Sullivan: Sullivan sí admitía ornamento; Loos lo rechaza en nombre de la economía y del progreso. Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 12 La réplica posmoderna denunció la frialdad y uniformidad del funcionalismo.

Frente al «menos es más» moderno surgieron lemas como «la forma sigue a la diversión» (asociado al diseño posmoderno y al Grupo Memphis, véase «Del Pop Art y Posmodernismo al diseño contemporáneo y español») o «la forma sigue a la emoción», lema del diseñador Hartmut Esslinger. La función simbólica y emocional pasa a ser tan legítima como la práctica. Las posturas críticas actuales desplazan el debate: ya no basta con preguntar cómo debe ser la forma, sino si el objeto debería existir y qué coste social y ambiental tiene. CRONOLOGÍA Hitos del debate forma-función ERROR FRECUENTE Atribuir «Ornamento y delito» a Sullivan o «la forma sigue a la función» a Loos.

Recuerda: Sullivan es el lema; Loos es el ataque al adorno. Los diez principios del buen diseño de Dieter Rams Dieter Rams, diseñador jefe de la firma alemana Braun, resumió su idea del buen diseño en diez principios, condensados en su lema «menos, pero mejor». El buen diseño: 1. Es innovador: aprovecha las posibilidades técnicas nuevas. 2. Hace útil el producto: prioriza lo que lo hace servir. 3. Es estético: la belleza forma parte de la utilidad, porque convivimos con los objetos. 4. Hace comprensible el producto: su uso se entiende sin explicaciones. 5. Es discreto: el objeto es una herramienta, no una obra que se impone. 6. Es honesto: no promete más de lo que ofrece ni engaña al usuario.

7. Es duradero: huye de las modas para no quedar anticuado. 8. Es minucioso hasta el último detalle: nada se deja al azar. 9. Respeta el medio ambiente: ahorra recursos y contaminación durante toda su vida. 10. Es el mínimo diseño posible: elimina lo superfluo y se centra en lo esencial.

1896 Sullivan: la forma sigue a la función 1908 Loos escribe «Ornamento y delito» contra el adorno 1971 Papanek publica «Diseñar para el mundo real» Posmodernismo La forma sigue a la diversión o a la emoción Actualidad Se cuestiona si el objeto debe existir y su impacto Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 13 Victor Papanek y la responsabilidad del diseñador En Design for the Real World («Diseñar para el mundo real», 1971), Victor Papanek acusó a buena parte del diseño industrial de fabricar objetos inútiles, inseguros o derrochadores para alimentar el consumo.

Propuso que el diseñador asuma una responsabilidad social y ecológica: trabajar para quienes más lo necesitan (países pobres, personas con discapacidad, personas mayores, enfermos), usar materiales baratos y locales y minimizar residuos. Es un precedente directo del ecodiseño y del diseño inclusivo (véase «Concepto, campos profesionales y sostenibilidad»). La pertinencia del diseño en la sociedad de consumo Un diseño es pertinente cuando responde a una necesidad real (resuelve un problema, mejora la seguridad, la accesibilidad o la sostenibilidad) y no solo a la necesidad de vender.

Diseño pertinente Diseño que solo alimenta el consumo Parte de un problema detectado en el usuario Parte de la necesidad de lanzar novedades Busca durabilidad, reparación y reciclaje Recurre a la obsolescencia programada o estética Mejora real de uso o de impacto ambiental Cambios solo de apariencia para renovar la moda Para valorarlo conviene preguntarse: ¿qué necesidad cubre?, ¿para quién?, ¿qué recursos consume y qué residuos deja? La conclusión de Rams y Papanek coincide: diseñar menos objetos, pero mejores. IDEAS CLAVE Todo objeto cumple funciones práctica, estética y simbólica, con un peso distinto según el producto.

Sullivan (1896) formuló «la forma sigue a la función»; Loos, en «Ornamento y delito» (1908), rechazó el adorno como derroche. El posmodernismo respondió con «la forma sigue a la diversión» o «a la emoción», legitimando lo simbólico y emocional. Dieter Rams resumió el buen diseño en diez principios bajo el lema «menos, pero mejor». Victor Papanek, en «Diseñar para el mundo real» (1971), exigió responsabilidad social y ecológica al diseñador. Un diseño es pertinente si responde a una necesidad real y no solo a la renovación del consumo. COMPRUEBA LO QUE HAS APRENDIDO 4. ¿Qué función predomina en un reloj de lujo y por qué? 5. ¿En qué se diferencian las posturas de Sullivan y Loos? 6.

¿Qué reprochaba Papanek al diseño industrial de su época? Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 14 TEMA 1: CONCEPTO, HISTORIA Y CAMPOS DEL DISEÑO 3 Surrealismo,Pop Art y Deconstructivismo El relato clásico de la historia del diseño es eurocéntrico, pero muchas de sus innovaciones formales proceden de culturas no occidentales. Conocerlas permite valorar la diversidad como patrimonio y distinguir la inspiración legítima del uso abusivo de lo ajeno. Aportaciones no occidentales al diseño Japón: austeridad y módulo Austeridad: espacios casi vacíos, materiales naturales vistos (madera, papel, bambú) y ausencia de ornamento superfluo.

Modularidad del tatami: la estera de proporción aproximada 1:2 sirve de unidad de medida. Las habitaciones se dimensionan por número de tatamis, y el diseño de interiores se hace mediante un módulo repetible, idea que anticipa la modulación moderna. Wabi-sabi: belleza de lo imperfecto, sencillo y efímero. Valora la pátina, la asimetría y la huella del tiempo. Estas ideas influyeron en el diseño escandinavo y en el minimalismo (véase «Del Pop Art y Posmodernismo al diseño contemporáneo y español»). Dos figuras resumen el puente entre Oriente y Occidente. Sori Yanagi creó el taburete Butterfly (1954), que une contrachapado curvado industrial y formas evocadoras de la tradición japonesa.

Isamu Noguchi diseñó las lámparas Akari (desde 1951), de papel washi sobre armazón de bambú, inspiradas en los farolillos artesanales de Gifu. África y Oceanía A comienzos del siglo XX, las máscaras y tallas africanas y oceánicas fascinaron a las vanguardias por su síntesis geométrica y su expresividad. Picasso las incorporó en Las señoritas de Aviñón (1907). El Art Déco tomó de ellas formas, maderas exóticas, motivos geométricos y materiales como el marfil o la piel. Entre los textiles destacan: Kente (Ghana): tejido en tiras estrechas cosidas entre sí, de colores vivos y patrones geométricos con significado simbólico.

Bogolan (Mali): algodón teñido con barro fermentado, con signos geométricos sobre fondo oscuro. Textiles andinos: lana de camélidos y algodón con geometrías muy codificadas. En los tocapus incas, cada recuadro es un signo.

Islam, al-Ándalus, América precolombina, India y China Cultura Aportación Rasgos para el diseño Islámica y andalusí Geometría decorativa (lacería), ataurique vegetal, epigrafía; alicatados, yeserías y celosías de la Alhambra Repetición modular, simetría y teselados que cubren el plano; legado mudéjar en la península; inspiró a Escher Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 15 Cultura Aportación Rasgos para el diseño Precolombina Grecas, escalonados y glifos mesoamericanos; cerámica y orfebrería Síntesis geométrica retomada por el Art Déco (formas escalonadas de pirámide) India Algodones estampados (indianas, chintz), motivo del buta o cachemir Estampado textil y repetición del motivo; origen de los chales Paisley europeos China Porcelana (azul y blanco) y laca Europa la imitó durante siglos (Meissen logró la porcelana dura hacia 1710); moda de la chinoiserie en el siglo XVIII; la laca reaparece en el Art Déco ESQUEMA Aportaciones no occidentales al diseño La diversidad cultural como patrimonio Cada cultura conserva artesanías tradicionales y saberes locales: técnicas, materiales del entorno, sistemas de medida y significados que se transmiten de generación en generación.

Este conocimiento es frágil, porque la producción industrial y la globalización pueden hacerlo desaparecer. La UNESCO lo protege como patrimonio cultural inmaterial mediante la Convención para su salvaguardia de 2003, que incluye las técnicas artesanales tradicionales. Ejemplos inscritos son el flamenco (2010) y la elaboración del papel washi (2014). Para el diseñador, este patrimonio es una fuente de innovación sostenible: materiales locales, oficios vivos y soluciones probadas durante siglos (véase «Concepto, campos profesionales y sostenibilidad»).

Japón Austeridad, módulo y wabi-sabi Tatami Módulo de medida del espacio Lámparas Akari Noguchi, papel washi y bambú África y Oceanía Vanguardias, Art Déco y textiles Kente y bogolan Ghana y Mali Islam y al-Ándalus Lacería, alicatado y teselados América precolombina Grecas, escalonados y textiles andinos India Indianas y motivo cachemir China Porcelana y laca Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 16 Inspiración legítima frente a apropiación cultural DEFINICIÓN La apropiación cultural es el uso de elementos de una cultura, a menudo minoritaria o históricamente dominada, sin permiso, reconocimiento ni beneficio para ella.

Suele ir acompañado de una descontextualización de su significado. Casos conocidos: La Nación Navajo demandó en 2012 a Urban Outfitters por vender productos con el nombre «Navajo». El Gobierno de México reclamó a Isabel Marant (2015) por copiar la blusa de la comunidad mixe de Tlahuitoltepec. También reclamó a Carolina Herrera (2019) por usar bordados de Tenango y el sarape de Saltillo sin citar a sus creadores.

Criterio Inspiración legítima / colaboración Apropiación Permiso Se consulta y se acuerda con la comunidad Se toma sin preguntar Autoría Se reconoce el origen y a los artesanos Se presenta como creación propia Beneficio Pago justo o reparto de beneficios Solo gana la marca Significado Se respetan los usos sagrados o rituales Se banalizan símbolos con valor ritual Conocimiento Se estudia la técnica y su sentido Copia superficial del motivo ERROR FRECUENTE Inspirarse en otra cultura no es apropiación en sí mismo. Noguchi, por ejemplo, trabajó con artesanos de Gifu. El problema aparece cuando faltan permiso, reconocimiento y beneficio compartido.

Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 17 IDEAS CLAVE Japón aportó austeridad, la modularidad del tatami y el wabi-sabi, decisivos para el diseño escandinavo y minimalista (Yanagi, Noguchi y las lámparas Akari). El arte africano y oceánico nutrió a las vanguardias y al Art Déco; kente, bogolan y los textiles andinos son referentes de geometría textil. La geometría islámica y andalusí, lo precolombino, los estampados indios y la porcelana y laca chinas enriquecieron el repertorio formal occidental. Las artesanías y saberes locales son patrimonio cultural inmaterial, protegido por la Convención de la UNESCO de 2003.

La apropiación cultural es usar lo ajeno sin permiso, reconocimiento ni beneficio; la alternativa es colaborar con la comunidad y citar su autoría. COMPRUEBA LO QUE HAS APRENDIDO 7. ¿Por qué el tatami se relaciona con la modulación en diseño? 8. ¿Qué tres condiciones distinguen la colaboración de la apropiación cultural? 9. ¿Qué instrumento internacional protege las técnicas artesanales tradicionales? TEMA 1: CONCEPTO, HISTORIA Y CAMPOS DEL DISEÑO 4 De la Revolución Industrial a las vanguardias históricas La génesis del diseño contemporáneo surge como respuesta técnica y formal a la mecanización productiva iniciada a finales del siglo XVIII.

La ruptura con el artesanado tradicional obligó a proyectar de manera seriada y a repensar la relación entre funcionalidad, estética e industria. 1. El impacto industrial y la reacción artesanal La introducción de materiales como el hierro fundido, el vidrio y, posteriormente, el hormigón armado revolucionó la arquitectura pública (estaciones de ferrocarril como Atocha en 1892 o pabellones expositivos). Paralelamente, en el ámbito del mobiliario, la estandarización técnica alcanzó un hito con la silla n.º 14 de Michael Thonet (1859); véase el quiz de esta sección para su técnica de curvado al vapor.

Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 18 Grabado del Crystal Palace diseñado por Joseph Paxton en 1851. Frente a la degradación estética provocada por la manufactura masiva decimonónica, surgieron dos corrientes reformistas en Gran Bretaña: Movimiento Estético (c. 1870-1880): corriente de arte por el arte con influencia oriental (Godwin, Dresser). Arts & Crafts (c. 1860-1900): promovido por William Morris e inspirado en los planteamientos teóricos de John Ruskin. Reivindicaba las corporaciones gremiales medievales, la dignidad del operario frente a la alienación fabril y la sinceridad de los materiales nobles (madera, forja, estampados textiles vegetales).

Su gran contradicción radicó en que los costes de elaboración convirtieron estas piezas en bienes de lujo exclusivos para la élite. Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 19 Muestra del papel pintado Marigold creado por William Morris en 1875. 2. La transición orgánica: Art Nouveau y Secesión Vienesa Hacia el cambio de siglo, la búsqueda de un lenguaje no historicista cristalizó en el Art Nouveau (denominado Modernismo en España, Jugendstil en Alemania o Modern Style en Gran Bretaña).

Caracterizado por líneas sinuosas y asimétricas inspiradas en la flora y la fauna, integró estructura y decoración en obras como las de Victor Horta (Hotel Tassel, 1893), Hector Guimard (accesos del metro parisino, 1900), Antoni Gaudí, René Lalique y Louis Comfort Tiffany en el vidrio emplomado. Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 20 Lámpara de pie Dragonfly en vidrio emplomado por Louis Comfort Tiffany. En el campo de la comunicación visual, el desarrollo de la litografía en color permitió carteles publicitarios innovadores con composiciones asimétricas, masas de color plano e iconografía femenina dinámica (obras de Henri de Toulouse-Lautrec y Alphonse Mucha).

Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 21 Cartel litográfico para May Milton realizado por Henri de Toulouse-Lautrec. En Austria, la Secesión Vienesa (1897), encabezada por Gustav Klimt, Josef Hoffmann y Joseph Maria Olbrich, evolucionó desde la ornamentación naturalista hacia la depuración geométrica ortogonal. Con la fundación de los Wiener Werkstätte (Talleres Vieneses, 1903), el colectivo persiguió la integración absoluta de arquitectura, diseño de interiores, artes aplicadas y gráfica.

GESAMTKUNSTWERK Concepto de obra de arte total que postula la integración y coherencia estética de todas las disciplinas creativas dentro de un mismo espacio, desde la envolvente arquitectónica hasta el mobiliario, los herrajes, la vajilla y la tipografía. Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 22 Fotografía del edificio de la Sezession en Viena de Joseph Maria Olbrich. Dicha concepción totalizadora alcanzó su culminación en el Palacio Stoclet de Bruselas (1905-1911, de Hoffmann y los talleres vieneses) y conectó con figuras como Charles Rennie Mackintosh en Escocia y Henry Van de Velde en Bélgica, directos precursores del funcionalismo.

Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 23 Comedor del Palacio Stoclet en Bruselas concebido por Josef Hoffmann. 3. Ruptura y geometría: las vanguardias históricas Las vanguardias de principios del siglo XX desmantelaron la perspectiva renacentista y aportaron soluciones determinantes para el diseño gráfico y del producto: Cubismo (c. 1907-1915): fragmentó la forma tridimensional en planos simultáneos y popularizó el collage (Picasso, Braque), integrando caracteres tipográficos y recortes como texturas visuales autónomas. Futurismo (c. 1909-1920): capitaneado por Filippo Tommaso Marinetti, rindió culto a la velocidad y la máquina.

Enriqueció la tipografía mediante las «palabras en libertad», rompiendo la horizontalidad clásica de la caja tipográfica. Dadaísmo (c. 1916-1924): abrazó el absurdo y el azar (Cabaret Voltaire, Tristan Tzara). Aportó los ready-mades de Marcel Duchamp y el fotomontaje crítico y propagandístico perfeccionado por John Heartfield. Neoplasticismo / De Stijl (c. 1917-1931): liderado por Theo van Doesburg y Piet Mondrian, redujo la expresión plástica a líneas ortogonales y colores primarios junto a no-colores. En diseño tridimensional, Gerrit Rietveld materializó estos principios en la silla Red and Blue (1918-1923) y la Casa Schröder (1924). Constructivismo ruso (c.

1917-1935): nacido al calor de la Revolución soviética con Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko y El Lissitzky. Concibió al diseñador como un constructor al servicio del progreso social colectivo, empleando diagonales marcadas, fotomontajes dinámicos y geometrías elementales de alto impacto visual. Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 24 PROCESO Evolución estilística del diseño: de la artesanía a la abstracción 1 Revolución Industrial Mecanización fabril y crisis de la forma artesanal. 2 Arts & Crafts Retorno nostálgico al gremio y sinceridad material. 3 Art Nou veau y Secesión Unificación formal or gánica y búsqueda de la Gesamtkunstwerk.

4 Vanguar dias de entregue rras Geometría estricta, fotomontaje y fun ción social. 4. Tabla sinóptica de movimientos precursores Movimiento Cronología Postulado ideológico Recursos formales y materiales Figuras clave Arts & Crafts 1860-1900 Rechazo de la producción fabril; revalorización del artesanado medieval. Formas orgánicas, maderas talladas, cerámica manual, estampación botánica. W. Morris, P. Webb, C.R. Ashbee. Art Nouveau 1890-1905 Estética de la modernidad burguesa; democratización ornamental. Línea curva ondulante («golpe de látigo»), forja decorativa, vidrio irisado. V. Horta, H. Guimard, A. Gaudí, É. Gallé.

Secesión Vienesa 1897-1903 Ruptura con el historicismo académico; aspiración a la Gesamtkunstwerk. Geometrización progresiva, retículas cuadrangulares, mosaico y dorado. J.M. Olbrich, J. Hoffmann, K. Moser. De Stijl 1917-1931 Búsqueda de la armonía universal abstracta. Ejes ortogonales, planos flotantes, amarillo, azul, rojo, blanco y negro. T. van Doesburg, P. Mondrian, G. Rietveld. Constructivismo 1917-1935 Arte como herramienta utilitaria y política de transformación social. Composiciones diagonales dinámicas, tipografía sans serif, fotomontaje. V. Tatlin, A. Rodchenko, El Lissitzky.

Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 25 IDEAS CLAVE La Revolución Industrial provocó una crisis formal que escindió la creación artística tradicional del nuevo proceso de fabricación técnica mecanizada. Arts & Crafts propugnó el regreso al taller artesanal, pero cayó en la contradicción de fabricar piezas excesivamente costosas para el pueblo. El Art Nouveau y la Secesión Vienesa superaron el historicismo del siglo XIX formulando el principio de la Gesamtkunstwerk u obra de arte unificada. Las vanguardias históricas (Cubismo, Futurismo, Dadá, De Stijl y Constructivismo) aportaron la descomposición geométrica, el fotomontaje, la tipografía libre y la abstracción ortogonal.

COMPRUEBA LO QUE HAS APRENDIDO 10. ¿Cuál fue la contradicción económica fundamental de la propuesta de William Morris y el movimiento Arts & Crafts? 11. ¿Qué implicaba el principio de la Gesamtkunstwerk para los diseñadores de la Secesión Vienesa? 12. ¿Qué innovación formal aportó el movimiento De Stijl al mobiliario y cómo se reflejó en la obra de Gerrit Rietveld? TEMA 1: CONCEPTO, HISTORIA Y CAMPOS DEL DISEÑO 5 Movimiento Moderno,Bauhaus y funcionalismo de posguerra Raíces del funcionalismo y el Deutscher Werkbund El funcionalismo moderno tiene como axioma fundamental la subordinación de la apariencia a la utilidad práctica.

Tras el incendio de Chicago de 1871 y la construcción pionera del Home Insurance Building (1885) por William Le Baron Jenney con esqueleto metálico y fachada de fábrica (el muro cortina llegaría después), Louis Sullivan acuñó el lema «la forma sigue a la función». En Europa, Adolf Loos radicalizó esta postura en Viena afirmando que el ornamento constituía un anacronismo cultural y productivo. Para superar la fractura entre arte y producción mecanizada surgida con la industrialización (véase «Tema 1: Concepto, historia y campos del diseño — De la Revolución Industrial a las vanguardias históricas»), se fundó en Alemania el Deutscher Werkbund ( ).

Esta asociación impulsó la alianza entre creadores e industria. Su figura clave, Peter Behrens, ejerció como consejero artístico global de AEG desde 1907: levantó la Fábrica de Turbinas de Berlín (1908) y diseñó desde la identidad visual corporativa hasta productos eléctricos como lámparas y ventiladores, estableciendo el primer programa integral de diseño de la historia. 1907–1934 Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 26 Fotografía de la Nave de Turbinas de AEG proyectada por Peter Behrens.

La Bauhaus: pedagogía, etapas y maestras pioneras Fundada en Weimar en 1919 por Walter Gropius, la Bauhaus unificó las bellas artes y los oficios aplicados para formar creadores capaces de transformar el entorno cotidiano. Etapa Sede y directores Enfoque y características Expresionista / Artesanal Weimar ( ) W. Gropius Curso preliminar (Vorkurs) de Johannes Itten. Énfasis romántico, experimentación con el material puro y gremio medieval. Giro racionalista en 1923 con el cartel de Joost Schmidt y el lema «arte y técnica: una nueva unidad». Consolidación Racionalista Dessau ( ) W. Gropius / H. Meyer / L. Mies van der Rohe (desde 1930) Sede emblemática con muro cortina ( ).

Orientación decisiva a la producción seriada industrial. Herbert Bayer formula la tipografía de caja única Universal (1925). Mayor rigor sociológico y funcional con Meyer. Desmantelamiento Político Berlín ( ) L. Mies van der Rohe Orientación marcadamente arquitectónica y espacial bajo constante hostigamiento político hasta su cierre forzoso por el régimen nazi en 1933. 1919–1925 1925–1932 1925–1926 1932–1933 Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 27 Emblema gráfico de la Bauhaus dibujado por Oskar Schlemmer en 1922.

CORRESPONDENCIA FORMA-COLOR DE KANDINSKY Wassily Kandinsky estableció en la Bauhaus un test empírico que postulaba una correspondencia psicofísica universal: el triángulo amarillo (dinámico, agudo y enérgico), el cuadrado rojo (estático, pesado y equilibrado) y el círculo azul (fluido, sereno y centrípeto). Esta tríada cromático-geométrica presidió la identidad visual de la escuela. Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 28 Fotografía de la butaca B3 Wassily en tubo de acero de Marcel Breuer.

El mobiliario de Marcel Breuer —desde su silla de listones de madera Lattenstuhl (1922) hasta la butaca de tubo de acero curvado B3 Wassily (1925)— evidenció el potencial productivo del racionalismo. No obstante, el impacto funcional decisivo recayó en creadoras fundamentales a menudo invisibilizadas: Marianne Brandt: asumió la dirección del taller de metal (1928); diseñó prototipos geométricos ejemplares como el infusor de té de plata y la lámpara de sobremesa Kandem, ampliamente producida en serie. Anni Albers: revolucionó el taller textil al incorporar hilaturas artificiales (celofán, acetato) orientadas a la acústica y la reflexión lumínica en la arquitectura contemporánea.

Lilly Reich: codiseñadora con Mies van der Rohe de hitos del mobiliario moderno (como la butaca Barcelona de 1929) y pionera en el diseño de interiores y pabellones expositivos modernos. Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 29 Fotografía de la lámpara de sobremesa Kandem diseñada por Marianne Brandt. El Estilo Internacional y la arquitectura canónica Tras la exposición del MoMA de Nueva York en 1932 comisariada por Henry-Russell Hitchcock y Philip Johnson, el canon arquitectónico europeo fue bautizado como Estilo Internacional.

Caracterizado por la ausencia de ornamento, el volumen antes que la masa superficial y la regularidad modular, sus referentes emigraron a Estados Unidos desde 1937 (Gropius a Harvard; Mies van der Rohe al IIT de Chicago, y proyectó el Seagram Building de Nueva York en 1958; y László Moholy-Nagy fundando la New Bauhaus en Chicago). Le Corbusier definió la vivienda como «máquina de habitar» y sintetizó en la Villa Savoye (1929) sus cinco puntos de la nueva arquitectura: 1) pilotis (columnas exentas), 2) terraza-jardín, 3) planta libre, 4) fachada libre y 5) ventana longitudinal corrida; sistematizados luego a escala humana mediante su sistema proporcional modular: el Modulor.

Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 30 Fotografía de la Villa Savoye de Le Corbusier en Poissy. Funcionalismo científico en posguerra: HfG Ulm y Diseño Suizo Frente a la devastación de la Segunda Guerra Mundial y el auge del consumo masivo, la Hochschule für Gestaltung (HfG) de Ulm ( ), fundada por Inge Scholl, Otl Aicher y Max Bill, refundó los principios pedagógicos de la Bauhaus sustituyendo el aprendizaje manual-artístico por una metodología estrictamente científica y metodológica (diseño de sistemas, semiótica, ergonomía e ingeniería aplicada bajo el rectorado de Tomás Maldonado desde 1956). Fotografía de la vajilla de porcelana apilable TC100 de Hans Roericht.

1953–1968 Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 31 Ulm concibió el Gute Form (Buen Diseño): objetos austeros, honestos, modulares y duraderos. Hans Roericht desarrolló la vajilla apilable TC100 (1958); Otl Aicher diseñó el sistema unificado de pictogramas para los Juegos Olímpicos de Múnich 1972; y Dieter Rams, en la firma Braun, formalizó sus diez principios del buen diseño en electrodomésticos ejemplares (tocadiscos Audio 1, radio de bolsillo T3 de 1958), inspirando décadas más tarde a Jonathan Ive en el lenguaje del iPod de Apple (2001).

Paralelamente surgió el Estilo Tipográfico Internacional (Escuela Suiza) en Zúrich y Basilea, que estructuró la composición gráfica mediante retículas asimétricas rígidas, fotografía descriptiva objetiva y familias sans-serif universales como Univers (Adrian Frutiger, ) y Helvetica (Max Miedinger, 1957). CRONOLOGÍA Evolución del Racionalismo: de la Bauhaus a Ulm IDEAS CLAVE Louis Sullivan («la forma sigue a la función») y Adolf Loos asentaron el rechazo al ornamento superfluo en el diseño moderno. Peter Behrens en AEG concibió el primer modelo integral de identidad corporativa y arquitectura industrial seriada.

La Bauhaus evolucionó desde el taller artesanal de Weimar hasta la tipificación industrial seriada en Dessau y el cierre en Berlín. Marianne Brandt, Anni Albers y Lilly Reich aportaron prototipos funcionales indispensables en metal, textil e interiorismo. La HfG de Ulm desterró el residuo artístico de la Bauhaus e instauró el diseño como disciplina científica basada en sistemas. El Estilo Suizo consolidó la retícula modular y tipografías neutras sin remate como Univers y Helvetica.

1954–1957 1907 Fundación del Deutscher Werkbund y nombramiento de Behrens en AEG 1919-1925 Bauhaus en Weimar: curso preliminar expresionista y giro al racionalismo 1925-1932 Bauhaus en Dessau: producción industrial, tipografía y diseño textil y metálico 1932-1933 Etapa final de la Bauhaus en Berlín y clausura forzada por el nazismo 1953-1968 HfG de Ulm: consagración del diseño metodológico, científico e industrial Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 32 COMPRUEBA LO QUE HAS APRENDIDO 13. ¿Qué correspondencia simbólica entre forma geométrica básica y color primario formuló Wassily Kandinsky? 14.

¿En qué se diferencia la metodología pedagógica de la Bauhaus de la planteada por la Escuela de Ulm (HfG)? 15. ¿Cuáles son los cinco puntos de la arquitectura formulados por Le Corbusier? TEMA 1: CONCEPTO, HISTORIA Y CAMPOS DEL DISEÑO 6 Las mujeres en la historia del diseño Una presencia constante pero invisibilizada Las mujeres han participado en el diseño desde sus orígenes modernos, pero durante décadas su trabajo quedó oculto: muchas obras se atribuyeron solo al socio, marido o maestro con quien colaboraban, y las propias escuelas las apartaban de las disciplinas consideradas «serias».

Este fenómeno se llama invisibilización: la autora existe y produce, pero la historia oficial no la nombra. Hoy se revisa esa historia, y por eso el temario pide reconocer a estas diseñadoras y sus obras. La mujer en la Bauhaus La Bauhaus (véase «Movimiento Moderno, Bauhaus y funcionalismo de posguerra») proclamó en su fundación que admitiría a cualquier persona, sin distinción de sexo. En la práctica, el acceso fue restringido: se limitó el número de alumnas y, tras el curso preliminar, la mayoría eran derivadas al taller textil, considerado propio de mujeres. Se les desaconsejaba la arquitectura, la pintura o el metal.

Paradójicamente, el taller textil se convirtió en uno de los más innovadores y rentables de la escuela, y lo llegó a dirigir una mujer, Gunta Stölzl. Algunas alumnas lograron entrar en otros talleres (metal, madera), lo que demuestra que la barrera era social y no de capacidad. Diseñadora Taller / campo Aportación clave Anni Albers Textil Tejidos de geometría abstracta; emigró a EE. UU.

(1933) y difundió allí la enseñanza del tejido moderno Otti Berger Textil Tejidos industriales experimentales con materiales nuevos; murió víctima del nazismo Alma Buscher Madera Juguetes de construcción y mobiliario infantil modular (piezas combinables que crecen con el niño) Marianne Brandt Metal Tetera de plata y ébano (1924) y lámparas de producción industrial; llegó a dirigir el taller de metal Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 33 Diseñadora Taller / campo Aportación clave Lilly Reich Interiorismo y textil Colaboradora de Mies van der Rohe (Pabellón de Barcelona, 1929); profesora en la última etapa de la escuela ERROR FRECUENTE Pensar que las mujeres de la Bauhaus solo hicieron textiles.

Brandt (metal) y Buscher (madera) muestran lo contrario; el textil fue la vía impuesta, no la única que siguieron. Mobiliario e interiorismo del Movimiento Moderno Charlotte Perriand (Francia): se incorporó al estudio de Le Corbusier y Pierre Jeanneret, donde codiseñó muebles de tubo de acero como la chaise longue LC4 (1928), durante años atribuida solo a Le Corbusier. Eileen Gray (irlandesa afincada en Francia): empezó con lacas y pasó al mueble moderno.

Obras: la villa E-1027 y su mesa E-1027, auxiliar de altura regulable pensada para comer en la cama; el sillón Bibendum, de rollos tubulares que recuerdan al muñeco de Michelin; y la silla Non Conformist, con un solo brazo para dejar libertad de postura. Aino Aalto (Finlandia): esposa y socia de Alvar Aalto, cofundadora de la empresa Artek. Su vajilla de vidrio Bölgeblick (1932), con anillos concéntricos que evocan las ondas del agua, sigue fabricándose. Posguerra y diseño internacional Greta Grossman (Suecia–EE. UU.): llevó el diseño escandinavo (véase «Del Pop Art y Posmodernismo al diseño contemporáneo y español») a California; conocida por lámparas como la Grasshopper. Florence Knoll (EE.

UU.): fundó con su marido la firma Knoll (después Knoll International) y creó el interiorismo de oficina moderno, editando muebles de grandes arquitectos. Ray Kaiser Eames (EE. UU.): socia de Charles Eames en sillas de contrachapado curvado y fibra de vidrio, la Lounge Chair, la Casa Eames y películas divulgativas. Su papel fue durante mucho tiempo minimizado frente al de su marido. Gae Aulenti (Italia): arquitecta y diseñadora; lámpara Pipistrello (1965), de pantalla en forma de murciélago y pie telescópico. También reconvirtió el Museo de Orsay de París.

Andrée Putman (Francia): referente del interiorismo (hoteles, tiendas, oficinas) con estilo sobrio en blanco y negro; reeditó muebles de Eileen Gray, contribuyendo a recuperarla. Diseño gráfico y señalética Jacqueline S. Casey (EE. UU.): durante décadas creó los carteles del MIT (Instituto Tecnológico de Massachusetts), juegos tipográficos en la línea del Estilo Tipográfico Suizo (véase «Movimiento Moderno, Bauhaus y funcionalismo de posguerra»).

Margaret Calvert (Reino Unido): junto a Jock Kinneir diseñó el sistema de señales de tráfico británico, con la tipografía Transport y pictogramas aún vigentes (véase «Señalética y sistemas Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 34 de señalización»). Victoria Rushton: diseñadora gráfica y tipográfica contemporánea, incluida en el temario dentro del campo del diseño gráfico. CRONOLOGÍA Obras clave de diseñadoras PARA RECORDARLO Asocia cada nombre a un objeto: Brandt-tetera, Perriand-LC4, Gray-Bibendum, Aalto-vaso de ondas, Aulenti-murciélago, Calvert-señal de tráfico, Casey-cartel del MIT.

IDEAS CLAVE La invisibilización consiste en que las diseñadoras produjeron obra clave pero la historia la atribuyó a sus socios o maridos. En la Bauhaus, pese a declararse abierta a ambos sexos, las alumnas eran derivadas sobre todo al taller textil. Anni Albers y Otti Berger destacaron en textil; Alma Buscher en juguetes y mobiliario infantil modular; Marianne Brandt en metal. Perriand codiseñó la LC4 con Le Corbusier; Eileen Gray creó la mesa E-1027, el sillón Bibendum y la silla Non Conformist. Aino Aalto (Bölgeblick), Gae Aulenti (Pipistrello), Ray Eames, Florence Knoll y Andrée Putman marcan el diseño de objetos e interiores del siglo XX. En gráfico destacan Jacqueline S.

Casey (carteles del MIT) y Margaret Calvert (señalética vial británica). COMPRUEBA LO QUE HAS APRENDIDO 16. ¿Por qué el taller textil concentró a las alumnas de la Bauhaus? 17. ¿Qué tres obras de Eileen Gray debes reconocer? 18. ¿Qué relación tiene Andrée Putman con Eileen Gray?

1924 Marianne Brandt diseña su tetera en el taller de metal de la Bauhaus 1928 Charlotte Perriand codiseña la chaise longue LC4 con Le Corbusier 1929 Lilly Reich colabora con Mies en el Pabellón de Barcelona 1932 Aino Aalto crea la vajilla de vidrio Bölgeblick 1965 Gae Aulenti diseña la lámpara Pipistrello Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 35 TEMA 1: CONCEPTO, HISTORIA Y CAMPOS DEL DISEÑO 7 Escuelas de posguerra: el diseño italiano y el industrial design americano El funcionamiento general de la escuela (fundación, sedes y etapas) se explica en «Tema 1: Concepto, historia y campos del diseño — Movimiento Moderno, Bauhaus y funcionalismo de posguerra».

Aquí nos centramos en los maestros: los profesores que impartían la teoría y dirigían los talleres, y lo que cada uno aportó al diseño. Johannes Itten: el curso preliminar y los contrastes de color Itten creó y dirigió en Weimar el curso preliminar (Vorkurs). Era obligatorio para todos los alumnos antes de entrar en un taller y servía para hacerles olvidar los hábitos académicos. Los alumnos experimentaban libremente con materiales, texturas, formas básicas y color. Su enfoque era muy personal, casi místico, y chocó con el giro hacia la industria que buscaba Gropius. Por eso dejó la escuela en 1923. Su gran legado es la teoría del color, recogida en El arte del color.

Organizó los colores en un círculo cromático de doce partes y clasificó los siete contrastes de color: Contraste En qué consiste De color en sí (de tono) Colores puros muy distintos juntos (rojo, amarillo, azul) Claro-oscuro Diferencia de luminosidad Frío-cálido Tonos que sugieren temperatura opuesta De complementarios Colores opuestos en el círculo Simultáneo El ojo tiñe un color con el complementario del que lo rodea Cualitativo Color saturado frente al mismo color apagado Cuantitativo Distinta extensión de superficie de cada color Los conceptos de tono, saturación y armonía se desarrollan en «Tema 2: Configuración formal y metodología — Teoría del color, percepción y metodología proyectual».

Wassily Kandinsky: una gramática de los elementos visuales Kandinsky, pionero de la pintura abstracta, enseñó en la Bauhaus desde 1922 hasta su cierre. Sus dos libros son claves: De lo espiritual en el arte (1911): defiende que el arte nace de una necesidad interior y no de copiar la realidad. Explica que cada color provoca una resonancia psicológica y emocional en quien lo mira. Es una de las bases teóricas de la abstracción. Punto y línea sobre el plano (1926): analiza, casi como una gramática, los elementos básicos del lenguaje visual: el punto, la línea y el plano sobre el que se colocan, con sus tensiones y Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 36 direcciones.

Su asociación de formas y colores primarios (triángulo-amarillo, cuadrado-rojo, círculo-azul) se explica en «Tema 1: Concepto, historia y campos del diseño — Movimiento Moderno, Bauhaus y funcionalismo de posguerra». Paul Klee: la forma como proceso Klee impartió teoría de la forma y trabajó con varios talleres, sobre todo con el textil. En su Cuaderno de bocetos pedagógicos (1925) presenta la línea como un punto en movimiento. Para él, la forma surge de un proceso dinámico y no es algo estático. Su enseñanza unía la observación de la naturaleza con el análisis de ritmos, proporciones y equilibrio.

László Moholy-Nagy: nueva fotografía y tipografía Sustituyó a Itten en el curso preliminar en 1923 y dirigió el taller de metal, al que orientó hacia la producción industrial. Fue el gran impulsor de la Nueva Visión (Neues Sehen). Su idea era que la fotografía no debía imitar a la pintura, sino descubrir formas nuevas de ver: picados, contrapicados y encuadres insólitos; fotogramas: imágenes obtenidas sin cámara, colocando objetos directamente sobre el papel fotosensible. En tipografía propuso la tipofoto, la integración de texto y fotografía en una sola composición, expuesta en Pintura, fotografía, cine (1925). Diseñó además la serie de libros de la Bauhaus.

Tras emigrar, fundó en 1937 la New Bauhaus de Chicago. Josef Albers y Joost Schmidt: de alumnos a maestros Ambos se formaron en la propia escuela, señal de que el modelo funcionaba. Josef Albers trabajó en el taller de vidrio y enseñó en el curso preliminar, primero junto a Moholy- Nagy y luego a su cargo. Insistía en experimentar con materiales humildes, como el papel plegado, y en aprovecharlos al máximo. Ya en Estados Unidos estudió cómo cambia la percepción de un color según los que lo rodean (La interacción del color, 1963). Joost Schmidt diseñó el cartel de la exposición de la Bauhaus de 1923.

En Dessau enseñó rotulación y dirigió el taller de publicidad, donde aplicó la tipografía funcional a impresos y anuncios. Mies van der Rohe: «menos es más» Arquitecto, fue el último director de la escuela (1930-1933). Su lema «menos es más» resume la estética funcionalista: eliminar el ornamento y reducir el objeto a su estructura esencial. La calidad se consigue con proporciones precisas y buenos materiales, no con decoración (véase el funcionalismo en «Movimiento Moderno, Bauhaus y funcionalismo de posguerra»). Pabellón de Alemania en la Exposición Internacional de Barcelona de 1929: planta libre, muros que no encierran, pilares de acero cromado, vidrio, mármol y ónice.

El interior y el exterior se funden. Apuntes de Diseño PEvAU Andalucía: temario con tests 37 Silla Barcelona (1929), diseñada para ese pabellón; sobre la colaboración de Lilly Reich véase «Tema 1: Concepto, historia y campos del diseño — Movimiento Moderno, Bauhaus y funcionalismo de posguerra». Es un icono del mobiliario moderno. ERROR FRECUENTE No hay que confundir a los directores con los maestros. Gropius, Hannes Meyer y Mies dirigieron la escuela. Itten, Kandinsky, Klee y Moholy-Nagy fueron profesores, no directores. CRONOLOGÍA Maestros clave en la Bauhaus IDEAS CLAVE Itten creó el curso preliminar y sistematizó los siete contrastes de color.

Kandinsky estudió el efecto emocional del color en «De lo espiritual en el arte» y los elementos básicos en «Punto y línea sobre el plano». Klee entendía la forma como proceso dinámico: la línea es un punto en movimiento. Moholy-Nagy impulsó la Nueva Visión fotográfica, el fotograma y la tipofoto. Albers y Schmidt, antiguos alumnos, dirigieron el curso preliminar y el taller de publicidad. Mies van der Rohe, último director, resumió el funcionalismo en «menos es más» (Pabellón y silla Barcelona, 1929). COMPRUEBA LO QUE HAS APRENDIDO 19. ¿Qué es la tipofoto y quién la propuso? 20. ¿Para qué servía el curso preliminar de Itten? 21. ¿Qué significa «menos es más» aplicado al diseño?

TEMA 1: CONCEPTO, HISTORIA Y CAMPOS DEL DISEÑO 8 1919 Itten crea y dirige el curso preliminar en Weimar 1922 Kandinsky se incorpora como profesor 1923 Itten se va; Moholy-Nagy y Albers asumen el curso preliminar 1926 Kandinsky publica Punto y línea sobre el plano 1929 Mies: Pabellón de Alemania y silla Barcelona 1930-1933 Mies van der Rohe dirige la escuela hasta su cierre Apuntes de…