Historia del Arte Contemporáneo: Introducción y Evolución

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HISTORIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO (en estos apuntes no están TODAS las imagenes, solo las IMPORTANTES->Para lo otro mirar pw) Introducción a la asignatura El arte en general se ha clasificado y se ha establecido una cronología en base a occidente. Esto quiere decir que los distintos movimientos (Gótico, renacimiento, impresionismo…) han sido clasificados en base a las obras europeas. La cronología en la que dividimos los diferentes periodos artísticos es un relato en el que valoramos lo que es importante y lo que no, determinando bajo un discurso la cronología. En el caso del arte contemporáneo, se va a cuestionar este relato desde el siglo XIX.

Cuestiona el relato tradicional del arte, ya que se da más peso a lo europeo y lo masculino. Por ejemplo, las mujeres, lo asiatico, el arte islamico… Son categorías artísticas que se han quedado fuera del relato predominante y por ello se estudian de manera más alejada que las obras del relato tradicional, es decir que las obras europeas. El arte se ha enseñado de tal forma, que haya una preferencia a lo europeo y a las producciones masculinas. Bajo este contexto nace el arte contemporáneo, en la que los autores van a dudar de este discurso y van a demostrar que el relato es parcial y mucho arte se ha quedado fuera por un relato que absolutiza lo europeo y masculino.

Este 'arte de fuera', se va a estudiar en estudios temáticos, echándoles de la cronología y estudios tradicionales, que no es más que una hecha por los europeos. Esto va a llevar a los autores a la ruptura con la norma académica y va a dar lugar a la libertad creativa. Además esta libertad se va a ver acompañada de cambios formales técnicos y estéticos que le dan al arte un uso social. Y en muchos de los casos lo que se va a buscar es molestar, generar polémica y hacer reflexionar al espectador.

La ruptura de los sistemas de representación, del canon y la narrativa, de las normas y del arte como se ha entendido siempre, va a llevar a que se cree una libertad donde ahora va a predominar la individualidad del artista Algunos ejemplos de este desafío al discurso se ve en la evolución del arte desde el siglo XIX: - El primer caso es el de Napoleón a caballo por los alpes de Jaques Louis David en 1801. Es un autor neoclásico, y como su corriente, trata de representar a Napoleón de forma idealizada como se hacía en los retratos antiguos romanos. Es una forma de arte para mostrar poder.

- Con E.Manet, en 1863, con la pintura Almuerzo sobre la Hierba, se busca cuestionar el uso del arte, y a su vez la ruptura con los sistemas de representación del arte occidental. Esta es la clave del arte contemporáneo: la ruptura con el arte tradicional. Esta obra fue un escándalo en la época ya que se va a utilizar un desnudo, tradicionalmente reservado a lo mitológico para una persona normal. Usa las formas de pintura mitológica idealizada para representar 4 personas almorzando, rompiendo con el desnudo de la mitología, ya que ahora se usa en una escena normal.

Este cuadro tambien refleja la sociedad de su tiempo, pues se ven 2 burgueses con 2 prostitutas, algo muy común en su tiempo, pues fue una de las épocas donde más prostitución se consumía y donde más enfermedades de trasmisión sexual había. Con esta obra ya se empieza a dudar del arte por los elementos de la sociedad sin idealizarla y puede ser una fuente real que refleje el fenómeno de la burguesía de su tiempo, pasando el rato con 2 prostitutas. Se critica a la burguesía y a la aristocracia que ha escrito la historia del arte bajo un relato único, y con esto, se intenta empezar a romper con dicho relato.

- El impresionismo se conforma y consolida por los críticos y galeristas de la época, que no veían arte según el marco de categorías estéticas académicas. Esto hace que el género rompa con los estándares académicos del arte. Un ejemplo de ello va a ser La Rue Sant Honoré por la tarde; pues representa una calle sin destacar nada. Es la representación de esa calle una tarde cualquiera, con sus edificios, personas y en general la vida de esa calle de forma común sin representar nada. - Un cuadro también destacado es el de La Orana María, que refleja el primitivismo Básicamente cuestiona el arte occidental introduciendo culturas no canónicas (en este caso la de Tahiti).

El cuadro, aunque parezca mentira, representa a la virgen María como su nombre indica, con el niño. En esta obra se representa algo exotico y no canónico con la virgen María. Esto se hace para romper los estereotipos tradicionales. - El Talismán de Serusier, es pintado siguiendo las instrucciones de Gauguin (el autor de la Onana Maria, la pintura anterior), y con ello se rompe por completo con el arte tradicional, lo que desembocará en la creación de nuevos géneros artísticos de después y de esta forma, la abstracción más absoluta, rompiendo con la realidad, que es lo que caracteriza el arte contemporáneo. Es el camino hacía la abstracción, que comienza en esta pintura.

- En Alegría de Vivir se intenta reconectar el hombre con la naturaleza pero se la representa con otros colores, rompiendo la realidad. -Las señoritas de Aviñón es una pintura de Picasso. Es uno de los cuadros que da introducción a lo que más tarde se llamará cubismo. Representa un burdel de barcelona con ese nombre. La profundidad de la obra se ve reflejada en el espacio bidimensional. Todo ello va a evolucionar hasta la abstracción más absoluta, en la que llega La Primera Acuarela Abstracta donde no se representa nada. Sin contexto es imposible saber por qué se pintó.

Ahora, parece ser que el que la pintó era sinestésico (Podía pintar la música que escuchaba) por lo que se cree que está relacionado con ello. Es el inicio de la abstracción más absoluta. A partir de este momento lo que se busca con el arte es incomodar a los expertos, que no sepan cómo categorizar el arte, y saber que y que no es arte. Al no representar nada, es una tarea difícil ya que en el relato occidental TODO fenómeno artístico representaba algo. Por tanto estos autores van a hacer que se dude de lo que es arte, pues al final se llama arte porque se le llama así pero no representa nada.

Un ejemplo más claro es el del Urinario de Duchamp, que simplemente es un urinario dado la vuelta y firmado. Como se presentó en una exposición de arte se categorizó como tal, pero realmente no es más que un urinario. Con este tipo de obras de arte, Duchamp pretende dudar de los cánones del arte. La retórica de Duchamp atravesó muchas cuestiones. La más famosa es la que tiene que hacer un artista para que sus producciones se consideren arte.

Y es por ello que para romper que el arte sigue una lógica de lo bello, coje un objeto industrial, lo firma y lo presenta como arte, y ese es el objetivo del urinario, que demuestra que no se sabe bien lo que es y lo que no es arte, ya que un urinario firmado se considera arte. Con una simple firma en el objeto, ya se considera arte porque el artista ha intervenido en él. Yves Klein, propone 'Zonas de sensibilidad pictórica inmaterial'. Básicamente por oro vende un cheque, y lo vende a un elevado precio.

Pero la cuestión, es que para klein el arte es efímero e inmaterial, por tanto, será arte cuando queme el cheque que ha comprado el comprador, no antes, y tampoco después pues cuando lo quemas no hay nada. El arte pasa por la dualidad de lo material, que es cuando se compra es material, y pasa a ser inmaterial cuando se quema una vez vendido. Es una obra polémica ya que como tal, es un cheque sin nada que ver con lo que es el arte del relato típico. Con esta obra, otra vez se debate lo que es y no es arte, ya que lo que consideramos arte es puramente social y académico, y también, en parte, lo que es y no es arte está ligado al mercado.

En este aspecto la obra antes de ser vendida es inmaterial, sin valor, hasta que el mercado entra en juego y es algo material y con valor. También con esta obra se critica lo que se considera arte, pues en la mayoría de relatos, es una producción de un artista hombre y europeo, dejando otro tipo de obras de arte fuera del relato, de los museos, y del mercado. Por último Klein, no es defensor de las obras que se conservan en los museos, por su concepción efímera, el arte tiene eso que ser efímero y no estar en los museos ya que pierde una parte de la obra al presentarse en museos hasta la eternidad.

Es por ello que sus obras se llaman inmateriales ya que van a convertirse en arte cuando se queme y deje de ser material, durante un breve tiempo para convertirse en la nada. Y el arte es ese transcurso entre lo material y lo inmaterial. El impresionismo nació como un movimiento revolucionario y más tarde entró en las academias y en las dinámicas del mercado, por lo que se aburguesó dicho movimiento. En un principio fue criticado, y luego estudiado y comparado.

Tras este movimiento llega Duchamp, y crea un tipo de arte que duda de todo y ayuda a preguntarse lo que es y no es arte (el impresionismo en principio tampoco lo era, y luego se convirtió en arte), pues con el urinario no se puede establecer ningún tipo de estos cánones ya que es literalmente un urinario firmado.

Tras él, otros autores como Klein reivindicaron esta misma filosofía con sus producciones, que hacen dudar de todo, y su punto llega cuando otros artistas envasan su propia mierda y se vende como arte (Merda d'artista-Piero Manzoni), lo que ya deja en duda absoluta lo que es y no es arte y hasta qué punto la simple firma del artista hace que un elemento de la vida cotidiana (el urinario, las heces) se convierta en arte. Estos autores con sus obras, van a cuestionar el hecho de que el arte se pueda comprar y estar en museos. Por ello la Espiral de Jetty es una obra de arte que no perdura (a diferencia de las obras anteriores como las meninas), y se conserva a base de fotografías.

Estos autores cuestionan los museos. También van a decir que un artista, produzca lo que produzca va a ser arte. Esto es porque la figura del artista, tradicionalmente desde el renacimiento con Miguel ángel, se ha considerado un genio capaz de hacer y ver cosas que el resto no puede. Esto ha evolucionado, y en el siglo XX reflejan el arte con cualquier producción firmada por el artista lo van a considerar arte. En este momento tambien van a ser muy destacadas las obras del movimiento del 'Arte Feminista' hacía los años 70', que lo que hacen es representaciones con cosas esencialmente asociadas a la mujer (flores…). Además van a reflexionar sobre el porque no hay mujeres artistas.

Judy Chicago va a producir 'The Dinner Party' e introduce en esta obra nombres de mujeres que no han tenido suficiente mérito en su época por el hecho de ser mujeres. Son mujeres de la cultura popular. Además este movimiento también va a criticar que muchas producciones de mujeres, se han considerado artes menores, como es el caso del tapiz o la cerámica. Este arte va a buscar eso, considerar a las mujeres como artistas igual que a los hombres occidentales, y va a haber una gran cantidad de artistas mujeres. Destacan (que es un libro) 'Balada de la dependencia sexual' de Nan Goldin, que es un libro pero tiene reivindicaciones artísticas, y 'Serie Siluetas' de Ana Mendieta.

Esto incluye una serie de artistas que por el simple hecho de ser mujeres no se han llevado a los museos y no se incluyen en los estudios del arte como tal. Además el caso de la obra de Mendieta, es destacado el tema que es ella con su silueta y colores. En primer lugar la obra es esta, pero es una obra efímera ya que en algún momento se va a borrar. La evidencia de esto es la fotografía, y entra en otro debate sobre quién es el artista, si el fotógrafo o el que hace la obra efímera (también es posible incluir este debate en la espiral de Jetty previamente mencionada). Tema 1: Introducción al arte contemporáneo. Al arte de la Edad contemporánea, hay que entenderla en el marco social.

Su principal tópico es la ruptura con las bases, con los cánones… en general es un arte revolucionario ya que en la sociedad ocurren varias (Revol Francesa, Revo indu…). En esta modernidad que encaminan esas revoluciones, una de las principales ideas es el hecho del progreso, que va a ser un tópico en las principales sociedades modernas. Además esto se ve en los procesos culturales. El arte contemporáneo va a romper el típico sistema artístico. Esto va a generar un cambio en el sistema artístico, surgiendo espacios de exposición, promoción y también gente que apoye dichas rupturas y críticas. Esto en la sociedad va a generar una dualidad.

Por otro lado, es destacado cuestionar la moral, ya que ahora el artista va a crear lo que él quiere, no lo que le encarguen. Es por ello que se refleja en el arte esta ruptura, ya que ahora se pinta para él y no para alguien que lo encargue. En el siglo XVIII se inicia la modernidad, con ello, los artistas hacia el arte que van a buscar ruptura con lo tradicional, ya que lo que se busca es cuestionar al artista, y cuestionar el arte en general. Todo ello va a llevar una serie de cambios técnicos, estilísticos, y formales y por consiguiente en las academias de arte. Además se va a buscar generar polémica ya que es esta la esencia revolucionaria.

Destaca Manet como uno de los primeros autores que rompen con el sistema artístico occidnetal y que hace dudar de lo que es el arte. Todo ello nos lleva a perder el anclaje de lo que es el arte en este proceso de ruptura, y con ello romper las relaciones público-espectador, ya que estos, el público, no lo va a entender o no de la forma tan cómoda como antes. Dentro del rechazo de los pilares del arte, hay 2 muy destacados: Dudar de la belleza del arte, y dudar de la historia del arte tradicional. Va a cuestionar estos dos puntos principalmente.

Por otra parte a nivel formal va a romper otro de los fundamentos del arte occidental, que tradicionalmente había intentado representar la naturaleza y ahora se va a romper con esta representación de la naturaleza y con los sistemas de representación. Esta revolución artística se va a dirigir hacia la libertad, y es por ello que toma este arte un tono rupturista o de cuestionamiento de normas y fundamentos que ordenaban el sistema artístico. También van a estar en contra de los valores absolutos, es decir, rechazan la idea de que la belleza objetiva o una belleza absoluta, donde algo es feo o bonito por determinados valores.

Van a decir que el arte es subjetivo ya que a cada quien le aporta una cosa cada cuadro, no es lo mismo para todos. En este proceso rupturista hay 3 principales etapas: -El primero de todos es la ruptura del contenido. Desde el principio del siglo XIX se establece eso que se llama 'jerarquía de géneros' que ordena las pinturas según su género. Esta jerarquía es: 1 religioso, mitológico, histórico; 2 retratos; 3 pintura de género ; 4 Paisajes; 5 naturaleza muerta. Esta jerarquía va a ser cuestionada ya que en cuadros como en 'Almuerzo sobre la hierba' se mezclan los diferentes tipos de géneros, como el retrato, la pintura mitológica y la naturaleza, por eso dudan de la jerarquía de género.

Tras esto van a evolucionar géneros como el futurismo (representa la máquina, el coche, lo industrial en general…) donde ya tras romper los géneros tradicionales se crean vanguardias que llevan consigo un pensamiento político. - En la segunda fase, se va a dar la ruptura formal: Se va a romper el sistema de representación (ventana Albertiniana, perspectiva…). También destaca la ruptura con el arte figurativo y va a comenzar la abstracción. Por tanto dentro de esta ruptura y después, destaca cualquier cosa al margen de su estimación artística, que puede o no ser arte. Uno de los cimientos que va a romper es la perspectiva.

La perspectiva es algo esencial del renacimiento y va a llegar durante toda la Hº del arte hasta el siglo XIX. Uno de los casos más destacados de esta ruptura, es el cubismo, donde rompen con la realidad física y la recrean a base de figuras geométricas, jugando con la perspectiva y el espacio. Básicamente pone diferentes formas geométricas superpuestas desde diferentes perspectivas. En un principio cuestionan la representación espacial clásica desde el renacimiento y la perspectiva desde otros puntos, no únicamente la lineal, o la albertiana. Lo que se busca representar, es el 3D desde otras perspectivas.

Además paralelamente destaca la abstracción donde autores como Kandinsky, van a dudar de que se tenga que representar algo en el arte. Y ahí salen cuadros como 'Sin Título'. -La tercera parte, es la ruptura con el concepto de arte moderno. Es un cambio hacia lo polémico, donde el público cuestionó al artista. Se va a cuestionar toda la categoría del arte. Además del arte como tal, se cuestiona el entramado artístico (Público, críticos, institución del museo, el mercado…). Va a cuestionar la mayoría de los relatos de la historia del arte. Con esta ruptura, van a destacar el arte de las performances. Van a reivindicar el arte como momento único, pues ocurre la performance y ya.

Por tanto la experiencia artística es del momento irrepetible que sientes al ver tal representación. En los años 20-30, va a haber un movimiento que va a reivindicar que cualquiera puede hacer arte, poniendo en la mesa la cuestión del porqué no hay arte no profesionalizado cuando producciones de arte de niños, enfermos mentales y mujeres también existen pero no se han hablado de ellos. Y no solo esto, sino también que los artistas que no son occidentales no han tenido relevancia en la historiografía del arte tradicional. Un ejemplo de ello pueden ser los autores institucionalizados en otros continentes, pero al no ser 'El gran maestro occidental' no se incluye.

Además destacan obras de carácter instantáneo, como los 'Disparos Rojos' de Anish Kapoor o El Espiral de Jetty. Es un arte del momento y después no existe. Con este arte lo que se cuestiona es la historia del arte y el relato artístico, es decir, el tipo de obras que se deben exponer y cuáles no. Y estas obras son las que dudas de ello. R. Serra con La Materia del Tiempo, habla de la experiencia artística, e interactúa de manera física con las obras. Esto de la experiencia artística, se va a ver representado en las performances. Una de las más famosas es la de Carol Schliemann, que reivindica el arte femenino. Otro ejemplo de ello es el de Judy Chicago.

Otra reivindicación, va a ser en términos geográficos, ya que al igual que con las mujeres, los artistas no eurocentristas tienen una concepción secundaria, y lo mismo ocurre con las artes no europeas, ya que se quedan fuera de las academias de arte. Este arte no se estudia porque la historia del arte se estudia en Europa. Y es este el problema, que se centra la historiografía del arte en Europa, y se han establecido discursos y cánones de arte, a partir de obras europeas. De esta forma, elementos artísticos de otros continentes y culturas, no son reconocidos como tal, ya que los cánones son europeos, y los ejemplos de arte africnao, asiatico…

no entran en ellos, por lo que tampoco entran en el discurso artístico. Un ejemplo que lo reivindica es la obra llamada 'América Invertida'. A raíz de esto, hay una exposición que se llama 'Magos de la Tierra' donde dialogan artes canónicas, con obras de arte/artefactos/artesanías… de otros continentes como Asia, Africa… Con ello reivindica que estas obras de arte, depende de donde sean producidas, se va a dar más o menos peso, porque así está establecido en la historia del arte. Además cuando estas obras secundarias comienzan a ser famosas y expuestas en museos, su valor en el mercado también crece. Todo esto mencionado, es una crítica hacia el concepto de Belleza.

Este concepto se establece en los modelos clásicos de belleza perspectivas,proporciones, armonía…) y se fundamenta desde el renacimiento hasta la ilustración. A nivel teórico, este concepto se va a poner en duda a finales del siglo XVIII. Esto sucede ya que hay alternativas a la belleza objetiva, como lo pintoresco o lo sublime. Esto hace que la belleza, deje de ser objetiva, y lo bello empiece a depender de cada persona, es decir subjetivo. Inicia en la ilustración, ya que se comienza a hacer historia del arte con Winkelmann, desde un punto de vista científico.

El texto fundador de la disciplina es 'La historia del arte de la antigüedad' y ahí establece la cronología del mundo griego, dividiendo sus etapas en arcaico, clásico y decadencia (mundo helenistico). Es una concepción que se estudia de forma crítica y racional pero desde un punto de vista europeo y estableciendo los cánones de belleza de la antigüedad. Ello va a ser criticado y discutido, por los artistas de después, que van a romper con estos cánones de belleza y se mantienen hasta la actualidad. Hacia el siglo XVIII se empiezan a establecer nuevas categorías estéticas.

Esto corresponde con la emergencia de lo sublime, es decir el desorden, lo infinito, lo emocional…Lo que se busca es arte desde la experiencia, grandeza de lo natural, subjetividad sensible y expresar asombro, terror, grandeza… Esta nueva categoría estética, se contrapone a la belleza clásica, al orden, a lo perfecto… Y de eso trata, de en vez de destacar la armonía, belleza y más elementos que se han destacado tradicionalmente, en este caso se va a buscar lo irracional, el miedo, lo incontrolable… Estos ideales están muy relacionados con el movimiento del romanticismo, que esencialmente buscaba esto. Es una reacción contra la ilustración que premia los sentimientos frente a la razón.

El arte contemporáneo, se va a relacionar con 4 principios: Revolución, Progreso, Ruptura, Disrupción. El concepto de modernidad tiene su origen en la E.Media y se usa como un término que significa lo reciente. Inicia en el renacimiento a nivel teórico como una forma de transformación de lo anterior, es decir la edad media. En la ilustración en realidad se va a buscar lo mismo con nuevos pensamientos modernos, como el positivismo, racionalismo, lo moral… Es un contexto revolucionario similar al del siglo XV. La ilustración es un movimiento que va a promover los valores de la modernidad: Progreso, razón, moral universal, desarrollo de la ciencia y nuevas formas de estado.

nace como un espíritu revolucionario de individualismo y libertad. Además este planteamiento es 'superior' respecto a lo anterior, y que en muchas ocasiones se extiende como modelo para civilizaciones imperialistas. Esto tiene mucho que ver con el eurocentrismo. Hacia el siglo XIX, se va a desarrollar la modernidad a partir del desarrollo industrial, revos políticas, uso de la razón, igualitarismo intraeuropeo… En este contexto va a nacer el arte moderno (el propiamente contemporáneo, porque es de la 'edad contemporánea'), con un espíritu revolucionario, como una subversión a la academia. Algunos ejemplos pueden ser autores como Manet o Bouguereau.

Este concepto de modernidad en el siglo XIX va a verse descrito por Baudelaire y el pintor de la vida moderna. Básicamente lo que reivindica es entender el presente de las ciudades en crecimiento. A nivel académico el concepto de modernidad se identifica en el modelo europeo, y sirve para legitimar el imperialismo. A nivel artístico se desarrolla la modernidad en Europa. El concepto se desarrolla según los discursos eurocentristas y lo que se quiere entender cómo modernidad. Estos países van a ser los inventores de la modernidad, aunque sea exclusivamente europeo.

Y es esto lo que va a relacionar con la modernidad, la producción europea que se toma en las academias como obras representantes del modernismo, aunque únicamente son europeas. Esto va a ser criticado ya que en la historiografía nada de otras artes pueden verse incluidos en este discurso. TEMA 2: De la Ilustración a la revolución romántica: Lo clásico y lo romántico. A mediados del siglo XVIII, es donde nace la ilustración. Además tras la revolución francesa se va a producir un cambio en lo cultural, político, y por lo tanto también artístico.

Es un contexto donde se pasa del A.Régimen al estado moderno, añadido al surgimiento de la burguesía y nuevas clases sociales que engendraron evoluciones. El neoclasicismo se va a dar al principio de la ilustración. Es una época donde disciplinas del conocimiento van a tener su hueco en lo académico. Se vincula todo ello con el racionalismo, cientificismo… Así surge la Enciclopedia de Diderot y D'Alembert, donde reúne todo el conocimiento humano, Es aquí donde se ordena el concepto de modernidad, con la explosión de las ciencias. Surge la idea de progreso y civilización, siempre orientado al ejemplo europeo.

A nivel artístico, va a ocurrir un solapamiento de diferentes estilos, ya que se van a ir superponiendo los diferentes movimientos. Además, artistas van a combinar estilos como David y Goya. Algunos de estos estilos son el Rococó, Neoclasicismo, Romanticismo… que van a ser superpuestos y en muchos casos se contradicen. En este momento en las academias se van a formar los artistas, y se convierten en espacios que legitiman el concepto artístico, y los jóvenes se van a formar en técnicas y materiales para el arte. En el siglo XVIII, se consolida la jerarquización de las Bellas Artes, provenientes de Alberti. Se van a constituir como instituciones que legitiman el arte.

Además muchos de los artistas van a producir reproducciones del clasicismo. Por tanto, todo lo que se salga de lo clásico, va a conllevar problemas en las academias. Todo género que no sea mitológico, histórico o retrato, no se va a tener en cuenta, pero a partir del siglo XIX esto se va a cuestionar. Estas producciones se vendían bien y por tanto van a seguir produciéndose. En esta etapa hay 2 conceptos esenciales: - Lo clásico, que se vincula con la antigüedad grecolatina y el renacimiento (humanismo, clasicista…) De la edad media sin embargo no se recupera nada ya que es tomada como una época oscura y decadente.

Por así decirlo, las bases establecidas por el renacimiento, van a ser las mismas pero ya consolidadas en los neoclásicos. - Lo romántico. En este contexto neoclásico se va a dar el concepto de lo romántico, que era todo lo contrario. recupera lo irracional, los sueños…. Y echa su mirada a los imaginarios que no entran en lo clásico, es decir la edad media y oriente. Por ello los pueblos nórdicos van a tener mucha influencia en el concepto y lo gótico también. Bajo estos conceptos surgen las corrientes correspondientes: El neoclasicismo (busca lo ordenado, racional, académico…) y el romanticismo ( lo irracional, imposible, sublime, antiacadémico).

-Neoclasicismo El arte neoclásico es un arquetipo donde se ha establecido el arte grecolatino como el arte supremo, y los artistas van a basarse en los modelos clásicos. Con la Revolución Francesa los valores clásicos se van a reencarnar con los valores revolucionarios y pasa de representar al absolutismo a representar la revolución y el cambio. Por tanto, lo neoclásico nace como una corriente revolucionaria. Por otra parte, con la caída del Iº Napoleonico y la restauración, se va a traducir como la búsqueda de identidades nacionales, particulares y va a dar la búsqueda y expansión del romanticismo.

Por otra parte, aunque la inminente corriente romántica se expandiera, la arquitectura neoclásica va a continuar ya que la ciudad se consolida como lugar e instrumento de la vida social, aunque con una creciente complejidad. El modelo clásico sigue siendo un punto de referencia en la arquitectura ya que es un planteamiento racional y ordenado. El Trianon de Versalles, va a ser remodelado por Gabriel, y se recuperan elementos del clasicismo como los órdenes arquitectónicos, los dinteles…..

Dos arquitectos muy influyentes de la época, proponen proyectos de renovación arquitectónica de Boullée y Ledoux, y se habla de que estos arquitectos hicieron el Cenotafio de Newton, uniendo arte, cultura y ciencia. Además los esquemas de Boulle siguen un esquema de racionalidad geométrica. Estos esquemas, se van a volver en el círculo neoclásico. Básicamente el movimiento neoclásico va a recuperar los modelos clásicos y los renacentistas. En la pintura destaca este movimiento en los valores de la ilustración y la revolución francesa. Destaca Jean Louis David.

Va a formarse en las academias del siglo XVII y va recuperar/continuar con temas vinculados a la antigüedad aludiendo a escenas históricas/mitológicas y también utilizando la estética clásica con diferente significado. Va a ganar el premio de Roma que es residir 4 años en Roma, donde se refleja la antigüedad y el renacimiento y el barroco. Esta influencia de su estancia en Roma se ve reflejado en sus producciones.

En un principio va a formar parte de las academias y va a formar parte de la monarquía absolutista (Real Academia de Bellas Artes), pero con la rev francesa y los movimientos intelectuales, David y otros van a reformar estos ideales clásicos asociandolos más a la revolución que a la monarquía. Por otra parte, en estos momentos se va a dar el Grand Tour, que es unos viajes de hijos de las clases altas para ver producciones clásicas y recorren Europa y el mediterraneo destacando Grecia y Roma. Además van a hacer diarios mostrando su contacto con la antigüedad como el diario de Goethe. David además va a ser muy comprometido con los valores revolucionarios.

De esta forma, toda la obra de David se constituye recuperando el modelo clásico que se vincula con los ideales de la revolución francesa. No solo es la estética, sino que hay un cambio en su significado. Además no solo se va a identificar como tal, sino que también pertenece a los Jacobinos. David es un pintor transitorio entre el barroco y el neoclasicismo. El Juramento de los Horacios es una pintura equilibrada, con perspectiva, arcos de medio punto, en general ideales clásicos. Aunque también la representación de diversos colores y sombras aportan un ideal barroco aportando algo de dramatismo. Destacan que los hombres están en posición piramidal en la entrega de las armas, y con firmeza.

Del otro lado, las mujeres adoptan una posición propia de lo femenino, mostrando las débiles en posición vaga, llorando… En esta escena, se ve el valor de 'Lucha hasta la muerte', que es ideal revolucionario en la época. Otro contexto del neoclasicismo es que a partir de 1790, la difusión de la cultura revolucionaria que pertenece al contexto francés va a ampliarse a otros contextos, como en España con las desamortizaciones… Además en 1793, se estableció el Museo del Louvre, mostrando las colecciones reales y el patrimonio nacional de la monarquía. En ella se ven pinturas italianas, francesas, flamencas… Con ello se va a construir el estado moderno francés a partir de este patrimonio.

Con esto se va a crear una narrativa ideológica política y casos como David van a cargar sus obras de temas ideológicos. En Los Lictores llevan a Bruto los cuerpos de sus hijos, se vuelve a mostrar el paralelismo del héroe de la antigüedad con el héroe revolucionario. Con ello se ve como está reflejando la república francesa en la república romana. Además se vuelven a ver los hombres racionales, heroicos… mientras la mujer representada con emociones, irracional, débil… Además el escenario y la iconografía es una consolidación del imaginario de cómo sería la antigüedad Romana. Parte de fuentes, pero también del imaginario de los pintores.

El Juego de la Pelota parece ser que es el boceto de un cuadro, y se ve a David como el pintor de la revolución francesa. Está volviendo a consolidar la composición clásica partiendo de la perspectiva triangular y otros elementos. La muerte de Marat es una obra que refleja a Marat, un jacobino que fue asesinado por una mujer contrarrevolucionaria y se convirtió en un mártir desde un punto de vista ideológico y político y que apoyaba el propio David. Refleja en él todos los ideales de la cultura europea que se manifiestan con las revoluciones. A través de esta figura está representada la figura de un mártir de la iconografía cristiana.

Pero en este caso la carga de un significado moderno se relaciona con los ideales de la revolución. En el Napoleón a Caballo Cruzando los Alpes, se ve la figura heroica con los valores masculinos y además se ve en el suelo nombres de figuras históricas como Anibal, Carlomagno y al lado de ellos el de Napoleón, igualandolo a la altura de los otros personajes. La Consagración de Napoleón (Jacques-Louis David, 1805-1809, Museo del Louvre), gran óleo sobre lienzo.

La coronación y la consagración tuvieron lugar en Notre Dame de París, cambiando el protocolo del Antiguo Régimen, para significar que era hijo de la Revolución: designaba la capital como el centro político, administrativo y cultural de Francia.

Paradójicamente, la retórica y la narrativa artística, iconográfica y visual remiten a la de los grandes retratos monárquicos absolutos, así como el uso de determinados símbolos de la monarquía (la corona, el manto, el cetro, el escenario, etc).Llama la atención, el espacio arquitectónico elegido: Notre Dame de París era de estilo gótico (vinculado a las monarquías absolutas), razón por la cual David cambia el interior y coloca un referente arquitectónico vinculado con la arquitectura clásica (que podría ser neoclásico o renacentista); uniendo una vez más con su retórica artística los valores revolucionarios con lo clásico." La escultura neoclásica destacan sobre todo la grecolatina en bronce y copias romanas en mármol, como ejemplo donde identifican los valores estéticos en esta época.

Su epicentro va a ser roma principalmente con las esculturas de Cánovas y Thorvuldsen. El neoclasicismo entró en crisis ya que no cuestionaba los valores absolutos del arte ni la belleza, ya que defienden que el modelo clásico es la belleza eterna. Con ello se va a establecer un debate entre si es así o no, y de ahí van a surgir movimientos modernos, empezando por el romanticismo. - El Romanticismo El romanticismo es un movimiento cultural y artístico además de ideológico que establece su producción en contra de los ideales ilustrados. De esta forma va a primar lo irracional, las emociones, los instintos, sentimientos, afectos…

Ello va a llevar a interesarse por religiones antiguas, tradiciones populares, manifestaciones culturales/artísticas que no responden al canon… Con ello, se van a interesar con las culturas que no se identifican con los valores clásicos, reivindicando lo medieval, y oriental, que son elementos fuera del canon neoclásico. De alguna manera y en territorios europeos, vamos a ver una identificación de lo romántico con el siglo XIX. El romanticismo es un arte transdisciplinario donde se ven esos ideales del romanticismo, la muerte, lo monstruoso, el terror en otras artes, como la literatura. Algunas de estas obras pueden ser el Frankenstein, Notre Dame de Victor Hugo, o el Anillo de Nibelunga.

Básicamente se recuperan muchos tópicos de la E.Media que el canon grecolatino ha abandonado. Uno de los pilares que va a criticar va a ser la belleza que ha regido buena parte de la historia del arte occidental. En contraparte van a formar en el siglo XVIII el concepto de lo sublime que va a crear el ideal romántico. Una edición que destaca este concepto es lo sublime de Burke. Lo sublime es un concepto que se teoriza en el siglo XVIII y se consolida en el siglo XIX. Va a priorizar las sensaciones que pueda producir en el espectador. Es lo contrario a la belleza que prioriza la estética. Lo que busca a diferencia de la belleza, es el desorden, lo ilimitado, la oscuridad, lo terrorífico…

Es todo lo que de alguna manera va a generar miedo e incomodidad, pero de alguna forma al hombre le va a acabar viendo atractivo por no comprenderlo. No puede ser comprendido desde los principios racionales y es por ello que despierta interés. Mucho de esto, se va a ver reflejado con la naturaleza que es inmensa e infinita a la vez que incierta para el ser humano. Destaca Friedrich y el El caminante Sobre el Mar de Nubes. Puede ser que refleje al propio espectador ante la naturaleza que no se puede controlar. Esto a al vez es una crítica a lo racional y científica, ya que el psiquismo humano es mensurable y la naturaleza es inconmensurable.

Y es esa la estética de lo sublime: lo que no puede controlar el ser humano. El paisaje romántico va a tener un aspecto fundamental en la estética del romanticismo. El paisaje también se entiende como un reflejo del estado de ánimo del artista. En la pintura de Daguerre con Niebla y Nieve en las Montañas, vistas a través de una ruina gótica destaca que refleja estos imaginarios románticos: la naturaleza, la E.Media; el paso del tiempo y el paisaje, todo ello refleja el ideal romántico. El paisaje refleja el frío y la soledad. Además también destaca esa magnitud de la naturaleza ante el hombre; y destaca los reinos. William Turner va a reflejar el ideal romántico.

Va a ser de los primeros en dar importancia al paisaje. Los románticos creen que se merece mucha más importancia que la que se tenía en lo clásico, donde importaba lo histórico, mitológico, religioso…y todo ello impuesto por la academia. De la misma forma, van a encontrar en los paisajes una forma de expresarse. Además hay relativa abstracción pues no capta fielmente la naturaleza, ya que lo que interesa es la sensación y la expresión no tanto la realidad. El objetivo es meter al espectador en esta naturaleza indomable y abrumadora. (Esta obra es una Tormenta en el mar). Turner en Tinty Abbey, pese a conservar lo formal, ya destaca ese ideario de paisaje y reino.

En La Lluvia a Vapor y Velocidad lo que refleja es la industrialización, interesándose en el pasado medieval y en las innovaciones industriales. Casper David Friedrich es la persona que encuentra en la naturaleza la sensación de lo sublime. Además va a proyectar y encontrar un carácter trascendental en la naturaleza. Es quien refleja lo teórico de lo sublime. Refleja eso que el ser humano no puede controlar, donde se siente inferior y minúsculo y hay una analogía con la religión, ya que refleja que el ser humano es muy minúsculo ante la experiencia divina. Ello conecta de manera directa con la naturaleza.

De esta manera, va a reflejar en el paisaje lo divino, como aquello que no se puede explicar desde el punto de vista científico. La Cruz en la Montaña refleja un cristo crucificado y con los elementos de la naturaleza como el sol, lo invernal en los abetos. Además en la obra Cristo no es el protagonista, sino la naturaleza. En la Abadía de un Robledal, destaca la luz nocturna, la ruina de una arquitectura medieval…. Básicamente refleja lo fúnebre, el cementerio, la muerte, y todo ello además acompañado de un paisaje que da esa misma sensación. En la Mañana de Pascua, en parte se recupera ese significado sombrío en el paisaje.

Además refleja la Pascua, donde Cristo resucita, y se refleja en el amanecer aún con la luna reflejando, a su vez, el día y la noche, la vida y la muerte. Además la muerte y resurrección se refleja en los árboles que tras un invierno, están renaciendo sus hojas. En el Mar de hielo, destaca principalmente después del caos, llega la calma y se refleja en este cuadro. En El Caminando Sobre un Mar de Nubes, destaca lo sublime y refleja al espectador poniéndolo en primer plano ante la naturaleza. En El Monje a la Orilla del Mar, es esencialmente lo mismo, una persona contemplando la grandeza y lo inabarcable de la naturaleza y lo inferior y minúsculo que es el ser humano.

Destaca también el recurso de colocar a una persona frente al recurso natural que representa en su obra, que en este caso va a conectar también con algunas de las derivas por las que van a discurrir algunas de las corrientes expresionistas del arte contemporáneo. Con Mark Rothko, también se refleja este imaginario sujeto a la carga de la experiencia artística a la vez que la experiencia humana a través de la expresividad y los sentidos. Además la teoría filosófica de Kant, Hegel y Goethe van a influir al desarrollo de esta serie de imaginarios románticos. Edvard Munch es un artista noruego que se vincula con un arte que conecta con el romanticismo.

Destaca el Curso de la Soledad, donde refleja muchas sensaciones de melancolía, tristeza, depresión. Es simplemente reflejar los sentimientos ante la gran naturaleza inconmensurable. La pintura romántica francesa Genicault va a defender esa pintura romántica de prevalecer los sentimientos y las emociones en Francia. Va a ser un pintor de la alta burguesía, que de alguna manera consolida al artista moderno. Su obra más famosa es La Balsa de la Medusa. En esta obra pese a reflejar una escena heroica, en realidad refleja un naufragio real que se dio. El gobierno francés no hizo caso a esta tragedia, por lo que hubo un gran impacto mediático, y con ello se critica al gobierno.

En lugar de tratar este acontecimiento de forma heroica, refleja más bien un lienzo dramático y traumático. Va a seguir los cases académicos pero a su vez refleja desesperación, muerte… básicamente lo emocional y sentimental trasladado a un tema contemporáneo, a los ideales románticos. Delacroix se define como un dandy, en esa europa de la burguesía incipiente. El dandismo se convirtió en un referente para la moda masculina, para los valores y para las costumbres de las sociedades europeas muy agitadas por las distintas revoluciones acaecidas entre los siglos XVIII, XIX y principios del XX.

Esta corriente fue contestataria con la sociedad de su época y con movimientos como el romanticismo del que pretendía separarse. Aunque fracasados vitalmente, los seguidores del dandismo contribuyeron a crear la moda masculina actual, así como el concepto de celebridad, el de derechos de imagen y el de tribu urbana. Su cuadro más popular es la Muerte de Sardanápalo. Es un tema cogido de un libro de Lord Byron, y va a reflejar esta leyenda bajo los cánones románticos y orientalismos de la época. Es así como esta persona refleja una escena asiria con mujeres, riquezas y en general estereotipos que se creen en la época sobre cómo era el pasado en el próximo oriente.

En este contexto de colonialismo francés e inglés se genera como visión estereotipada que de cierta forma se sigue manteniendo. En las Mujeres de Argel, refleja el interés de la cultura, de la gente de un viaje en Argel. Esto está sujeto a unos estereotipos europeos, y es en parte una crítica a estos estereotipos pues al convivir con ello se da cuenta que en parte son equivocados. En la Libertad Guiando al Pueblo, destaca la glorificación del pueblo frente al estado. Además la figura de la mujer refleja esa libertad, que además es el centro de la composición, estableciendo una perspectiva piramidal.

Con Dominique Ingres, destaca su representación de la La Gran Odalisca, que representa exactamente ese estereotipo que se ha inventado el artista sobre oriente, pues nunca viajó para reflejar de forma real. También, con el mismo razonamiento, destaca El Baño Turco, donde otra vez representa a la perfección el imaginario europeo sobre los países del oriente. Básicamente el romanticismo francés, va a dejar de lado los temas sublimes, y en parte los cambia por los orientales. Lo que conserva del romanticismo, es, esencialmente su gama y su paleta de colores, aplicado a diferentes temas. Tema 3: Del realismo al pintor de la vida moderna.

El realismo surge como movimiento en contraposición del romanticismo y va a representar la realidad tal y como es. Crítica en parte al romanticismo por su idealismo. Además va a surgir otro tipo de movimientos a partir de este. El realismo surge entre 1840 y 1880. Está en contra del romanticismo que se consolidó la década anterior. El realismo va a buscar representar la realidad fielmente. Artistas como Delacroix critican la teoría de la academia, pese a que a nivel formal, continúan usándola aunque con otros significados. El realismo va a representar el concepto de mimesis, que es representar la realidad de la forma más real. Esto se lleva dando desde la antigüedad hasta ahora.

Pero el aporte del realismo, es que deben entender que el artista moderno debe representar la realidad, y además la de su tiempo, no la realidad clásica o mitológica. El pintor de la vida moderna tiene que ser eso, representante de su tiempo y su realidad. Además no va a haber características unitarias estilísticas, pues la realidad de cada pintor es diferente. Esto se debe a que depende del estrato social, interés, contexto, relación con la filosofía, el contexto rural… es diferente de cada autor y lo deben reflejar en el arte, la realidad personal de cada autor, esencialmente.

Los aspectos más destacados del realismo son: -Influencia de la fotografía: ver las cosas desde una mirada moderna, menos encuadres y más artificialidad - Reacción al movimiento romántico: el realismo no evade la realidad a través de la búsqueda del pasado, la imaginación, la fantasía. Representa lo real - Se rechaza la visión subjetiva del genio romántico, muy ensimismado en sí mismo - Cree en desuso los temas literarios y las historias del pasado - Temas de actualidad.

Trabajadores, indigentes…Lo que conlleva la ciudad industrial - Influencia positivismo de Agust Comte y el empirismo que impulsa las ciencias COUBERT En 1846, no menos de 4 cuadros de este autor fueron rechazados por el jurado del Salón Oficial junto con más obras de un artista que se presentaron a una exposición organizada por la Academia de Bellas Artes.

Por esto, en 1855 por la Exposición Universal de París, crea su propio circuito expositivo en Pavillon du Réalisme, una exposición que va a asociada a un texto sobre su concepción del realismo y procesos Él defiende que el arte de la pintura sólo puede consistir en la representación de objetos visibles y tangibles para el artista, por lo que son necesarias las representaciones de cosas reales y existentes. En el salón de 1850, le rechazan muchas obras. Estas son: Un entierro en Ornans, Los campesinos de flagey, Los picapedreros.

Son rechazadas porque son obras de gran tamaño muestran una realidad a los jueces ricos, es una realidad obrera con la que no se sienten representados, por lo que son temas que cualquier académico considera que son intrascendentes. Con ello, se ve la vuelta a la jerarquía de los temas, los cuadros de gran tamaño tiene que ser con motivos históricos o religión, este cuadro cambia el sujeto de la historia. Otra obra conocida de Courbet es "El taller del pintor/ una alegoría real de siete años de mi vida artística y moral (nombre original)" En esta obra vemos a un pintor rodeado de espectadores con una mujer semidesnuda actuando de modelo.

Este cuadro es un guiño a dos partes de su vida, a la izquierda la parte más `proletaria' de su vida, mientras que a la derecha vemos a la burguesía adinerada, y la mujer actúa como una musa o venus con un desnudo idealizado y artístico en el taller del pintor donde vemos los dos círculos de su vida. El lado izquierdo, muestra su origen rural, y la derecha el contexto parisino en el que se introduce como artista, con personajes importantes de la época representados. Este cuadro fue también rechazado. "El origen del mundo" fue un encargo para un diplomático que tenía una colección de desnudo femenino como una venus idealizada, y Courbet le hace esto.

Esta vez la obra es pequeña porque se la enseñaban solo a pocas personas el propietario, aún así es un enfoque feminista contra la mentalidad de la persona que lo encarga. Esto vuelve a pasar en "Las bañistas", desnudo femenino en el paisaje. Rompe con los desnudos de carácter más erotico para propietarios masculinos, Courbet hace un desnudo mitológico que representa a dos prostitutas que ejercían en bosques y parques con poco tránsito, incomoda al burgués una vez más. En estas obras son importantes estos dos acontecimientos : El Manifiesto comunista de marx en 1848; Revolución obrera en Francia en 1848.

Por eso el realismo se preocupa tanto con la clase trabajadora, es un arte que muestra la nueva situación frente al escapismo romántico, haciendo frente al arte burgués y mostrando al arte como búsqueda de la verdad. Una obra importante del momento también, es Jean Luois Ernest Meissonier Barricadas en junio de 1848, donde se representa la consecuencias de la revolución con los cadáveres de los asesinados. Muestra la cruda realidad de una revolución sin heroísmo o esperanza como pasaba en cuadros anteriores como la balsa de la medusa. El segundo de los artistas vinculados al realismo es Millet. En sus obras destaca sobre todo el contexto rural.

Sus cuadros son menos grandilocuentes y forman parte de un contexto rural que forma parte de la propia vida del campo. Es paradigmático que con la industrialización de la época, estos autores tengan intención de representar un paisaje y contexto rural. De Millet destaca Los Ángelus, y Las Espigadoras, que presenta el trabajo físico del mundo rural demostrando el gran trabajo. -El pintor de la vida moderna París es la encarnación urbana de la modernidad. Y también en las últimas décadas del siglo XIX es aquí donde se va a desarrollar el arte moderno y las vanguardias. Es la ciudad donde la urbanización fue muy ordenada.

Esto fue porque el 'plan Haussmann' fue un plan donde se demolió prácticamente la ciudad y se creó una ciudad racional y ordenada, prácticamente de nueva construcción a principios del siglo XIX. Aunque más tarde se fue remodelando. Además más adelante, la periferia se fue reformando también y destaca una transformación hacia lo moderno quizá más desordenado. Un ejemplo es Motemurte, que fue una ciudad en la periferia de París donde iba a ser refugio de los artistas.

Por otro lado, este hecho de la urbanización de la periferia, va a hacer que el centro de parís no sea únicamente la ciudad donde hay todo, pues en esta periferia van a haber teatros, bares, música incluso cine ya que es aquí donde esta cultura alternativa se va a expandir. "El Pintor de la vida moderna" es una obra de Baudelaire, que descubre el perfil del pintor moderno. Flaneur, es un concepto que refleja esta actividad, que es un observador apasionado, siempre hombre, para inspirarse en el arte. Es un hombre ejemplo que se interesa por este nuevo ocio y cultura que va a llevar acompaña el gusto por la urbanización y las luces.

Además era muy reservado estos nuevos modelos de ocio y cultura, solo para los hombres, y las mujeres que podían acceder a estos nuevos gustos modernos eran bailarinas, camareras o putillas de Abalos, actividades vinculadas a la clase baja. Por otro lado, en el impresionismo, Griselda Pollock describe varias artistas de clase alta, que lo que hacen es a través del arte, representar actividades de la maternidad, o el parque, lo que para el artista moderno de Baudelaire no es moderno, es tradicional. Y es por ello que se excluye a las mujeres de este nuevo movimiento artístico.

Griselda Pollock, pone a este pintor moderno de una estética únicamente masculina y excluyendo todo lo fememnino, básicamente porque no representa la estética de Baudelaire. En este contexto surge el estilo 'Pompier' que es el arte académico de la época, y estos autores que estaban rompiendo con lo tradicional lo llamaron de esta forma, que es peyorativa. Y de esto va a surgir el salón de rechazados en 1863, donde artistas rechazados van a montar una exposición de rechazados por la academia. Lo que buscaban eran discursos alternativos a los oficiales. Eudouard Manet Es la personificación del pintor de la vida moderna.

Es quien inicia la vida moderna, y de joven en Río de Janeiro va a querer dedicarse a la pintura. Erróneamente se le encaja en el impresionismo,y esto es porque es difícil en este momento estructurar a los impresionistas. Se va a interesar hacia lo moderno, la ciudad, lo transitorio. Es el Flaneur, el dandy que refleja el modo de vida moderno. Es un artista magnífico con una enorme obra.

Destaca el Almuerzo sobre hierba, donde recupera la retórica visual de obras de temática mitológica, de escenas en la naturaleza comparandola con dos burgueses y dos chicas, rompiendo con el canon literario de la pintura mitológica, que justificara la legitimación de la obra y por eso fue rechazada a nivel académico. Fue muy influenciado por Velázquez y las producciones del Museo del Prado. También va a destacar Olympique básicamente es la representación de una putilla, que mira directamente a los ojos. Lo que hace con estas dos obras es romper con lo formal y lo temático de las escuelas. Manet es el ejemplo del artista moderno que no se puede catalogar.

E.Degas es otro artista que va a ser muy influyente en los impresionistas y también es el ejemplo de pintor moderno. La pintura en estas últimas décadas del siglo XIX va a transformar de alguna manera los encuadres. Y Degas es un ejemplo (En 'Un Café o La absenta'), ya que lo que ocurre es que el cuadro deja de ser una composición centralizada. Es parte de la composición, y un cambio en la mirada compositiva. Parece ser que la fotografía influyó en este cambio pero no es real esto, ya que la fotografía no es tan sofisticada. Esto parece ser que la perspectiva descentralizada tiene más que ver con los tópicos japonés (100 famosas vistas de Edo).

Básicamente empiezan a ver que la mirada occidental tiene alternativas, como las vistas descentralizadas del paisaje como es la estampa japonesa. Otra obra muy popular de Degas, y de esta descentralización es la Bailarina Basculando. Que lo que quiere representar es el movimiento. Además en otra de sus obras va a seguir con esta descentralización y lo que quería era capturar el movimiento a tiempo real. Y esto con la fotografía de E.Muybridge en Mujer Bailando, es lo que se quiere capturar, el movimiento. Lo que se buscaba era representar los diferentes movimientos.

El Japonismo: Japón había permaneció aislada durante mucho tiempo, y hacia esos años de después de la mitad del siglo XIX (1868 con la japón meiji), van a desaislar, se van a comerciar e occidente elementos de su cultura como paraguas, estampas… y los artistas de la época se van a interesar por ello. Destaca además la expansión de lo japonés y el local de Samuel Bing, quien va a traer a su tienda estos productos y lo van a comprar los artistas. Lo que tenía era imágenes del arte y artistas coetáneos pero en Japón.

Y esto va a tener un brutal impacto, se va a dar el japonismo, que pone en la mesa el impacto que genera todo lo japonés, en el contexto artístico de lo japonés y surge como consecuencia de esto. -El Impresionismo. El impresionismo surge en un estudio en descanso de Nadar. Es un catálogo de artistas que van a surgir en este momento, y esta exposición hecha por diferentes artistas, van a ser los fundadores del movimiento. Esta exposición es del 1874, y su nombre viene por un cuadro de Monet, del que se llama 'Impresión Sol Naciente'.

Lo que incomoda del impresionismo es además del tema poco canónico, es la poca calidad técnica, que van a creer que las obras están incompletas como si fueran en boceto. Eso se ve ejemplarmente en el cuadro de Monet. Además este concepto del impresionismo, puede tener su base en las producciones de lo sublime de Turner. Con el impresionismo hay un cambio radical, ya que ahora la producción en vez de hacerse en talleres, se va a hacer al aire libre, con un caballete, lienzo… y pintar al aire libre, y no en un taller.

Además va a destacar los temas efímeros, como el amanecer, el cuerpo, el atardecer, la lluvia, y esto va a hacer que se hagan cuadros rápidos con esa pincelada suelta del propio impresionismo. Es un trabajo rápido, ya que lo que interesa es representar lo que se ve, y acabarlo al momento, para evitar acabar teniendo que usar la memoria. Lo que va a predominar en el impresionismo es capturar la realidad, que se está viendo, es decir, el paisaje o el motivo tal y como lo ven, con la diferencia de que el impresionismo va a reflejar la sensación que está haciendo el artista en contraposición del realismo, pues ahora predomina la sensación que provoca tal paisaje.

Además las temáticas van a tener que ver con los ejemplos que decía Baudelaire, es decir, el tema va a ser reflejar la vida del pintor moderno. La pintura impresionista no representa nada, ya que en la pintura va a predominar la sensación. Todo ello es en contraparte de la academia y del realismo. Además destaca que la pintura está independizada del tema, y critican el gusto burgués. No representan nada, nada histórico, nada mitológico, simplemente representa cosas de la realidad, como en el ejemplo del Deshielo de Vethail de Monet, que no representa nada, simplemente un deshielo en un paisaje.

Otro ejemplo es el de Camille Pizarro, que básicamente refleja el boulevard de Saint Honoré, (La Rue Saint Honoré) que es un reflejo de la ciudad, sin significar nada. Es muy destacado la serie de Monet de la Catedral de Romen, que representa el paisaje a diferentes horas del sol y se ve como la catedral va cambiando de color segun la posición del sol. También se van a interesar por la modernidad y sus elementos, como la locomotora y en general lo moderno, como se refleja en la Estación de Saint Lazare. Otra serie de manera muy importante son los ninfeas, que es una serie donde va a reflejar unos nenúfares de un jardín de corte japonés que tenía.

Es destacado el año de la obra 1915-1926, donde destaca que pese a los movimientos vanguardistas, Monet va a continuar con su estilo impresionista. Además Monet tenía una casa en Giverny, con un enorme paisaje donde destaca que cada día pintaba algo de su jardín. Esto es inevitable en la estética japonesa, 1º por los jardines y 2º por las estampas japonesas, que son muy influyentes en la vida de Monet. También va a haber artistas mujeres esenciales del impresionismo como es el Willow at the Garden at Bougival de Morisot. De la misma, destaca el Espejo de Vestir, que se ve esa pincelada suelta, y a nivel formal lo que se ve es la intimidad de una mujer.

-Post impresionismo El impresionismo destaca por el reflejo y el paisaje de un pincel suelto, y quiere reflejar la ciudad moderna e industrial de París. El Postimpresionismo nace en 1910 por una exposición de Londres 'Manet y los postmodernistas' realizada por Roger Dray. Incluye la obra de Manet, Van Gogh, Mattise, Gauguin y Cezanne. La última exposición del impresionismo fue en el 1886, y en el 1910 sale esto del postimpresionismo. Esto es porque los autores postimpresionistas van a representar su obra con aún más sentimientos y sensaciones que los impresionistas. Además va a representar a muchas mujeres de los teatros, cabarets… del paris del final del siglo XIX.

Además estas mujeres van a ser muy importantes porque contribuyen a esa vida moderna de Baudelaire y va a aspirar a más artistas. -Vincent Van Gogh Es hijo de un pastor calvinista, y va a tener gran interés en la experiencia religiosa a través del arte al principio. Es por ello que se le considera artista incomprendido, adelantado a su época y con problemas mentales. Inmediatamente a su muerte va a constituirse como uno de los mejores artistas modernos. Algo muy importante en su carrera va a ser su hermano Theo, que le proveía de material para pintar (era dueño de una tienda de arte) y tras su muerte va a ser quien vaya a distribuir sus obras.

Con Comedores de Patatas, destaca su interés por la vida de las clases más humildes, y cómo viven. Va a ser muy influenciado por el impresionismo. Esto es porque llega a París y descubre esta pintura tan amable y maravillosa (el impresionismo), y en este contexto Van Gogh va a construir su arte, teniendo gran influencia de estos. Esto se ve también en el Retrato del Padre Tanguy, donde representa estas influencias impresionistas y las estampas japonesas. Como se ve también en el Huerto en Montmartre va a destacar la aparición de un espacio rural antes de las transformaciones urbanísticas de la época.

Durante su estancia en París, se ve como va a estar influenciado por el contexto holandes, y lo refleja pero con colores muy llamativos y cogen un punto central en la pintura de El…